"Dances with Wolves / Danza con Lobos" de Kevin Costner (1990) - Por Paul Torres

ESPECIAL: CINTAS NOVENTERAS

DANZA CON LOBOS (1990)

Dirección: Kevin Costner

Sinopsis: Tras la Guerra de Secesión (1861-1865) y en plena colonización del Oeste (1785-1890), el teniente John J. Dunbar se dirige a un lejano puesto fronterizo que ha sido abandonado por los soldados. Su soledad lo impulsa a entrar en contacto con los indios sioux; así es como conoce a “En pie con el puño en alto”, una mujer blanca que fue adoptada por la tribu cuando era niña. Poco a poco, entre Dunbar y los sioux se establece una relación de respeto y admiración mutuos.

La historia es tremendamente apasionante. Nos relata la experiencia del teniente John J. Dunbar día a día en ese solitario puesto fronterizo y las vivencias que se va encontrando, una de ellas, su contacto con los indios sioux.

Realmente es una película que tiene como fin que veamos lo crueles que hemos sido y somos con la naturaleza, solo nos importa nuestro beneficio propio y no nos importa lo que destruyamos con tal de conseguir nuestro propósito.

La fotografía, la banda sonora, los paisajes, la ambientación, los diálogos, la historia… todo es sublime. La película consta de grandes momentos, como la evolución de la amistad que surje entre el teniente y ”cabello al viento” cada vez más arraigada y que finalmente desemboca en una de las escenas para mi más conmovedoras de la historia del cine.

También la historia amorosa con ”en pie con el puño en alto’‘, el momento en que el teniente juguetea con el lobo “calcetines” y que de ahí herede su nuevo nombre y el de la película, la conversación que tiene el teniente con “Diez Osos’‘ o su despedida con “pájaro guía” la cual es una escena donde se refleja en sus gestos mil sentimientos y emociones pero sobretodo el seguimiento que hacemos con la evolución y desarrollo del personaje de ”Kevin Costner” que deja de ser el teniente John J. Dunbar para convertirse en el sioux Bailando con lobos.

Man Bites Dog / Ocurrió cerca de su Casa” de Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde (1992) - Por Frank Binueza

Un equipo documental sigue las aventuras de Ben, un asesino en serie y ladrón, mientras ejerce su oficio. El carismático e ingenioso hombre los expone a un mundo lleno de arte, música y profundas reflexiones sobre la sociedad y la vida, mientras mata y roba de forma inescrupulosa a jubilados y personas al azar. Al explicar con una frialdad sádica los métodos de su “trabajo”, Ben empieza a involucrar al equipo de cámaras en sus actividades, y rápidamente se verán envueltos en una espiral de locura y violencia con inesperadas consecuencias…

“Y el lastre de la sociedad, como todos los saben… es la violencia”

Flamante ganadora del Premio Internacional de la Crítica en el Festival de Cannes de 1992, “Man Bites Dog” es un verdadero festín de violencia y locura, en donde la sangre, la perversión y lo absurdo van de la mano con un exagerado humor negro. Filmado en blanco y negro, bajo el formato de falso documental, con un mínimo presupuesto, y con los tres directores fungiendo como actores protagónicos, la cinta es una sátira poderosa, a veces divertida, y a menudo inquietante, sobre la obsesión de los medios de comunicación por la violencia en la vida real.

El protagonista es un ser vil e inestable, pero indudablemente carismático, quien es capaz de componer bella poesía y tocar el piano, y tener buenas relaciones con su familia y amigos, pero que a la vez, es una bestia violenta, que sin el más mínimo escrúpulo es capaz de matar hombres y mujeres, niños o ancianos. Nunca el blanco y negro se volvió tan sucio en pantalla, y jamás el humor escatológico evitó sin tantos rodeos buscar una moraleja sentimental. Odiada por muchos, amada por otros tantos, “Man Bites Dog” no busca tomarse en serio, pero su propuesta tan realista la vuelve una cinta indispensable, pero no apta para todo público, una visión de la violencia y su escandalosa exaltación.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “C'est arrivé près de chez vous / Man Bites Dog / Ocurrió cerca de su Casa” (1992)

Directores: Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde

Guion: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, André Bonzel, Vincent Tavier

Reparto: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jacqueline Poelvoorde Pappaert, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Jenny Drye, Malou Madou

Género: Falso Documental, Comedia Negra, Sátira.

País: Bélgica.

“La Ciudad de los Niños Perdidos” de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro (1995) - Por Frank Binueza

Sobre una plataforma marina perdida en la niebla, el maquiavélico Krank (Daniel Emilfork) envejece prematuramente, pues carece de una cualidad esencial: la facultad de soñar. Por esta razón, rapta a los niños de la ciudad para robarles sus sueños. Entre los secuestrados está Denree (Joseph Lucien), el pequeño hermano adoptivo de One (Ron Perlman), un antiguo ballenero que ahora trabaja como hombre fuerte en un carnaval. Con la ayuda de una ladrona huérfana llamada Miette (Judith Vittet), ambos tratan de descubrir el destino de los niños desaparecidos…

“Puedes perseguir a todos los niños del mundo, pero hay una cosa que nunca tendrás… Un alma”

Ambientada en una sociedad distópica con una fuerte influencia steampunk, en donde la oscuridad y la niebla parecen que nunca abandonan las podridas calles de una desolada ciudad portuaria, un misterio se cierne sobre sus habitantes, los niños que solían poblar sus calles han desaparecido, pero esto es sólo la punta del iceberg, en una historia plagada de alegorías y situaciones extrañas.

Con un estilo visual bastante marcado, algo común en otras producciones de Jeunet como “Delicatessen” (1991) y “Amelie” (2001), esta coproducción entre Francia, Alemania y España, es una experiencia única, fascinante pero perturbadora. La enredada trama, llena de personajes extravagantes y vistosos, toca temas tan profundos como controversiales, como las sectas religiosas, la clonación, la experimentación en humanos (en niños para ser específicos), y el trabajo infantil. 

Algunas personas siguen sus sueños, otros los roban. Esa es la base de este cuento oscuro e hipnótico, que además de su cuidado desarrollo visual tiene algo que se echa de menos en muchas de las producciones populares actuales: la originalidad. El filme tiene la capacidad para pasar de la sensibilidad franca a la comedia negra, y al romanticismo más puro en cuestión de segundos, mientras los efectos especiales, oscuros escenarios y detallado vestuario, nos transportan a un mundo único y sombríamente bello, como los sueños más profundos que ocultamos al mundo…

FICHA TÉCNICA

Nombre: “La cité des enfants perdus / La Ciudad de los Niños Perdidos” (1995)

Director: Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro

Guion: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien

Reparto: Ron Perlman, Daniel Emilfork, Judith Vittet, Dominique Pinon, Jean-Claude Dreyfus, Geneviève Brunet, Mireille Mosse, Serge Merlin, Mapi Galán.

Género: Fantasía, Ciencia Ficción, Película de Culto

País: Alemania, España, Francia

“Welcome to the Dollhouse” de Todd Solondz (1995) - Por Frank Binueza

Dawn Wiener (Heather Matarazzo) es una tímida, poco agraciada e impopular chica de séptimo grado, que vive junto a su familia en un suburbio de clase media de Nueva Jersey. Su vida escolar es horrible, sus compañeros la acosan impunemente e incluso sus maestros la tratan mal. Las cosas en su casa no varían mucho, sus padres tienen un claro favoritismo hacia su alegre hermana menor, a la cual Dawn le tiene envidia. La entrada a la pubertad de la chica solo trae más desdicha a su vida, entre los dolores del primer amor y las humillaciones que parece disfrutar, Dawn cruelmente hace algo que casi destruye a su familia…

“Dignidad. Dignidad, es una cualidad importante que todos deberían tener…”

Crecer es difícil, en especial cuando no “encajas” en el ideal de belleza impuesto por la sociedad, Dawn es abiertamente despreciada por la mayoría de personas a su alrededor, y no parece tener apoyo en ninguna parte… pero no se engañen, nuestra protagonista está lejos de ser una simple víctima, ya que en esta tragicomedia sobre el duro paso de la pubertad, todos son culpables…

Violenta, cínica y cruel, así pinta Todd Solondz a la clase media estadounidense, una visión amarga alejada de las clásicas poses hollywoodenses, y quizá más cercana a la vida misma. La visión mordaz de la existencia de una paria social, sólo pone en contexto problemas más complejos, como el acoso estudiantil, la vida familiar y el despertar sexual adolescente.

Cruda y sin máscaras, “Welcome to the Dollhouse” retrata con grandes dosis de humor negro una satírica visión de los acomplejados y marginados, mientras que Todd Solondz, a través de su alter ego / protagonista, “Dawn”, hace una liberación de sus propias experiencias en la niñez, mientras muestra algunas de las constantes que lo acompañarán a lo largo de su obra: inadaptación, marginación e infelicidad. Una joya del cine independiente, que nos hará sentir un poco peor cuando la veamos, ¿pero quién necesita sentirse bien?....

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Welcome to the Dollhouse” (1995)

Director: Todd Solondz

Guion: Todd Solondz

Reparto: Heather Matarazzo, Angela Pietropinto, Victoria Davis, Christina Brucato, Brendan Sexton III, Daria Kalinina, Matthew Farber, Eric Mabius, Ken Leung.

Género: Drama, Comedia Negro, Cine Independiente

País: Estados Unidos

“Sluzhebnyy roman / Romance de Oficina” de Eldar Ryazanov (1977) - Por Frank Binueza

Moscú, Años 70's. Anatoly Yefremovich Novoseltsev, un tímido y torpe padre soltero con dos niños pequeños, trabaja en una Oficina de Estadística, dirigida por la estricta Ludmila Prokofievna Kalugina, una mujer antipática y poco atractiva. Un viejo amigo de Anatoly, Yuri Grigorievich Samokhvalov, es nombrado subdirector de la institución, y trata de promoverlo como jefe de departamento. Sin embargo Ludmila se opone firmemente, ya que considera que Anatoly no posee el carácter necesario. Yuri aconseja a Anatoly que enamore a Ludmila para hacerla cambiar de opinión, pero en medio del torpe cortejo, él descubre a la mujer que se esconde detrás de la dura fachada de la directora.

Ludmila: -¿Entonces resulta que todos piensan que soy un monstruo?

Anatoly: -¡Por favor, no exageres! No todos... y no del todo un monstruo...

El amor se puede encontrar en cualquier lugar, incluso en una aburrida oficina de gobierno en plena época soviética, inclusive cuando los protagonistas no sean los más atractivos… Representando la vida en los años 70’s en Moscú, y realizando una cómica mirada a las cotidianidad y costumbres de la sociedad soviética durante la “Era del Estancamiento”, para mostrar al ciudadano moscovita común y corriente.

El director Eldar Ryazanov hace una velada crítica de su época, utilizando un romance improbable en un ambiente opresivo, en donde las fachadas esconden los verdaderos sentimientos de todos los involucrados, mientras da un papel primordial a la mujer dentro del funcionamiento de las oficinas de gobierno. Del odio (o el miedo) al amor sólo hay un paso, aunque para ser sinceros es más bien una buena caminata, y ese es el principal atractivo del filme, ya que nos deja ver de forma natural el avance de una inesperada historia de amor.

Además de la interesante visión de Moscú en los años 70’s, el filme es considerada como una de las comedias soviéticas más tiernas y recordadas de todos los tiempos, que se apoya en un sólido desarrollo de personajes, excelente encuadres y locaciones reales, y en especial en una hermosa banda sonora que brinda tanto un ambiente romántico como melancólico que no será fácil de olvidar, mientras somos testigos de un verdadero romance de oficina...

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Sluzhebnyy roman / Romance de Oficina” (1977)

Director: Eldar Ryazanov

Guion: Emil Braginskiy, Eldar Ryazanov.

Reparto: Andrey Myagkov, Alisa Freyndlikh, Svetlana Nemolyaeva, Svetlana Nemolyaeva, Georgiy Burkov, Oleg Basilashvili, Liya Akhedzhakova, Lyudmila Ivanova, Mariya Vinogradova, Zoya Tolbuzina, Pyotr Shcherbakov, Zoya Isaeva

Género: Comedia Romántica, Drama

País: Unión Soviética

"Los Modernos" de Mauro Sarser y Marcela Matta (2016) - Por Doug Valverde

País: Uruguay

Un drama sexual protagonizada por el mismo Sarcer y Noelia Campo, sobre tres parejas que incluyen un "Cuadrado amoroso" donde los varones de la relación se enfrentan a la ineludible decisión entre ser padres, realizarse y mantener su presumible libertad, ya sea con propósitos profesionales o como se presenta a si misma en el drama sexual al desarrollar al personaje de Clara (Noelia Campo) una madre soltera que es pareja de Fausto (Sarcer) los cuales se presentan en esa etapa inestable entre ruptura y reconciliación al intentar rehacer sus vidas, Clara buscará tener nuevas experiencias inclusive explorando si podría ser lesbiana al descubrir que Fausto intenta rehacer su vida con Fernanda (Marie Helénè Wyaux ) lo que desarrollará eventos en donde la confusión de los personajes los enfrentará a decisiones verdaderamente trascendentales ante acontecimientos realmente inesperados.

Se abordan muchos aspectos de la vida moderna en términos de relaciones sociales y profesionales, pero sobretodo luego de lo sexual, los filosóficos sobre el arte y su punto de vista posmoderno como en el momento que Fausto resalta con la frase “Si quieres retratar la nada, no puedes presentar un lienzo vacío” refiriéndose a puestas en escenas teatrales o cinematográficas, carentes de mensaje, el arte es "Arte" por el simple hecho de ser? en sí abordar la generalidad de este movimiento (posmodernismo) en todas sus vertientes. 

Y en el trabajo de Clara la degradación de restarle importancia a la educación en los medios televisivos, abordando una amplia crítica a los medios audiovisuales y estética general de lo que hoy concebimos como entretenimiento desde una historia con una ambientación realista, bastante natural y divertida.