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La hermosa y diligente Radha, se casa con el soñador Shamu, en una suntuosa ceremonia, que ha sido costeada por la madre de Shamu a través de un préstamo con el astuto Sukhilala. Sin embargo el trato es engañoso, y solamente el pago de intereses consiste en dar tres cuartas partes de su cosecha. Los años pasan y la cuenta nunca logra ser pagada. Abatidos por la pobreza, Radha y Shamu trabajan duramente la tierra, pero cuando en un accidente Shamu pierde sus brazos, la humillación de ser mantenido por su familia hace que abandone a su esposa y a sus hijos. Decidida a sacar a sus hijos adelante, Radha se hará cargo de la deuda sin perder nunca su dignidad…
“Mostrar el camino es fácil, pero andar por el camino es muy difícil”
Un clásico drama épico de Bollywood, y una de las producciones más caras de toda la historia en la India, eso es “Mother India”, una historia con grandes tintes nacionalistas, de empoderamiento femenino, valorización de la figura de la mujer hindú, y de veneración a uno de los elementos más importantes de la sociedad: La Madre. Su título filme fue elegido como abierto desafío al polémico libro “Mother India” de Katherine Mayo, quien ataca de forma inmisericorde la vida y costumbres en la India, en medio del proceso de independencia del país.
Llena de coloridos vestuarios, elaboradas coreografías, y grandes cantidades de actores y extras en escena, el filme recorre la vida de su protagonista durante más de 30 años, mezclando como es costumbre en Bollywood, el drama familiar con momentos cómicos, secuencias de acción y muchos números musicales. Basado en el guion de la película “Aurat” de 1940, la historia fue reescrita para enaltecer la imagen de la figura femenina dentro de la sociedad hindú, aprovechando la reciente independencia del país, mostrando paralelismos con las divinidades hindúes y el importante papel que desempeña la mujer rural en sus comunidades.
Con grandes dosis de drama y sacrificio, “Mother India” es uno de los clásicos del cine mundial que estableció los códigos estéticos de la industria de Bollywood, y que nos presenta la lucha eterna de la madre por el bienestar de su familia y la conservación de los valores morales de su cultura.
La historia de cuatro generaciones sucesivas de una familia de origen ruso, con un gran talento musical, que corre paralela a la propia historia de los Estados Unidos. Zalmie Belinksy, un judío ruso emigra a América donde intenta abrirse camino como músico y cómico en un espectáculo de vodevil, hasta que las heridas sufridas durante la I Guerra Mundial, acaban con su carrera como cantante. Su hijo Benny hereda su pasión por la música, siendo un virtuoso pianista en una banda de jazz, cuya carrera queda truncada al fallecer en la II Guerra Mundial. Tony, el hijo de Benny, lleva también en la sangre la música y luchará por lograr su sueño de convertirse en una auténtica estrella del rock, y dejar su impronta como escritor de canciones. Por último, Pete, un joven rebelde, retomará la herencia de sus antepasados y buscará el éxito que ha evadido a su familia durante más de 80 años…
“No creo en ilusiones, porque la realidad me supera…”
Ralph Bakshi utiliza la agitada vida de los hombres de la familia Belinksy, para contar la evolución de la escena musical estadounidense desde principios del siglo pasado hasta los años 80’s. Importantes eventos históricos estadounidenses y mundiales marcan la vida de los 4 personajes principales, mientras cada uno crece de una u otra forma huérfano de padre, y repitiendo sin saberlo, los errores del anterior.
Desde la vida nocturna de Nueva York de principio de siglo entre espectáculos de burlesque y vodevil, pasando por los locos años 20’s, el jazz en la época de la prohibición, entre mafias y guerras, el nacimiento del rock y la contracultura, un resumen ambicioso que revela como la codicia, la mala suerte y los vicios son los principales obstáculos en el camino al éxito.
Utilizando la técnica del rotoscopio para captar los movimientos de los actores, la animación de los personajes es gratamente realista, utilizando dibujos en acuarelas, gráficos en computadora, tomas de acción en vivo e imágenes de archivo, para crear un collage visual hipnótico, que se complementa con la extensa y ecléctica banda sonora que incluye canciones de Bob Dylan, Jefferson Airplane, Janis Joplin, The Doors , George Gershwi , The Mamas & The Papas, Herbie Hancock, Lou Reed, Louis Prima, entre muchos otros. Un homenaje a la historia musical estadounidense y sus héroes ocultos…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “American Pop” (1981)
Director: Ralph Bakshi
Guion: Ronni Kern
País: Estados Unidos
Género: Animación para Adultos, Musical, Drama.
Sinopsis: Es el verano de 1968 y Manolo (Gjurinovic) es un tímido adolescente de La Punta que pasa los días junto a sus amigos Guille (Alzamora) y Bobby (Gold), yendo a la playa y escuchando música rock. Sin embargo, la rutina cambia con la llegada de Emma (Schempp), una joven hippie de la que Manolo se enamora y por la que se terminará metiendo en un lío tras otro.
Rocanrol 68 no es precisamente una obra de arte. Es una interesante ópera prima, enmarcada en el género de la comedia juvenil, que entretiene de principio a fin por la virtud actoral de su elenco. Ambientada en la época de los 60s, la historia maneja buen ritmo y logra transmitir la ligereza de su humor al espectador.
Benavente escribe una historia sobre jóvenes, cuyas vivencias son anécdotas que cualquiera ha experimentado en la juventud. Fuera de costumbres e ideales de la época, en Rocanrol 68 se tocan temas de la vida misma, sin que el factor del nivel socioecónomico afecte en creer que es una cinta "elitista" (felizmente los cineastas peruanos se han olvidado del uso de cliches de mal gusto) y que ese tipo de cosas solo le suceden a una clase social, todo enmarcado en un ambiente en donde el rock an roll es el aire que se respira.
Como comedia, Rocanrol 68 cumple a cabalidad el objetivo de entretener y hacer pasar un buen momento de buen humor. Tiene ciertos desniveles que son típicos de óperas primas, como el no saber culminar de gran forma una secuencia; pero tiene escenas que me parecen brillantes, como la del Himno Nacional, que debe ser la secuencia con mejor humor en toda la película. (Reseña escrita por Omar Cáceres)
Jerry Travers (Fred Astaire), un astro de la comedia musical americana, llega a Londres y se instala en la habitación del productor de su obra. El azar le hace conocer a la bella modelo Dale Tremont (Ginger Rogers), que se aloja en la habitación de abajo y de la que se enamora a primera vista. Ella lo confunde con el productor, que es esposo de una amiga suya, y rechaza los constantes avances que el enamorado Jerry realiza. Ella siente algo por Jerry, sin embargo su situación de hombre casado hace que Dale viaje a Venecia a modelar para un reconocido modisto italiano, siendo perseguida por Jerry. En Venecia ambos se vuelven a encontrar, pero por despecho Dale se termina casando con el modista...
Jerry Travers: -Es una manía, sin darme cuenta empiezo a bailar…
Dale Tremont: -Es una especie de enfermedad, ¿no?
Bailar y cantar sin razón aparente genera muchos sentimientos encontrados entre el espectador promedio, no es normal, sin embargo los musicales representan una forma de escape de la realidad que bien podría ser catalogado como “enfermedad”, de la cual yo me declaro felizmente enfermo. No hay que olvidar que el panorama social de la época era más bien sombrío, los efectos de la Gran Depresión todavía afectaban a gran parte de la población estadounidense, y el cine representaba la mejor forma de escape. Lujosos escenarios que recreaban Londres y Venecia trasladan la imaginación de los espectadores a elegantes hoteles con aventuras amorosas, comedia, confusiones y bailes.
Considerada como la más exitosa colaboración de la legendaria pareja de baile formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. Los números musicales, una mezcla de bailes de salón y claqué llenos de la elegancia de la época, se volvieron ampliamente reconocidos dentro de la cultura musical estadounidense, en especial los números “Top Hat, White Tie and Tails”, un solo de Fred Astaire que en cierto momento es acompañado por un gran número de bailarines realizando una complicada coreografía grupal, y “Cheek to Cheek”, quizá uno de los bailes más reconocidos de la pareja Astaire - Rogers, cuya canción ha aparecido en películas tan dispares como “The Purple Rose of Cairo” (1985), “The Green Mile” (1999) y “The Baby Boss” (2017), y es considerada también como una de las referencias más claras a uno de los segmentos del magistral “Epílogo” de “La La Land” (2016).
“No debes olvidar que con la verdad se va a todas partes”
Suena irónico que la falta de sinceridad de los protagonistas sea precisamente la que mantiene los enredos románticos de la película, la casualidad hace de la suyas, aun cuando la química en pantalla de los personajes de Fred Astaire y Ginger Rogers se note a simple vista, en una época donde para enamorarse solo hacía falta encontrar a la persona indicada, bailar y cantar…
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Top Hat / Sombrero de Copa” (1935) Director: Mark Sandrich Guion: Allan Scott y Dwight Taylor Reparto: Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everett Horton, Helen Broderick, Erik Rhodes, Eric Blore, Lucille Ball. País: Estados Unidos
La cantante Chavela Vargas ganó un nombre por sí misma primero en México y más tarde en todo el mundo principalmente por su interpretación de rancheras tradicionales. Estas canciones eran compuestas principalmente por hombres y en su mayoría hablaban de amor no correspondido por las mujeres, el cansancio del mundo y la soledad. Chavela las interpretaba con su propio ritmo y su voz áspera y vulnerable.
Las entrevistas que ofrece Chavela permiten centrarnos en su figura rebelde poniéndose de pie en un ambiente de hombres pero que a su estilo y de la mano de uno de los compositores más importantes de la época se empezó a trazar un camino en la difícil carrera de cantante, pero también nos muestra su relación conflictiva con todos incluyendo a su familia su vida bohemia de bar en bar hasta secar la gota de alcohol sus relaciones sus dependencias su alejamiento del escenario hasta perder el nombre que se había trazado alejado del mundo artístico vivía los peores años de su vida olvidada por sus seguidores era solo una sombra de su pasado.
Chavela, muestra sus arrebatos, su tristeza, el amor, la desilusión pero sobre todo su música y apoyada por una de las personas que amo vuelve a subir a los escenarios ya los años se notan el cuerpo no reacciona como ella quisiera y empiezan a surgir el miedo la desesperación pero una vez arriba vuelve a ser la estrella que siempre fue, el publico alborotado aplaude y la sonrisa se dibuja en su rostro es la segunda oportunidad que esperaba y que esta vez no la dejaría pasar es el momento de empezar y México le abre los brazos a una de sus más queridas cantantes pero no solo empieza su trayecto en su país sino que con apoyo de Pedro Almodovar llega España (el segundo lugar más importante de su vida) en donde apoyada por muchos admiradores entre ellos Miguel Bose emprende una de sus mejores giras y va construyendo lo que había dejado años atrás una carrera que pronto la convertiría en una representante de la música.
La música y la figura que representa Chavela Vargas es algo que se aprecia y que las directoras a través de una excelente investigación muestran a unos de sus heroínas y un personaje que el publico amo en el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, un documental que se disfruta y que permite conocer a una artista que para algunos puede ser distante.
Pepperland es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegido por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules en español), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El alcalde de Pepperland, envía al joven Fred en busca de ayuda en un submarino amarillo. Fred llega a Liverpool donde conoce a Ringo, y lo convence para ayudarlo, Ringo llama a sus amigos John, George y Paul, y juntos se embarcan en un psicodélico viaje a través de los mares, hasta el enfrentamiento final para liberar a Pepperland...
ENTRE LA PSICODELIA Y LA MÚSICA
Este musical británico animado es un fantástico derroche de la cultura psicodélica de los años 60’s, con una historia basada en la canción de The Beatles, “Yellow Submarine”, mientras que el diseño de los personajes está inspirado en el promocional de la canción “Strawberry Fields Forever”. Utilizando una gran cantidad de animadores, y técnicas de animación, desde las clásicas animaciones a mano, hasta el uso de imágenes rotoscópicas y collages visuales, la película deliberadamente utiliza un tipo de “animación limitada”, es decir una imagen con arte abstracto llenas de simbolismo, pero con menos detalle en el dibujo, lo cual en este caso sirve para remarcar el estilo psicodélico de la historia.
Debido a que es un musical, la historia y la mayoría de animaciones van de la mano con las canciones del cuarteto de Liverpool, presentando una excelente selección de ellas, entre las que destacan: “Yellow Submarine”, “Eleonor Rigby”, “All Together Now”, “When I’m Sixty-Four”, “Nowhere Man”, “Lucy in the Sky with Diamonds”, “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” y “All you Need is Love”. La mayoría de segmentos musicales parecen un presagio al boom de los videos musicales en las décadas posteriores, mientras que la estructura de los mismos nos recuerda vagamente a “Fantasia” de Walt Disney.
Las representaciones de los lugares también juegan un papel muy importante en la trama, mientras que Pepperland es un paraíso surrealista, Liverpool es presentado como un lugar gris, en donde el sufrimiento y la constante repetición es un reflejo de la sociedad británica del momento. La aparición de elementos de la cultura pop a lo largo de toda la narración, y los diálogos plagados de juegos de palabras, dobles sentidos y bromas, vuelven más interesante la representación de este cuento de hadas moderno, mostrando los valores hippies del público al que iba destinado.
Un dato curioso, es que The Beatles se habían negado a participar en el desarrollo de este proyecto, debido a los fracasos de sus últimos proyectos cinematográficos, por lo que las voces de sus personajes fueron dobladas por actores. Sin embargo, hicieron un cameo en carne y hueso al final de la película, mostrando su satisfacción del resultado de la misma.
FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Yellow Submarine” (1968)
Director: George Dunning.
Guión: Lee Minoff, Erich Segal, Al Brodax, Jack Mendelsohn.
País: Reino Unido.
Reparto Original de Voces: John Clive, Geoffrey Hughes, Peter Batten, Paul Angelis, Dick Emery, Lance Percival.
La familia Katakuri se prepara para la inauguración de su albergue de la montaña. La llegada de su primer huésped se vuelve una tragedia, cuando encuentran al visitante muerto dentro de la habitación al día siguiente. Ante los problemas que puede ocasionar la noticia del suicidio, la familia decide enterrarlo en la parte trasera de la casa fingiendo que nada ha pasado. Su segundo cliente, un gran luchador de sumo, fallece mientras se encuentra en la cama con su novia adolescente, quien también muere. Ante la poca fortuna de los Katakuri, poco a poco, el patio trasero de la familia se va llenando de inoportunos cadáveres…
COMENTARIOS:
Basada libremente en la película surcoreana “The Quiet Family”de 1998, “La Felicidad de los Katakuri” es un surrealista musical con elementos de humor negro y comedia de terror, proveniente del controvertido director japonés Takashi Miike (“Visitor Q”, “Ichii the Killer”, “Audition”, entre otras). Con este precedente debemos de esperar que no sea un musical tradicional, haciendo gala del clásico humor absurdo japonés y un tratamiento irónico de las costumbres y estereotipos de ese país oriental.
La trama sigue las desventuras del clan Katakuri en su búsqueda de la “felicidad”, cuatro generaciones de una familia marcada por el fracaso; el patriarca Masao Katakuri, un ex vendedor de zapatos de una tienda departamental, cuyo gran sueño es abrir un hotel de montaña y tener junta a su familia; su esposa Terue, una comprensiva y optimista ama de casa; su padre Jinpei, un anciano obsesionado con su perro Pochi; los hijos adultos de la pareja, el ex convicto Masayuki y la enamoradiza madre soltera Shizue, completa el cuadro la hija de Shizue, la pequeña Yurie, que sirve como ocasional narradora de la historia.
El ambicioso proyecto incluye animación stop-motion, números musicales surrealistas, karaoke, burlas a los programas de variedades nipones, artes marciales y hasta un número musical con zombies cual “Thriller” de Michael Jackson. Aún con la aparente saturación de elementos de comedia, la película maneja una increíble sencillez y una meticulosa planificación de las escenas que hace que no existan fallas en su bien estructurado guion, además de hermosas locaciones con el Monte Fuji de fondo. Con todos estos elementos, no es de sorprenderse que el filme sea considera como el hijo japonés de “La Novicia Rebelde” y “Evil Dead”.
Al parecer a Takashi Miike, poco o nada le importó que sus actores pudieran cantar o bailar, sin embargo todos los números musicales poseen una gran dosis de simpatía y autenticidad, que los vuelven agradables a los sentidos, aun cuando tocan temas tan disparatados como la muerte, el amor, el asesinato e incluso los fideos. Contrario a los musicales occidentales, en esta película se integran perfectamente a la trama, bailando y cantando los diálogos de forma brillante y cómica.
Si bien el humor raya en lo escatológico en algunos momentos, y lo extenso de su metraje (casi 2 horas) quita un poco de fuerza a la historia, la película maneja de forma excelente el humor absurdo y es una delicia para los amantes del cine japonés moderno. En especial cabe resaltar el uso de stop-motion para la larga apertura del filme, con un pequeño demonio que poco o nada tiene que ver con la historia, pero que sirve como bizarro prólogo para la extraña historia.“La Felicidad de los Katakuri” es deliberadamente absurda y kistch, quizá la más excéntrica dentro de la filmografía de Miike, si esto es posible...
Protagonistas: Richie Havens, Joan Báez, The Who, Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Arlo Guthrie, Crosby, Stills & Nash, Ten Years After, John Sebastian, Carlos Santana, Sly & the Family Stone, Canned Heat, Santana, Jefferson Airplane, Janis Joplin y Jimi Hendrix.
Música: Varios Artistas.
Género: Documental, Musical.
SINOPSIS
En agosto de 1969, 450.000 personas asistieron al mayor festival de música rock, Woodstock. Realizado en Bethel, Nueva York, fue el evento de música rock más grande de todos los tiempos, que marcó a una generación. En más de 3 horas y media de duración, Michael Wadleigh documenta todo lo que se pudo vivir en aquellos días, en un lugar donde se pudo ver a músicos como Janis Joplin, Jimi Hendrix, The Who, Joe Cocker, Joan Baez, Crosby Stills o Carlos Santana, entre muchos otros.
Presentación de Jhon Sebastian.
EL DOCUMENTAL MUSICAL POR EXCELENCIA
Considerada punto de referencia para las películas de conciertos, y catalogada como una de las mejores películas de entretenimiento jamás realizadas, “Woodstock: 3 Days of Peace and Music”, nos cuenta con detalle el desarrollo del Festival Musical de Woodstock, realizado entre el 15 al 18 de agosto de 1969, en una granja del pueblo de Bethel, estado de Nueva York (aunque originalmente iba a ser realizado en el pueblo de Woodstock, de ahí su nombre, pero debido a la oposición de la personas del lugar tuvo que hacerse en Bethel a 69 Km de Woodstock). Celebrado en pleno auge del movimiento hippie y con el trasfondo político de la guerra del Vietnam, se convirtió en todo un canto por la paz, el amor y la tolerancia.
Desde los títulos iniciales, el documental nos sumerge de lleno en la atmósfera ecléctica de la época, con canciones de “Crosby Stills Nash & Young” y “Canned Head” de fondo, se muestra a un heterogéneo grupo de hippies y obreros trabajando para armar el escenario para el evento, mientras se realizan entrevistas con la gente de la localidad, quienes dan su opinión sobre el inminente evento.
Para el documental se tomaron ciertas licencias sobre el orden de las actuaciones en el concierto, respetándose el acto de apertura, realizado por Richie Havens, y el legendario cierre, de la mano de Jimi Hendrix. Además varias presentaciones no fueron incluidas en el montaje original, pero que fueron rescatados de la mano del propio Michael Wadleigh, en una nueva versión lanzada en 1994, en donde se incluyó 220 minutos de material extra.
Panorámica del evento en su último día.
MOMENTOS ENTRE EL PÚBLICO Y LA LOCALIDAD.
Por medio de entrevistas con las personas que llegaron al concierto y habitantes de la localidad, nos adentramos en el drama generado por un evento de tan grande envergadura. Al iniciar el concierto, una gran fraternidad es compartida tanto por el público como por la comunidad de Bethel. Performances espóntaneas y muy artísticas, e improvisadas clases gratis de yoga sirvieron como distracción entre los momentos muertos del festival, y el sentimiento en general de la población era de que a pesar del aspecto desaliñado de los visitantes, eran “buenos chicos”.
Sin embargo la llegada de la lluvia, y la caótica organización del evento, que en un principio tenía costo y luego se convirtió en “gratis”, muy a pesar de los inversores, debido a la gran cantidad de personas que llegaron, generó sentimientos de amor y odio por la situación. En medio de juegos en el fango e improvisadas muestras de música, un gran drama se generaba, entre la declaratoria de “área de desastre” en el lugar del evento, enfermedades y partos, falta de comida y medicina, e incluso muertes accidentales (por vehículos y sobredosis), los pequeños y surrealistas momentos de fraternidad, con la comunidad y el ejército apoyando las necesidades básicas de los hippies, incluyendo un helicóptero lanzando ropa seca y flores a la concurrencia.
Jimi Hendrix en escena.
MOMENTOS EN EL ESCENARIO
Si bien la mayoría de presentaciones tuvieron diversos niveles de aceptación de parte del público, hubo varios momentos musicales especiales a lo largo del dilatado recital. Con la presentación de The Who y su canción "See me, Feel me", por primera vez se ve a la concurrencia respondiendo con ánimo a la música. La potente versión de Joe Cocker del clásico de The Beatles, "With a little help of my friends" es un momento sin comparación en las presentaciones vespertinas, mientras que las dulces notas de "Suite Judy Blue Eyes", del supertrío Crosby, Stills & Nash, dieron un respiro íntimo a la potencia rockera del día.
La polémica "Uncle Sam's Blues" de Jeferson Airplane, enardeció los sentimientos antibelicistas de los participantes del concierto, mientras que las notas instrumentales de "Soul Sacriface", de los debutantes Santana, llenaron el ambiente de esoterismo y etnicidad; la potencia de "I Want to take You Higher" de Sly and the Family Stone hizo vibrar el escenario; mientras que la presentación de Janis Joplin, y en especial su canción "Work me Lord", hicieron estallar de júbilo a la audiencia. El magnífico cierre con Jimi Hendrix, su guitarra, y el increíble set final ("Voodoo Child (Slight Return)"/"Stepping Stone", "The Star-Spangled Banner", "Purple Haze" y "Woodstock Improvisation"/"Villanova Junction"), fue un colosal derroche de magia y música, digna clausura para un evento insuperable.
Protagonistas: Darlene Love, Judith Hill, Merry Clayton, Lisa Fischer, Táta Vega, Claudia Lennear y Jo Lawry; junto a Mick Jagger, Bruce Springsteen, Sting, Stevie Wonder y Bette Midler.
Música: Varios Artistas.
Género: Documental, Musical.
SINOPSIS.
"20 Feet from Stardom", en alusión a que se encuentran en el escenario muy cerca de los cantantes famosos, es un poema a las coristas del pop y el soul. La cara femenina de "Standing In The Shadows of... Motown". Eran las de la parte trasera del escenario, a unos pocos metros del estrellato. Bruce Springsteen, Stevie Wonder o Mick Jagger miran al coro y piden más. Los coristas viven en un mundo que se encuentra más allá del punto de mira. Sus voces traen armonía a las bandas más grandes de la música popular, pero no hemos tenido ni idea de lo que estos cantantes son o qué rumbo toman sus vidas, hasta ahora.
LA HISTORIA DETRÁS DE LOS QUE SE QUEDAN ATRÁS.
Generalmente el mundo de la música puede ser un lugar cruel, artistas aparecen y desaparecen sin más, pero para los cantantes de apoyo, las “coristas”, es peor. A través de este documental, podemos conocer a las personas detrás de esos coros de famosos artistas tan famosos. La mayoría son mujeres, pertenecientes a minorías étnicas, poseedoras de voces increíbles, pero que por uno u otro motivo, nunca dejaron de ser coristas, las que estaban detrás de los grandes cantantes, las que literalmente se quedaron atrás.
Malas decisiones contractuales, las reglas no escritas del mundo del espectáculo, turbios manejos de sombríos productores, poco apoyo del público, o en general “mala suerte”, fue la razón por la que muchos de estos artistas nunca salieron de las sombras. Los cambios en la forma de hacer música condenan a la desaparición a los que todavía luchan por estar frente al público, mientras que muchos de ellos ya se dieron por vencidos.
Las historias de estas mujeres y hombres, tanto dentro como fuera de los escenarios se muestran sin ningún atisbo de sentimentalismo, sino que con grandes dosis de respeto y reconocimiento. El documental utiliza amplias entrevistas con las protagonistas, alternando con videos de la época, y comentarios de reconocidos artistas quienes valoran el gran aporte que dieron a la música.
NOMBRES DESCONOCIDOS, VOCES INOLVIDABLES
Muchos grandes artistas de diversas décadas se apoyaron en las maravillosas voces de estos hombres y mujeres, que por desgracia nunca lograron salir adelante en sus carreras como solistas, aunque muchos trataron de mantener una carrera en la música, la mayoría tuvo que diversificarse y en algunos casos renunciar a su sueño. Carreras en el cine, como cantantes de sesión, acompañando a otros grandes cantantes en sus giras, en el mejor de los casos.
Los nombres de Darlene Love, Judith Hill, Merry Clayton, Lisa Fischer, Táta Vega, Claudia Lennear y Jo Lawry pueden no generarnos ningún tipo de respuesta, sin embargo ellas trabajaron al lado de grandes estrellas del R&B, Rock and Roll y Pop, tales como The Beach Boys, Elvis Presley, Tom Jones, Sonny y Cher, Stevie Wonder, Michael Jackson, Joe Cocker, Carole King, The Rolling Stones, Sting, Luther Vandross, Tina Turner, Chaka Khan, Patti LaBelle, Michael Jackson, Ray Charles, Stephen Stills y Madonna.
Tal como menciona una de ellas en una de las entrevistas, lo que la gente recuerda y canta de las canciones, son los coros, precisamente el gran aporte de estos “cantantes de apoyo”. Estas coristas nos demuestran las ganas y la valentía por lograr nuestros sueños, aunque parezcan que estos no se cumplirán nunca.
Protagonistas: Liam Gallagher, Noel Gallagher, Paul "Bonehead" Arthurs, Paul "Guigsy" McGuigan, Tony McCarroll, Peggy Gallagher, Mark Coyle, Owen Morris, Maggie Mouzakitis, Alan McGee.
Música: Oasis.
Género: Documental, Musical.
SINOPSIS
Documental sobre la legendaria banda británica Oasis, liderada por los hermanos Liam y Noel Gallagher, dos jóvenes de Manchester con una vehemente y arrolladora personalidad, que en los 90 consiguieron convertir a su banda en una de la más grande del planeta. Desde sus comienzos en un pequeño sótano de la ciudad británica, hasta sus conciertos en grandes escenarios del mundo; "Oasis: Supersonic" enmarca el camino que esta banda recorre para apoderarse del éxito a costa de la tóxica relación entre sus líderes y hermanos, las rivalidades, las drogas, sus míticas peleas, y sus opiniones sobre el britpop y el rock & roll.
LA BANDA MÁS IMPORTANTE DEL BRITPOP
Producida por Asif Kapadia y James Gay-Rees, ganadores de un Oscar por la película “Amy”, la película nos presenta una profunda mirada a la vida y música de la famosa banda británica, Oasis. Desde sus años formativos y hasta el auge de su éxito en la década de 1990, utilizando entrevistas fuera de pantalla con miembros de la banda, familiares, amigos y demás personas asociadas con ellos, archivos de videos de conciertos, entrevistas contemporáneas y escenas de backstage, además de cortos de animación para recrear momentos esenciales en la conformación de la banda. Sobre el nombre del documental, se utilizó “Supersonic”, el primer sencillo lanzado por el grupo, que irónicamente apenas llegó al número 32 en las listas de popularidad británica, pero que fue celebrado por la banda como si fuera un número 1.
Junto con Suede, Pulp y Blur, Oasis llegó a ser considerado como un componente de los "cuatro grandes" de Britpop, y los hermanos Gallagher fueron presentados regularmente en periódicos sensacionalistas por sus disputas fraternales y estilos de vida salvajes. Hablar de la influencia del grupo a lo largo de la década de los 90’s sería un tema interminable, sin embargo el meteórico ascenso de la banda, estaba apoyado en la tensa relación entre los Gallagher.
Desde sus primeras presentaciones en pequeños locales en su natal Manchester, hasta los espectaculares conciertos al aire libre en Knebworth, y en el Maine Road, sede del Manchester City FC, nos involucramos en la desastrosa vida de una banda de rock, con discusiones, drogas y excesos por doquier.
LOS GALLAGHER, LA ESENCIA DE OASIS.
Aunque llevan años sin dirigirse la palabra, luego de que en 2009, Noel Gallagher abandonará la banda, y cada hermano iniciara una carrera musical por separado, ambos fungen como productores ejecutivos del documental, razón por la cual (y por desgracia), la cinta solo muestra desde los inicios hasta el punto de mayor éxito de la banda, sin tocar el tramo más oscuro de la misma, los últimos años del grupo.
A pesar de este hecho, se puede apreciar la famosa y desastrosa relación entre los Gallagher, por un lado Liam, un frontman por excelencia, bocafloja y arrogante, que no duda en dar sus opiniones sobre otros artistas (como Sting o Phil Collins), sobre el consumo de drogas y los excesos de la vida de los rockeros; y por otro lado Noel, maniático del control y el alma de la banda, sin sus canciones Oasis nunca habría logrado el éxito que consiguieron. Ambos, diametralmente opuestos, tan necesarios como intransigentes, bombas de tiempo que terminaron opacaron completamente a los demás miembros de su banda, y en última instancia destruyéndola.
Filme obligado para todo fanático de la banda, y para aquellos que no crecieron oyéndolos, pero que los acaban de descubrir, a pesar de que muchos los consideran “sobrevalorados”, no se puede negar la influencia que Oasis tuvo en los 90’s, y el legado que celebra “Oasis: Supersonic”.
Protagonistas: Brigitte Bardot, Flea, Bono, Steve Buscemi, Terry Chimes, John Cooper Clarke, John Cusack, Peter Cushing, Johnny Depp, Matt Dillon, Dick Evans, Justine Frischmann, Bobby Gillespie, Alasdair Gillies, Iain Gillies, Topper Headon, Damien Hirst, Mick Jagger, Jim Jarmusch, Mick Jones, Steve Jones, Anthony Kiedis, Don Letts, Bernard Rhodes, Martin Scorsese, Joe Strummer.
Género: Documental, Biografía, Musical.
SINOPSIS.
Como cantante, guitarrista y líder de The Clash, entre otras bandas, Joe Strummer marcó un cambio en la vida de muchas personas. Años después de su muerte, su influencia abarca el mundo entero. En “The Future Is Unwritten”, del director inglés Julien Temple, Joe Strummer es revelado no solo como una leyenda o músico, sino también como un verdadero comunicador de los últimos tiempos, y como una persona llena de aspiraciones y miedos. El documental comparte tanto su historia punk como también anécdotas de sus amistades más cercanas desarrolladas durante el antes, el durante y el después de The Clash.
UNA BIOGRAFÍA MUSICAL
A lo largo de casi dos horas, Julien Temple compila de manera magistral la vida y obra de uno de los mayores exponentes de punk inglés de todos los tiempos, Joe Strummer. Nacido como John Graham Mellor, y proveniente de una familia de diplomáticos, Joe siempre fue un eterno inadaptado, sin mayores aspiraciones que la Escuela de Arte (en una época en la que era considerada como la salida de los inútiles), siempre buscó mostrar su inconformidad ante el mundo que le toco vivir.
El documental se apoya en una inmensa cantidad de material sobre la vida de Strummer: grabaciones y fotografías familiares, filmaciones aficionadas durante su adolescencia y período de mayor rebeldía al abandonar su casa, material de video de sus primeras bandas “The Vultures” y “The 101’s”, las extensas coberturas a sus bandas más famosas “The Clash” y “The Mescaleros”, todo esto apoyado en las anécdotas contadas por sus amigos y conocidos más cercanos a la par de diversas fogatas (que tenían un significado místico para Strummer, en sus últimos años de vida), e innumerables grabaciones de voz del propio Joe Strummer, obtenidas de su programa de radio “London Calling”, para la BBC World, que se mantuvo al aire entre 1999 hasta 2002. Además se incluyen clips de películas o programas de televisión como la adaptación de la BBC de “1984”, lanzada en 1954 y protagonizada por Peter Cushing; la película de animación “Rebelión en la Granja” (1954), también basada en una novela de George Orwell, y varias de las incursiones de Strummer en el cine.
EL ARTISTA, EL SER HUMANO
Contrario a otros documentales anteriores en donde sólo se enfocaba su vida profesional, en este trabajo se trata de ahondar más en la naturaleza humana de Joe Strummer, mostrándolo como una persona compleja, llena de defectos y miedos, pero con una naturaleza combativa y comprometida con las causas sociales.
Hechos como el suicidio de su hermano, sus constantes mudanzas durante su niñez y el alejamiento de sus padres durante su época de estudios en un internado, marcaron de por vida a Strummer, quien encontró en diversas personas válvulas de escape y anclas en una época convulsa, en la era del punk. Dotado de una increíble curiosidad musical, podemos oír por las grabaciones de su programa de radio, selecciones eclécticas de artistas de todo el mundo, las cuales influenciaron su música, en especial cuando en el punto más alto de su carrera fue más allá del punk, mezclándolo con ritmos tan dispares como el reggae, ska y hip-hop.
El ascenso y caída de The Clash, fue también un paralelo de la vida de Strummer, la meteórica carrera de un personaje tan comprometido con los movimientos sociales de todo el mundo, que sin embargo podía hacer todo por lograr el éxito, incluso traicionar a las personas más cercanas, pero que cuando llegó a la cima no se sintió a gusto, no supo que hacer. Como toda persona Strummer aprendió de sus errores, y según su propia filosofía la evolución de un artista nunca se detiene, y quizá ese es el mensaje final de la película, el futuro no está escrito…
Título Completo: “Canción de Barrio: En dos años de gira interminable”
País: Cuba.
Guión: Alejandro Ramírez Anderson.
Música: Silvio Rodríguez.
Género: Documental, musical, denuncia social.
SINOPSIS.
En 2010 Silvio Rodríguez se presenta en La Corbata, uno de los barrios más desfavorecidos de La Habana. Era el comienzo de una ruta que lo llevaría al encuentro del pueblo profundo. Cumplidos dos años de recorrido, la experiencia teje el mapa de una Cuba invisible, cuya complejidad revelará apenas la voz de algunos protagonistas. Un documental de Alejandro Ramírez Anderson que recoge experiencias de los dos primeros años de la "Gira Interminable" que, desde 2010, realiza Silvio Rodríguez por los barrios de La Habana y de otras provincias del país. (FILMAFFINITY).
LA CUBA INVISIBLE
Desde un primer momento, este documental nos introduce en un mundo poco conocido (quizá por el gran secretismo y satanización que las grandes potencias y la misma Cuba nos han vendido sobre la realidad del pueblo cubano), el mundo oculto tras los hermosos barrios de estilo colonial y las rutas para turistas dentro de La Habana, el mundo de los barrios marginales de Cuba, lugares en donde la ilegalidad, las carencias, la resignación, la impotencia, la burocracia y el ingenio, conviven en un peligroso equilibrio que no se aleja demasiado de la realidad de cualquier otro país latinoamericano.
La música de Silvio Rodríguez y los conciertos que lleva a cabo en su “Gira Interminable”, sirven como conexión para contar una serie de relatos en diversos barrios en donde el común denominador es el olvido y el deterioro, que sin embargo contrasta con el humor y la precaria esperanza de un futuro mejor. Canciones clásicas del trovador como “Casiopea”, “La era está pariendo un corazón”, “El necio” y “El papalote”, adquieren una nueva y emotiva dimensión al enlazarse con los sencillos, espontáneos, francos y generosos testimonios de variopintos personajes que muestran un rostro humano a barrios considerados genéricamente como “problemáticos”.
“SILVIO ES NUESTRO UNICORNIO AZUL”
Silvio Rodríguez es una figura polémica tanto fuera como dentro de Cuba, y aunque sus poses son críticas ante el sistema político de la isla, no deja mantener una conciencia coherente y poética de su realidad, y de la realidad de sus compatriotas. Razón por la cual, y a lo largo de cuatro años ha mantenido una gira ininterrumpida a lo largo de “barrios problemáticos”, en donde además de presentar su fascinante obra musical, promueve otros géneros tan dispares como el hip hop o la música clásica, en medio de un ambiente bohemio y lleno de alegría, para brindar a los sufridos habitantes de estos barrios marginales, un poco de alegría y esparcimiento, un escape a sus vidas, en medio de una realidad desgastante. Uno de los mensajes más intensos de los conciertos es cuando por un breve momento, se lee una improvisada pancarta en la que unos niños ponen: “Silvio es nuestro unicornio azul”…
Bajo ese contexto, el documental recoge los problemas a los que se enfrentan las personas excluidas dentro de la sociedad cubana. Problemas como la inmigración a la capital, la “ilegalidad”, malas condiciones de vivienda y medio ambiente, poco apoyo del intrincado aparato burocrático cubano, la violencia y la indiferencia, un panorama que no es exclusivo de este pueblo latinoamericano, que pone en perspectiva nuestra propia realidad.
Lleno de denuncia social y desencanto frente a las condiciones de vida de muchos cubanos, “Canción de Barrio” es un documental que nos introduce tanto en la visión artística como de pensamiento de Silvio Rodríguez, un testigo crítico de su realidad, más allá de las convicciones políticas que cualquier persona podría tener.
