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"Cinema Paradiso"
domingo, 28 de octubre de 2018
“La Jeune Fille Sans Mains / La Doncella sin Manos” de Sébastien Laudenbach (2016)
Son tiempos difíciles para un humilde molinero y su familia. El río que hacía funcionar su molino se ha secado, mientras la miseria y desesperación los rodean. Un día en el bosque, el molinero se encuentra con un extraño hombre que le ofrece riquezas ilimitadas, a cambio de “lo que está detrás de su molino”. Pensando que está hablando del árbol de manzanas que está junto a su casa, el molinero movido por la codicia acepta el trato, pero rápidamente se horroriza al saber que su única hija se encontraba jugando en el árbol, por lo cual también forma parte del arreglo. Tras años de riquezas y lujos, el extraño hombre, quien no es otro que “El Diablo”, llega a exigir lo que le pertenece. Pero como la joven es demasiado pura para que pueda llevársela, el Diablo le ordena al molinero que le corte las manos a su hija como castigo…
“¿Lo que estaba detrás del molino? Tu hija estaba ahí… Ella también fue vendida…”
Basada libremente en el cuento “La Doncella sin Manos” de los Hermanos Grimm, ésta película es la ópera prima del francés Sébastien Laudenbach, quien además fue el encargado de escribir el guion y de realizar la animación de la misma. El cuento es uno de los menos conocidos de los Hermanos Grimm, aunque existen muchas variantes del mismo, y ha sido tomado como inspiración para diversas novelas y poemas.
Utilizando una pausada narración con ritmo similar al de un relato oral, Laudenbach acompaña la voz en off de una narradora invisible con surrealistas y bellas imágenes similares a acuarelas, llenas de color y trazos gruesos, que se intercalan con imágenes esbozadas y transparentes, sobre fondos de colores sólidos, que junto a la hermosa banda sonora, convierten la historia en una experiencia sensorial completamente envolvente.
A pesar de que el filme parece orientado para todo público, toca de forma cruda temas como la discapacidad, la codicia, la traición y la muerte, mientras muestra de forma poética imágenes sangrientas y eróticas, creando a la vez una sensación de desesperación profunda, sin caer en ningún momento en el melodrama barato. Una experiencia minimalista y virtuosa, que traslada al espectador a una época en donde un cuento, daba rienda suelta a nuestra imaginación…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “La Jeune Fille Sans Mains / La Doncella sin Manos” (2016)
Director: Sébastien Laudenbach
Guion: Sébastien Laudenbach basado en el cuento homónimo de Jacob y Wilhelm Grimm.
Mr Pickles: La serie animada más grotesca desde South Park
El sarcasmo pasó a segundo término, ahora los temas jocosos son absurdamente explícitos
Entre violencia gráfica, humor negro y gore, son narradas las aventuras de este satanico personaje, creado para el canal adult swim; fragmento de cartoon network.
South Park es lo más cercano a la ideología de esta serie y Happy Tree Friends en cuanto a la crueldad gráfica. Lo cierto es que hasta ahora, ninguna de ellas ostenta una historia tan retorcida, creativa, ni en extremo brutal, como lo ha hecho Mr. Pickles.
¿Cómo puede transmitir una serie animada, la esencia del sadismo y lo bestial?
Su paradójica temática
“El perro es el mejor amigo del hombre”... este cliché es hecho añicos por Mr. Pickles; un canino en apariencia, que en realidad es un ser malévolo.
Practica rituales sádicos y demoníacos dentro de su casa de perro, que a su vez es su guarida oculta.
La historia comienza en un pueblo pequeño llamado Old Town, donde todos son conocidos. Ahí viven los Goodman, ellos tienen un hijo discapacitado llamado Tommy. El pequeño es el amo del perro y lo premia con pepinillos cada vez que hace cosas buenas, lo que ocurre regularmente. En cada capítulo, aparecen nuevos personajes.
Su excéntrica personalidad depravada
Por un lado Mr. Pickles es dulce e inteligente como cualquier perro. Pero cuando nadie lo observa, literalmente viola a algunos personajes. Parece estar muy encariñado con la madre de Tommy, a quien realiza tocamientos sexuales que se perciben como inocentes en un animal.
Claro, ninguno sospecha del perro, a quien le encantan los pepinillos y cuidar a su amo.
Irónicamente como en la vida real, nadie creería que tiene malicia.
No existen los límites
Detrás de un fiel, obediente y heroico canino abundan los más oscuros secretos. Mr. Pickles funge como líder satanico, y algunos personajes tendrán que servirle, de lo contrario él desmembrará sus cuerpos, cortará sus cabezas y usará sus caras como máscaras...tal como lo lees. Para fortuna o desgracia, existe un personaje de la serie que descubre sus dos facetas.
Toma tus precauciones
Por sorprendente que parezca, existen crueles escenas que te harán reír a carcajadas. No obstante, Mr. Pickels no es apto para espectadores sensibles. Desde el programa piloto, verás prácticamente tabúes corromperse frente a tus ojos, de una forma indescriptiblemente grotesca. A la fecha, cuenta con tres temporadas subtituladas al español. En definitiva, esta serie animada retrata una perspectiva mórbida de la realidad, que muchos estarán dispuestos a visualizar.
Serie de animación de culto emitida en la MTV sobre dos jóvenes amantes del heavy metal que, ocasionalmente, realizaban estupideces por el simple hecho de estar aburridos. (FILMAFFINITY)
Creada por Mike Judge, (también responsable de King of the Hill y Office Space), la serie se convirtió en uno de los pilares de la programación de la cadena MTV. Al no estar en televisión abierta, sus personajes recibían inyecciones de una ultra-violencia que pudo haber aparecido en los párrafos de la obra A Clockwork Orange, de Anthony Burgess, con paneles derramados con sangre y acciones irresponsables que alarmaron a toda una comunidad de adultos preocupados.
En dichas escenas, este par de subnormales podían cortar el dedo de algún amigo, incendiar una casa o realizar una travesura maquiavélica carente de arrepentimiento.
Estas insensateces pueden ser vistas como una versión desproporcionada de cualquier caricatura de Bugs Bunny, la única diferencia radica en que si la hace un ambiguo conejo de la suerte no representa ningún peligro, pero si son dibujos animados que se asemejan a dos adolescentes americanos amantes de Metallica y AC/DC, tienen una mayor responsabilidad. Pero Beavis and Butthead brillaban en los momentos más pasivos. Cuando las dos criaturas del Señor decidían quedarse en casa para ver algo de televisión, escogían con sensatez sintonizar las cálidas notas visuales de MTV.
Los dos imberbes se sentaban en el sofá y emitían sus maltrechos comentarios y juicios de valor, sobre los distintos videos de la época. Su función como críticos no solo parecía inspirada en Statler y Waldorf de Los Muppets, sino que era un reflejo del televidente, de nosotros mismos y nuestros comentarios al ver las creaciones publicadas por la televisión musical.
Beavis and Butthead se convirtió en el producto principal de un canal que en ese momento todavía se especializaba en videos, la realidad de los personajes iba de la mano con las del canal, se fusionaron, conviviendo en una simbiosis armónica que se mantuvo hasta la cancelación de la serie en 1997.
Dirigida por Ralph Bakshi, con guión de Ralph Bakshi basado en el cómic original de Robert Crumb.
Fritz el gato es una maravillosa y extremadamente divertida animación que mezcla el ambiente en los barrios populares de Nueva York, el sexo, las drogas y la violencia.
La historia se desarrolla en la década de los 60s, gira alrededor de un gato pervertido en su búsqueda del amor en los lugares menos indicados. Politicamente incorrecta, el film usa, abusa, critica y presenta todos los tópicos de la contracultura de los sesentas.
Un hito en la historia de la animación occidental, que fue considerada como material XXX por el alto contenido sexual, que no supera al fuerte contenido político muy común a todas las obras de Bakshi de esa época.
La historia se desarrolla en la década de los 60s, gira alrededor de un gato pervertido en su búsqueda del amor en los lugares menos indicados. Politicamente incorrecta, el film usa, abusa, critica y presenta todos los tópicos de la contracultura de los sesentas.
Un hito en la historia de la animación occidental, que fue considerada como material XXX por el alto contenido sexual, que no supera al fuerte contenido político muy común a todas las obras de Bakshi de esa época.
Fritz nació de la mano de Robert Crumb en 1959 y reapareció en 1965 en el magazine "HELP!", muy adecuado para un gato lleno de dudas existenciales, encantado con las drogas y el sexo, pero desengañado de sí mismo. Un reflejo de muchos jóvenes que admiraron a este anti-héroe felino.
Participaron en la realización más de cincuenta artistas, incluyendo a Jim Davis (quien posteriormente se hiciera famoso por su creación Garfield). Técnicamente es una obra admirable e incluso, muy particular dentro de la filmografía de Bakshi, ya que al tomar prestados varios recursos estilísticos de Crumb [como el uso pesado de las líneas, por ejemplo] el resultado no se parece en nada a sus otras producciones. La banda sonora jazzística es una pieza maestra en sí misma e incluye a figuras como Charles Earland y Merle Saunders, cuidando el refinado gusto de Crumb por los clásicos.
Polémica, innovadora, de alto voltaje erótico y crítica social, hoy en día la peli sigue considerándose como uno de los más grandes filmes de animación underground de la historia.
Auténtico film de culto donde un gato atorrante participa de orgías y se mezcla con Hells Angels, Panteras Negras y Hippies radicalizados en un viaje iniciático y muy divertido que no es apto para niños ni puritanos conservadores.
Boogie el Aceitoso es el mejor asesino a sueldo de la ciudad, pero se está volviendo viejo y su fama de matón está en entredicho cuando el mafioso Sonny Calabria lo contempla para eliminar a Marcia, la testigo que podría refundirlo en la prisión. Como las pretensiones salariales de Boogie son bastante altas, un asistente de Calabria decide contratar a “Blackburn”, un asesino con métodos más modernos y que pide menos dinero. Sin embargo, Boogie secuestra a Marcia y extorsiona al mafioso pidiéndole un millón de dólares a cambio de que Marcia no se presente a declarar. En ese momento Boogie se convierte en el hombre más buscado de la ciudad, mientras su enfrentamiento con la mafia va dejando una estela de muerte y sangre a su alrededor…
“Puedes cambiar el paisaje, puedes cambiar de jungla, pero por suerte siempre, siempre habrá alguien a quien golpear duro…”
Boogie el Aceitoso es un mercenario estadounidense despiadado y psicópata, rubio y alto, misógino, racista, violento y vulgar. Su experiencia en el uso de toda arma de fuego sólo es superada por falta de sensibilidad para conseguir dinero y satisfacer sus propias necesidades básicas. Nacido de la pluma de Fernando Fontanarrosa, “Boogie” es una crítica cruda de la actitud mercenaria y armamentista estadounidense. No sólo parece odiar a afroamericanos, latinos, homosexuales y mujeres por igual, sino que odia a todo el mundo.
Formado en las sangrientas escuelas de las campañas armamentistas estadounidenses en países subdesarrollados (Vietnam, Latinoamérica, Oriente Medio, etc.), la única verdad que rige la vida de este oscuro personaje, es la que sale de su Magnum 44. Corto de palabras, Boogie es un hombre de acción que se acerca más a los antihéroes de los 80’s y 90’s, con frases cortas y pegadizas, y con reflexiones tan sarcásticas como inesperadamente profundas.
Utilizando tradicional animación 2D sobre fondos tridimensionales con algunos efectos que parecen atravesar la pantalla, la película hace uso de grandes claroscuros sobre una ciudad de una cuasi eterna oscuridad, utilizando el humor negro y referencias a clásicos del cine bélico (“Apocalypse Now”), al Spaghetti Westerns, al Film Noir, e inesperadamente a cintas específicas como “Sin City” o la serie de “Los Dukes de Hazzard”. Llena de persecuciones a alta velocidad, balaceras y sangre literalmente a chorros, las aventuras de este antihéroe desalmado resultan inesperadamente entretenidas, en especial para los amantes del humor negro y la sangre…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Boogie el Aceitoso” (2009)
Director: Gustavo Cova
Guion: Marcelo Paez-Cubells basado en el cómic homónimo de Roberto Fontanarrosa
País: Argentina
Género: Animación para Adultos, Neo-Noir, Humor Negro
domingo, 14 de octubre de 2018
Heavy Metal, USA / 1981
Género: Ciencia Ficción / Fantasia
Director / Autor: Gerald Potterton
Elenco: Film de animación. Voces de John Candy, Joe Flaherty, Don Francks, Harold Ramis, Alice Playten, Eugene Levy, John Vernon
Un astronauta retorna al planeta con un extraño obsequio para su pequeña hija: una misteriosa esfera verde. Pronto la misma se revela como una fuerza maligna que surca el espacio y el tiempo y que será el eje de una serie de historias narradas a la niña para demostrarle su enorme poder.
Inspirada en la famosa revista de ciencia ficción y fantasía estadounidense - que a su vez tiene origen en la francesa Metal Hurlant - se estrena en el lejano 1981 HEAVY METAL: UNIVERSO DE FANTASIA. Fue uno de los primeros films animados destinado al público adulto de la década de los ochenta que intentó aprovechar la en ese entonces incipiente tecnología informática aplicada a la animación. Aunque los resultados no fueron siempre los más deseables se ha ganado su lugar como pionero siendo considerado hoy de culto por muchos aficionados al género.
El film sigue la estructura básica de la revista; una serie de historias de fantasía y ciencia ficción en este caso unidas por una historia visagra que, dicho sea de paso, resulta una de las menos interesantes del conjunto. Las historias se presentan en este orden:
1-Soft Landing y Grimaldi
Ambas historias sirven de prólogo e introducción al film, presentando la llegada del astronauta y la aparición de la esfera maligna que narra cada una de las historias que componen el núcleo de la película.
2-Harry Canyon
Un relato con tintes de policial negro ambientado en una caótica Nueva York del futuro. Harry Canyon, un tranquilo taxista, se ve envuelto en una conspiración interplanetaria cuando una chica le pide ayuda para escapar de un grupo de mafiosos espaciales. A pesar de lo lineal del relato resulta ser uno de los mejores.
3-Den
Episodio basado en el personaje creado por el genial Richard Corben, dibujante habitual de la revista. Un chico encuentra la extraña esfera verde en el patio de su casa y en un raro accidente es transportado a un lejano planeta donde se transforma en el fornido Den. La historia en sí no pasa de ser una entretenida aventura de fantasía, con Den salvando a su chica y venciendo a los villanos que dominan el planeta, aunque el trabajo de animación del dibujo deja algo que desear.
4-Captain Sternn
Personaje habitual de la revista, el Capitán Sternn es una especie de antítesis cómica del capitán Kirk. El relato es en realidad un sketch de comedia, aunque tan pobre en comicidad como en contenido e ideas.
5-B-17
Durante la Segunda Guerra Mundial, un bombardero (el B-17 del título) es acribillado durante una misión muriendo casi toda su tripulación, salvo sus dos pilotos. La misteriosa esfera penetra en la aeronave resucitando a los tripulantes muertos que vuelven a la vida transformados en horripilantes zombies asesinos que amenazan a los sobrevivientes. La atmósfera de este relato esta realmente bien conseguida aunque, lamentablemente, el final no es todo lo redondo que cabría esperar dejando la sensación de que la historia daba para mucho más.
6-So beauty & so dangerous
El más flojo relato del conjunto por no decir el peor. Un OVNI abduce accidentalmente a una voluptuosa chica la que ya a bordo de la nave mantiene una absurda relación (no solo sentimental precisamente) con un gracioso robot. El relato funciona como un muestrario de animaciones y efectos digitales que deberían haberse aplicado a una historia mejor que esta.
7-Taarna
El último y mejor relato de la película. La maligna esfera llega a un lejano planeta, contaminando con su maldad a miles de personas que forman un ejército bajo sus órdenes. El mismo, avanza sobre el planeta asesinando y destruyendo todo a su paso. Taarna, una bella mujer guerrera destinada a defender el planeta de las fuerzas del mal, es invocada para ello. Más allá de que la historia no sea exactamente un prodigio de originalidad tanto la animación como la música de este segmento son de lo mejor de todo el paquete.
HEAVY METAL reunió en su creación a un grupo de realizadores especialistas cada uno en su campo, algunos desconocidos en aquella época pero famosos hoy. Ivan Reitman, por ejemplo, aquí como productor, se haría famoso años más tarde por dirigir varias comedias, entre las más conocidas LOS CAZAFANTASMAS 1 y 2 y la más reciente AL DIABLO CON EL DIABLO; John Bruno, especialista en efectos especiales, dirigiría más tarde productos del género, siendo uno de los más recientes la irregular VIRUS (2000).
También el hoy desaparecido comediante John Candy prestó su voz para varios de los personajes.
La banda sonora corrió a cargo de numerosos grupos y cantantes muy populares en la época como Black Sabath, Blue Oyster Cult, Stivie Nicks y,Meat Loaf entre muchos otros, mientras que los segmentos exclusivamente instrumentales quedaron a cargo de Elmer Bernstein. La edición de su banda sonora sufrió varios retrasos debido a los problemas relacionados con los derechos de sus numerosos autores, tal es así, que aún hoy es imposible encontrar su BSO completa.
En suma, estamos ante un producto animado más que aceptable que goza de una muy buena edición en DVD editada hace pocos años con una cantidad de extras bastante interesantes.
Fritz the Cat (El Gato Caliente)
Dirección: Ralph Bakshi
Año: 1972
País: Estados Unidos
Sinopsis: Película de animación que mezcla, en el ambiente en los barrios populares de Nueva York, el sexo, las drogas y la violencia. La historia se desarrolla en la década de los 60, gira alrededor de un gato pervertido en su búsqueda del amor en los lugares menos indicados. (FILMAFFINITY)
Robert Crumb creó el personaje de «Fritz el gato» a finales de la década de los cincuenta con el objeto de divertir a su hermana pequeña, Sandy. Sus orígenes como historietista e ilustrador se hallan en su entorno doméstico, donde creaba cómics junto a su hermano, Charles, en la línea del sello Dell y siempre con animales como protagonistas.
Fritz nació como un minino –que se comportaba como tal- pero que, poco a poco, fue adquiriendo cualidades de un humano. Fritz se presenta al lector como un estudiante universitario que reside en una gran ciudad y que explota la contracultura en su propio beneficio. Se aprovecha del amor libre, la conciencia racial y la política para conseguir su meta, consistente básicamente en acostarse con todas las féminas que sea posible.
«El gato caliente» es una película revolucionaria. Supuso un hito en la historia de la animación para adultos y, aunque no puede ser considerada underground –puesto que fue distribuida por los grandes circuitos-, sí responde a un modo de hacer alejado de los film de animación a los que estaba acostumbrado el público.
Bakshi abraza un nuevo lenguaje de animación situado en la cara opuesta de Disney, compañía a la que incluso parodia, por ejemplo, durante la escena del bombardeo con napalm de Harlem, en el que se puede ver a Mickey Mouse y al Pato Donald saludando a los cazabombarderos y provistos de la bandera estadounidense. Su lenguaje es más próximo al de Tex Avery, sobre todo por los tonos planos con los que son definidos los personajes.
Team America, una policía mundial encargada de mantener el orden y la estabilidad en el mundo, se entera de que un ambicioso dictador está repartiendo armas de destrucción masiva a los terroristas.
Trey Parker y Matt Stone son los creadores de South Park, la mejor serie de animación de todos los tiempos. Así que a estas alturas, poco o nada puedo decir a su favor, que ellos mismos no hayan demostrado ya. Para definirlos rápidamente, diré que son dos grandes genios del humor. Esta pareja, se meten con todo lo que se les ponga delante, la iglesia, el gobierno, los actores, temas actuales, cantantes, racismo, la sociedad, el terrorismo y un largo etcétera de asuntos, personas y lugares. Lo hacen de una forma directa, sin remilgos y sin miedo a posibles represalias, forma que nadie parece atreverse a igualar.
Por supuesto que esto ha hecho que les caigan demandas, sobre todo del colectivo de actores de Hollywood, pero ellos apechugan, y se acogen a la primera enmienda. Así qué ahí siguen, riéndose de todo y de todos. Con perdón de Los Simpson o Padre de Familia, que tiran la piedra y esconden la mano, para mí quedan totalmente barridas por South Park, su humor y su sarcasmo son inigualables. La serie arrancó en 1997 y debido a su éxito se ha comercializado mundialmente, aunque aquí llevamos un retraso considerable en la edición del DVD. En 1999 se hizo un largometraje, South Park: Bigger, Longer,Uncut, y les quedó muy bien. Pero consiguió que mucha gente se hiciera una opinión errónea, quedándose con un concepto totalmente equívoco de la serie, alegando que solo eran cuatro niños diciendo tacos, y South Park es mucho más que eso, pero no hablemos más de ella qué nos desviamos del tema.
Aunque no es su primera incursión en el cine, ya debutaron con Orgazmo, se puede decir que en 2004, fue a lo grande. Con un presupuesto de 30 millones de dólares se lanzaron de cabeza a la piscina con ésta divertida comedia, protagonizada únicamente por marionetas. La escala es de 60 cm, que representa una persona de 1,80.
La película parodia el cine de acción y las superproducciones hollywoodienses, en la que América siempre sale victoriosa. Su argumento arremete contra la conspiración gubernamental y el terrorismo islámico. Un guión que no resulta original, pero si su manera de enfocar las tópicas situaciones, desengaños amorosos, traición, crisis de identidad etcétera. Escrito por ellos mismos, con cierta modestia declaran, que es una mierda, pero a mí me hace descojonarme con todas y cada una de sus descabelladas situaciones. Los personajes son estereotipos del género que parodia, y los clichés se suceden cual producción de Hollywood con un cero en el cerebro del guionista. Pero creo que a todos os hará reír de principio a fin, con las reacciones y situaciones que sus personajes y el propio Team America nos brindarán.
“Gandahar, les Années Lumière / Gandahar, los Años de Luz” de René Laloux (1987)
Gandahar es un mundo utópico de rara belleza y tranquilidad, resultado de una extensa mutación y experimentación genética. Pero la paz perfecta se rompe cuando una misteriosa fuerza maligna invade esta serenidad idílica, convirtiendo a las personas en piedra con rayos petrificantes. El Consejo de Mujeres celebra una reunión de emergencia, y decide enviar a Sylvain, hijo de la reina Ambisextra, a una misión para destruir al enemigo. Junto con la bella y aventurera Arielle, el enemigo que Sylvain finalmente descubre muy lejos de su hogar, resulta ser mucho más relacionado a Gandahar de lo que esperaba…
“Hemos sido idiotas al creer que esta felicidad duraría para siempre…”
Tercer y último largometraje animado del visionario director francés René Laloux, basado en la novela “Les Hommes-machines contre Gandahar / The Machine-Men versus Gandahar” del escritor francés Jean-Pierre Andrevon.
La película conserva varios de los elementos que anteriormente Laloux había utilizado, diseños surrealistas y un enfoque en argumentos de ciencia ficción conceptual sobre realidades distópicas. Críticas a las sociedades consumistas e individualistas, experimentos genéticos, y paradojas de viajes en el tiempo, son algunos de los temas que se tocan, mientras que la animación llena de colores vibrantes e imaginativos diseños de personajes, contrastan con las animaciones estadounidenses y japonesas de la época.
A pesar de que en un inicio mantiene una trama clásica sobre el encuentro entre una cultura pacífica y tecnológicamente avanzada, y unos invasores beligerantes, rápidamente evoluciona a una historia en donde se critica la discriminación y la ambición desmedida, a la vez que refleja un inmenso miedo al presente, que queda claro con la confusa profecía realizada al planeta: “Dentro de mil años, Gandahar fue destruida, y todas su población eliminada. Hace mil años, Gandahar será salvada y lo que no puede ser evitado lo será”; un anticipo a la densa y llena de giros historia, que a pesar de parecer algo desfasada, todavía posee una gran intensidad en cuanto a su mensaje de lucha por la libertad y aceptación de las diferencias de una sociedad, quizá no tan diferente a la nuestra…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Gandahar, les Années Lumière / Gandahar, los Años de Luz” (1987)
Director: René Laloux
Guion: Raphael Cluzel y René Laloux, basado en la novela de Jean-Pierre Andrevon
País: Francia, Corea del Norte
Género: Animación para Adultos, Ciencia Ficción, Fantasía
La historia de cuatro generaciones sucesivas de una familia de origen ruso, con un gran talento musical, que corre paralela a la propia historia de los Estados Unidos. Zalmie Belinksy, un judío ruso emigra a América donde intenta abrirse camino como músico y cómico en un espectáculo de vodevil, hasta que las heridas sufridas durante la I Guerra Mundial, acaban con su carrera como cantante. Su hijo Benny hereda su pasión por la música, siendo un virtuoso pianista en una banda de jazz, cuya carrera queda truncada al fallecer en la II Guerra Mundial. Tony, el hijo de Benny, lleva también en la sangre la música y luchará por lograr su sueño de convertirse en una auténtica estrella del rock, y dejar su impronta como escritor de canciones. Por último, Pete, un joven rebelde, retomará la herencia de sus antepasados y buscará el éxito que ha evadido a su familia durante más de 80 años…
“No creo en ilusiones, porque la realidad me supera…”
Ralph Bakshi utiliza la agitada vida de los hombres de la familia Belinksy, para contar la evolución de la escena musical estadounidense desde principios del siglo pasado hasta los años 80’s. Importantes eventos históricos estadounidenses y mundiales marcan la vida de los 4 personajes principales, mientras cada uno crece de una u otra forma huérfano de padre, y repitiendo sin saberlo, los errores del anterior.
Desde la vida nocturna de Nueva York de principio de siglo entre espectáculos de burlesque y vodevil, pasando por los locos años 20’s, el jazz en la época de la prohibición, entre mafias y guerras, el nacimiento del rock y la contracultura, un resumen ambicioso que revela como la codicia, la mala suerte y los vicios son los principales obstáculos en el camino al éxito.
Utilizando la técnica del rotoscopio para captar los movimientos de los actores, la animación de los personajes es gratamente realista, utilizando dibujos en acuarelas, gráficos en computadora, tomas de acción en vivo e imágenes de archivo, para crear un collage visual hipnótico, que se complementa con la extensa y ecléctica banda sonora que incluye canciones de Bob Dylan, Jefferson Airplane, Janis Joplin, The Doors , George Gershwi , The Mamas & The Papas, Herbie Hancock, Lou Reed, Louis Prima, entre muchos otros. Un homenaje a la historia musical estadounidense y sus héroes ocultos…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “American Pop” (1981)
Director: Ralph Bakshi
Guion: Ronni Kern
País: Estados Unidos
Género: Animación para Adultos, Musical, Drama.
“Llamada perdida” no es sino otro exponente de esa auténtica franquicia del género de terror en que se ha convertido el cine asiático de los últimos años. Siguiendo la estela de éxitos como “The Grudge” o, sobre todo, “Ringu”, la cinta que nos ocupa se propone hurgar de nuevo en los recovecos de lo cotidiano y la tecnología (en este caso, la telefonía móvil) a fin de rescatar esos momentos en los que la normalidad se cruza con lo sobrenatural, para dar como resultado una sucesión de secuencias cargadas de tensión (y, más puntualmente, sobresaltos). Todo lo cual, visto el panorama actual del cine de terror, ya es mucho decir.
La premisa de la que parte el relato es tan sencilla como inquietante: una noche, una joven llamada Yoko (Anna Nagata) recibe un mensaje en su buzón de voz fechado dos días más tarde. Aunque el número le resulta desconocido, sí reconoce la voz: de he-cho, es la suya propia, que remata el mensaje con un grito desgarrador. Cuando dos días más tarde Yoko muere de forma violenta, exactamente a la misma hora del mensaje, su amiga Yumi (Kou Shibasaki) empieza a sospechar que un ser sobrenatural está usando la agenda telefónica de Yoko para desencadenar una espiral de muerte entre sus amigos.
Con guión de Yasushi Akimoto y Minako Daira, basado en la novela de Akimoto, “Llamada perdida” parece seguir una de las premisas más satisfactorias a la hora de generar suspense: no ocultar información al espectador, sino todo lo contrario, compartir la suficiente.
Alfred Hitchcok sostenía que se puede crear un gran impacto en el espectador ofreciendo una conversación cotidiana entre dos personas que culmina con la repentina explosión de una bomba de cuya existencia el espectador no estuviera al corriente; pero que, sin embargo, el (efímero) impacto de la primera opción podría dar paso a un (constante) estado de nervios crispados y suspense si esa misma conversación se desarrollara con el público siendo consciente desde el principio de la existencia de la bomba.
Este último es, básicamente, el caso de “Llamada perdida”: gracias a esos mensajes en el buzón de voz, suerte de neo-profecías de la era del SMS, todo el mundo sabe perfectamente no sólo cuándo van a morir los personajes, sino también cuáles serán las últimas palabras que pronuncien, lo cual no hace sino acentuar el suspense de dichas secuencias.
De este modo, la película se convierte por momentos en un juego postmoderno, donde se invita a que el espectador rastree, en el transcurso de los acontecimientos, el desencadenante de esas palabras letales que sabe previas al consabido asesinato (eso sí, no por consabido, menos truculento de lo esperado).
Dirigida por un realizador de culto como Takashi Miike (tan particular, tan trasgresor que el único título de su prolífica filmografía que vimos estrenado en España con anterioridad a “Llamada perdida” fue la sobrecogedora “Audition”), no deja de resultar paradójico que el mayor logro de esta película radique quizás en su eficacia.
Nada en ella chirría en exceso (tal vez un epílogo demasiado prolongado) pero, como obra de Takashi Miike, tampoco hay en ella nada que llegue a fascinar.
En cualquier caso, podemos afirmar que como cinta de terror alcanza sus objetivos ampliamente: consigue que haya suspense en las escenas de suspense (brillante el desarrollo de la secuencia en el plató de televisión), terror en las escenas de terror (a destacar, sin duda, las que tienen lugar en el viejo hospital, espeluznantes) y una historia medianamente elaborada que consigue mantener el interés a lo largo de todo el metraje.
Todo tan correcto, en fin, como fue típico en esa época del boom de locas con cabello largo: tuvo su inevitable “remake hollywoodiense”
