Un espacio crítico de cine donde podrás encontrar la mejores reseñas de películas y directores de diferentes paises del mundo y todos los géneros del Séptimo Arte
Se trata de la primera adaptación oficial del cuento de británico J.R.R Tolkien que a su vez serviría como piloto para una serie animada la cual sería emitida en la cadena NBC, cosa que nunca se concretó. Esta adaptación se trata de una película animada solo transmitida en televisión de señal abierta, pero aún así tiene una calidad gráfica muy por encima de las animaciones de la época, sirviendo de gran influencia a la película que años después realizaría Peter Jackson con la trilogía que realizó del Hobbit en esta década.
La influencia gráfica que tiene esta animación es claramente tomada de las primeras ilustraciones que hiciera Arthur Rackham para el cuento de Tolkien. Posteriormente en 1983 se realizó una secuela de esta animación titulada "El Retorno del Rey" con la misma estética animada y haciendo un resumen muy pequeño de las primeras partes del señor de los anillos que no se realizaron "La comunidad del anillo" y "Las dos Torres". A nivel sonoro, la animación cuenta con una gran cantidad de canciones muy en consonancia con el cuento de Tolkien, el cual está lleno de muchos versos que cantan los enanos a lo largo del cuento y que también hacen durante toda la animación, cosa que hace la historia muy entretenida y llevadera. Toda la banda sonora fue compuesta por Maury Laws.
A nivel personal puedo decirles que la película es muy buena, soy lector de Tolkien desde niño y al ver esta adaptación la pasé genial con todas las referencias bien realizadas del cuento, aunque tal vez quien no esté familiarizado con la mitología de Tolkien y sus personajes, si le resulte todo un poco confuso. Donde pueden conseguir esta película? pues es algo difícil... se realizaron versiones para VHS y DVD pero no se comercializan del todo, y en las redes sociales destinadas a videos y afines no se encuentran completas o están segmentadas solo en ingles. En Youtube no está nada de esta animación, solo se encuentra en Daily Motion en dos partes y en ingles. Yo tuve que descargar las dos partes, editarlas y unirlas con un programa que tengo de edición llamado "Camtasia Studio" y posteriormente descargarle los subtítulos en la página "Subdivx", todo un trabajo… Pero la verdad valió la pena, la recomiendo enormemente.
Dirigida a cuatro pezuñas por la escritora del libro VIRGINIE DESPENTES y la actriz porno CORALIE TRINH, supuso en su estreno una sensación de cine underground y metió dedo al gusto de algunos amantes del hard core noir. El libro y la película se merecen, son equivalentes en calidad artística en sus campos, una narrada con letras mal puntuadas, la otra en una película humildemente impetuosa frente a otras rebeldías mainstream como “El Club de la Pelea” o “A Serbian Film”.
“FOLLAME” es el rechazo total de la estética y de lo correcto. Dos mujeres, MANU Y NADINE "antítesis francesas de THELMA Y LOUISE", menospreciadas por los testiculares machos alfa que las rodean deciden unir fuerza y tras un evento sangriento particular se arman con pistolotas y prenden motores a un espectáculo urbano con sentimiento road movie, matizada con sexo explícito y drogas de las que hacen supurar agujeros. Dos actrices porno con pinta de gitanas bipolares, amateurs y carismáticas: RAFAELA ANDERSON Y KAREN BACH (esta última se suicidó en 2005), dan vida a dos mercenarias de sus propios resentimientos que van jalando gatillo en la humanidad de los que se las follan y de quienes lo desean, mientras suena música punk y la cámara invasiva lo convierte en espectáculo voyeur para el espectador.
Su respuesta armada al machismo imperante. Sus robos y crímenes destinados a burgueses y chusma nocturna van más allá de pillaje con intereses narcótico. Son una mueca de acción B enmarcadas dentro de un embeleco de movimiento llamado “POSTFEMINISMO DE CONTRAGOLPE”. Averigüen ustedes que tozudez es eso. Ni el libro ni la novela buscan más trascendencia que la obtenida a modo de pasajera sensación para su perpetradora. Sin embargo, esto es cine para Público masivo enmascarado de cine uterinamente outsider. Cine efectista que no por eso deja de tener significancia estética y siendo sinceros a poca profundidad argumental el malevaje estético no está nada mal. Cine irrelevante que curiosamente como todo lo irrelevante y poco nutritivo como la comida chatarra da gusto consumir.
La cineasta -escritora, Virginie Despentes es convencida adepta al movimiento punk, el cual sugiere hacerte las cosas por ti mismo, defraudando a padres y profesores. La escritora de este vomitivo acepta haber escrito su novela inspirada en el poeta nihilista HANK CHINASKI es decir el alter ego artístico de CHARLES BUKOWSKI, lo cual no es nada novedoso, pero sí muy efectivo cuando se trata de ser irreverente. Acepta utilizar su pasado de prostituta (atendía una línea de llamadas eróticas) para crear ficción; no tanto para testimoniar o dar ejemplo estilo tipo superación personal [púdranse Pablo Coelho y Cuauthemoc Zanchez!!!!], sino para radicalizar el discurso de lo que socialmente aceptamos moral. Así mismo la novela “FOLLAME” sobre hembras evadidas en su correría de no retorno, se narra con ritmo pornográfico, son episodios sin metáforas, sin florituras, manoseando al lector, las protagonistas se internan en cines triple X, olorosos a sudor, bares semi-vacíos con posos de vomito en el piso y habitaciones amobladas con sillones verde limón como una pesadilla de cine setentero. Se cuentan los eventos como lo haría un morboso transeúnte falto de mesura y buen juicio, por eso el aborto cinematográfico no podía ser menos pedorro. En palabras de su autora: ¡Escribo desde la fealdad! Para las viejas, las feas, las camioneras, las frígidas, las insatisfechas, las que nadie desea, las taradas, las excluidas del gran mercado de la buena mujer.
Imposible sentenciar cuál de los dos; libro o film es mejor. Pudieron salir en cualquier orden y eso no daría valor añadido a ninguno. Podrían no haberse escrito y filmado nunca y existirían flotando en el vaho oloroso de miles de tramas urbanas similares. Es la magia simplificadora de lo independiente, del arte que busca su público en los desprevenidos, los desocupados, los disléxicos que confunden a Ingmar Bergman con Ingrid Bergman, o creen que Akira Kurosawa es una marca de motocicletas coreanas. tal vez, la única moraleja que deja leer el libro o ver la película es que en ocasiones hay que radicalizar lo que hacemos, atrofiarlo todo para revitalizar ese muerto elitista que se llama arte antes que ir por ahí auto imponiéndonos el pomposo título de artistas. El libro “FOLLAME” ha sido publicado en español en la colección de reservoir book, que trae otros interesantísimos títulos, como “La Fábrica de Avispas” y “El Arte más íntimo”. ¡Amen perras!
“Psicosis” es una película estadounidense de terror y suspense protagonizada por Anthony Perkins, John Gavin, Martin Balsam y Janet Leigh, que fue estrenada en 1960. La película es la adaptación de la novela homónima de 1959 escrita por Robert Bloch, quien se inspiró en los crímenes de Ed Grein para poder escribir esta novela.
Hitchcock buscaba realizar una película de tipo B, alejándose radicalmente de todos sus trabajos previos, y es en esa búsqueda en donde Alfred cuando se encontraba viajando a Londres, leía la novela de Bloch, y fue una escena la determinante para que el director decidiera realizar la película. Esa secuencia sin lugar a dudas fue la que se desarrollaba en la ducha, el que posteriormente seria convertiría en el famoso asesinato de Janet Leigh.
SPOILER
Psicosis se convertiría en la más grande obra de Alfred y marco un precedente en todo lo que se venía haciendo e influiría en obras posteriores. “Tenemos la escena de la ducha como lo más impactante y recordable del, a mi parecer mediocre libro de Bloch, por suponer una situación totalmente inesperada que causa en el lector un gran impacto. Alrededor de dicha secuencia Hitchcock compuso el que él mismo consideraba su mayor juego con el espectador. Y dicho juego consiste en ir despistando al espectador a base de cambios de rumbo en el argumento —uno de los más plagiados hasta la actualidad—, demostrando así un sentido del humor fuera de lo común —por cierto, en un principio ‘Psicosis’ fue planteada como una comedia—, al dar la vuelta a lo que hasta entonces Hitchcock consideraba como suspense.
La aparición de un policía de carretera, el cambio de coche, secuencias que Hitchcock maneja con un impecable punto de vista, el de ella, mientras pensamos en cómo la atraparán con el dinero. Antes de hacer una parada en el motel más famoso de la historia del cine Hitchcock introduce un elemento, hoy muy manido, pero que aquí luce en todo su esplendor: la lluvia. Utilizada normalmente como elemento dramático aquí semeja una puerta, un tránsito hacia lo que parece una pesadilla fílmica, el terror puro y duro, cambiando por completo el tono del film al entrar en escena Norman Bates, con un aspecto bastante diferente al del libro. A partir de ese instante todo trata de ocultar datos despistando al espectador sobre lo que allí ocurre, y que resulta mucho más efectivo que en el libro en el que el narrador miente literalmente.
Y teniendo a Hitchcock como el mayor mentiroso de la historia del cine, éste campa a sus anchas con el universo representado en el motel, engañando sin piedad, pero también de forma muy justificada a un espectador que asiste aterrorizado a una película que da un giro de 180 grados tras el famoso asesinato y se centra en el personaje de Bates. Un cambio en el punto de vista, y con ello un espectador estupefacto que ahora empatiza con Bates hasta cierto punto. Tras el asesinato y la meticulosa limpieza del baño —que responde al maniático orden en la vida real del director—, Bates esconde todo en el coche de Marion y lo hunde en un pantano. Hitchcock entierra delante de nuestras narices un MacGuffin de 40.000 dólares que hasta ese instante eran el motor de la historia”. (LA ÚLTIMA BUTACA).
TEORÍA PSICOANALÍTICA
Si bien Alfred se avoco a las cuestiones técnicas, la carga psicoanalítica que se observa en la película es el mérito de un jovencito Joseph Stefano. Podemos ver que Stefano se encontraba en un análisis Freudiano cuando se encontraba escribiendo el guion. Sin dudas Joseph es el responsable directo de que la cinta sea más que una mera película de suspenso y terror.
Para ello debemos empezar a desentrañar algunos términos que saltan a la luz en la película. Psicosis, este término es usado para designar locura y es estrictamente un término usado en psiquiatría. Sigmund Freud hace una diferencia clara sobre lo que es psicosis y neurosis. Pero podemos apreciar fundamentalmente que se hace mención específicamente de su segunda tópica, el que nos habla de “EL, YO y ELLO”. Freud decía “la neurosis sería el resultado de un conflicto entre el YO y su ELLO, y la psicosis, vendría a ser el desenlace análogo de tal perturbación entre el YO y el mundo exterior”.
Esta diferenciación es fundamental, ya que se ejemplifica en el film. Marion Crane sería la típica chica neurótica, ya que vemos en la primera escena que ella está con Sam (no puede casarse), en el cuarto de un motel y a continuación de ello se manda con un discurso moralista “esto no está bien, que ahora en adelante hará las cosas bien, y que esto no volverá a repetirse”, esto es un claro ejemplo de neurosis, porque hay una lucha entre el YO y el ELLO. Otra escena en donde se observa ello, se da cuando se queda dormida en el auto (después de haber cometido el robo), un policía de acerca y le solicita su licencia. Empieza a sentir culpa y le genera un sentimiento de persecución. Cuando el policía le deja ir, Marion en embargada por un sentimiento de angustia constante.
El personaje de Norman Bates ofrece muchos más rasgos que pueden ser analizados a diferencia a la de Marion. El conflicto en la neurosis es un conflicto interno en el aparato psíquico. La psicosis tiene su origen en la negación de la realidad existente. Vemos ello en Bates. Su única realidad es su Motel y fundamentalmente su madre. La psicosis imposibilita al individuo a conectarse a la realidad y queda atrapado en la que el crea en su mente (complejo de Edipo).
“Who's Afraid of Virginia Woolf? / ¿Quién le teme a Virginia Woolf?” es
una película dramática de 1966, dirigida por Mike Nichols, y
protagonizada por Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal y Sandy
Dennis. Está basada en la obra teatral homónima de Edward Albee. El
título hace una referencia a la famosa escritora Virginia Woolf,
utilizándola como una parodia de la frase y canción clásica, "Who's
Afraid of the Big Bad Wolf?" ("¿quién le teme al lobo feroz?"). Esta es
la opera prima de Mike Nichols, director alemán de origen judío, que se
hiciera famoso como director de obras teatrales en Broadway.
.
.
George (Richard Burton) y Martha (Elizabeth) son un fallido matrimonio
que se profesa un odio sincero y salvaje. George es un profesor
universitario de historia; Martha, es la hija del rector de la
universidad donde él da clases, quien es una mujer frustrada y
vulnerable. Un sábado por la noche, después de una fiesta, Martha invita
a su casa a Nick (George Segal), un profesor recién llegado, y Honey
(Sandy Dennis), su frágil esposa. La presencia de esta pareja no evita
que Martha y George se humillen y maltraten como de costumbre. A través
de este cruel juego salen a relucir los secretos maritales tanto de los
anfitriones como de los invitados.
.
.
La premisa que la
película nos ofrece es sencilla: “La miseria busca compañía”. George y
Martha poseen personalidades autodestructivas, quienes conocen
perfectamente las debilidades del otro y saben cómo explotarlas, son dos
almas sadomasoquistas que a través de su supuesto “ingenio” tratan de
hacer sentirse mal, y en el proceso incomodar a sus invitados. El
debutante Mike Nichols logra transmitir los orígenes teatrales de la
historia, por medio de diálogos incómodos, violencia física, excesos y
vicios; mientras que el perfecto duelo actoral entre Elizabeth Taylor y
Richard Burton, que en esa época estaban casados, es simplemente
extraordinario e imperdible. Los insultos, amenazas, humillaciones,
ironías y demás vejámenes del “juego” entre la pareja, serían
impensables en la época más implacable del Código Hays, sin embargo
“¿Quién le teme a Virginia Woolf?” fue beneficiada con la reciente
abolición del mismo, y con la nueva Clasificación por Edades, que se
acababa de aprobar.
.
.
Con unas pocas locaciones
importantes (la habitación del matrimonio, la sala de la casa, el patio y
el bar de carretera), la película nos introduce en un pequeño mundo
donde la tensión se siente a flor de piel, un mundo en el que las dos
parejas parecen colapsar, en donde la brutalidad de la relación del
matrimonio de mediana edad, parece arrastrar al mismo abismo de
perdición a la joven pareja.
.
.
Hay películas que edulcoran
la realidad y te hacen disfrutar de lo hermosa que es la vida, con
finales felices y todos muy contentos. Sin embargo, también existen
películas oscuras y crueles, que tratan temas adultos y al final te
dejan un sabor agridulce. Uno sabe que ha visto algo poco positivo pero
al mismo tiempo te das cuenta que es algo sincero, una gran película, no
una simple historia del montón. Eso es lo que pasa cuando ves ¿Quién
teme a Virginia Woolf?
.
.
.
SPOILER
Al final de la película, en el momento en el que es revelada la
verdadera razón de la relación amor-odio de la pareja, George vuelve a
decir la frase que se utilizó a lo largo de la película como chiste:
“¿Quién teme a Virginia Woolf?”', y seguidamente una abatida y muy
vulnerable Martha responde: “Yo le temo, le tengo miedo”, develando que
ella es la persona con más problemas en la relación, la más rota, la que
tiene miedo a una imaginaria figura que esconde los verdaderos
problemas de su vida, una situación que no es capaz de enfrentar…
Sé que no podré decirles algo de Ciudadano Kane
que no hayan leído o visto antes y es que todos sabemos que es una de las
mejores películas de todos los tiempos.
Welles baso su personaje de Charles Foster Kein
en el famoso magnate millonario de la prensa
estadounidense William Randolph Hearst,
La película comienza con la noticia en los periódicos
de la muerte de este emblemático personaje, tras su último suspiro sólo exhalo
una palabra, Rosebud , en la búsqueda frenética
del periodista Jerry Thompson para saber lo que significaba esta palabra, se
acerca a las personas más cercanas al fallecido Charles, entre ellos su tutor,
su exesposa y su mejor amigo. Cada uno de estos singulares personajes relatan experiencias
vividas con Charles.
El mismo día que Charles Kane tomo posesión del
periódico, realiza su propia declaración de principios en la cual incluye dos
promesas que marcarán los ideales del periódico. Dos promesas impresas en la
primera plana del Inquirer “Yo le proporcionaré a la gente de esta ciudad un
diario que revelará las noticias de forma honesta” “Ademas, les ofreceré una
tenaz e incansable defensa de sus derechos como ciudadanos y seres humanos”.
Me gusta mucho como Welles desarrolla el papel de
Charles, ya que nos muestra la evolución de un individuo, un individuo joven,
idealista e impetuoso, que anhelaba cambiar el aparatoso sistema político que
sólo beneficiaba a los dueños del capital, desprotegiendo a la clase
obrera.Pero ¿qué es más peligroso que
un hombre con recursos, con acceso a la prensa y que quiere cambiar al mundo? Kane
poco a poco va mutandosu espíritu se va
doblegando ante la decepción, al darse cuenta de lo iluso que fue al creer que
podía cambiar el sistema, y sus ideales se transforman en tormentosas quimeras.
Charles al final de cuentas era sólo un humano, capaz
de errar como todos, donde lo único que entrañaba era ser amado, que dedico su
último suspiro a Rosebud, la añoranza de la inocencia perdida.
Un hawaiano que ha navegado por todo lo B, el fantástico, la distopia y
la acción post apocalíptica, prueba de ello sus cintas como CIBORG
1988 la de Jean Claude Vam damnme para mí su mejor cinta, SUEÑOS
RADIOACTIVOS 1985 joyita ultra B, y la versión de CAPITAN AMERICA 1990
uyy !!!! Que delicia!!!! Esta es puro culto freak así que Trabajo para
marvel en tiempos diluvianos, respetos por favor! antes de hacer
películas baratas para la productora CANNON en su adolescencia trabajo
editando comerciales de televisión y películas regionales en Honolulu.
Un día el actor TOSHIO MIFUNE lo invita a Japón para trabajar con
AKIRA KUROSAWA como asistente (es decir llevando y trayendo la merienda
y el sake del icónico japonés) en una serie de televisión donde el
director de fotografía de Kurozawa TAKAO SAITO le ofrece una pasantía
cinematográfica, ahí aprende conceptos básicos de producción. PYUN
siempre ha dirigido con la dedicación y aplomo de un artesano ambicioso
pese a siempre haber manejado bajos presupuestos y poca distribución,
por eso su comparación constante en algunos medios "críticos" con ed
wood es ridícula y mal intencionada, utilizando la lógica independiente:
que algunas escenas de sus películas parezcan improvisadas no quiere
decir que lo sean (¿?) ALBERT PYUN iba a ser el director de una
versión con todas las de la ley de SPIDERMAN en los ochenta pero no se
dio, habría sido para irse de espaldas!!!!
Como sea, este film de
espada y brujería que forjo todo un genero de cintas chungas en los
ochenta comienza con una grandilocuente voz en off que nos narra como
el malvado caballero Cromwell interpretado por el fantástico actor
RICHARD LYNCH (el malvado por excelencia de los subproductos B
ochenteros ) invoca un demonio colmilludo que emerge en una cueva dentro
de una solución acuosa similar a mocos y le pide ayudarle a dominar
todo un boscoso reino medieval cuya producción es papas y leche de
cabra. Para eso mata a los reyes a decir verdad los reyes menos
custodiados de la historia pero se le escapa el principito que dando un
aullido en la distancian auch! NOOOOO!!!!! MALDITOS! Jura venganza.
Así se criara entre ladrones y delincuentes espadachines y ya adulto
trajeado con capa, hombreras, espada y tremenda peluca rubia saltara a
la aventura como un héroe galán y mujeriego llamado TALON interpretado
por el insípido actor de segunda línea LEE HORSLEY quien ultima mente
apareció en Dajango de Tarantino. Esta cinta salía al mercado el mismo
año que CONAN EL BARBARO, curiosamente ambas obtuvieron igual taquilla,
solo que la que nos compete no tuvo reseñas pagadas en buenos periódicos
y protagonistas ex campeones de fisicoculturismo que se la pasaban en
cocteles puff!!! Les saco la lengua.
CROWELL EL REY DE LOS BARBAROS
está narrada brusca pero efectivamente con colores negro y rojizo
azafrán supliendo así los baches argumentales con un buen diseño de
vestuario, unos escenarios de calabozos y mazmorras interminables
iluminados a punta de antorchas y exteriores muy bien escogidos que
sumados a la fotografía competente y banda sonora rimbombante dan un
inequívoco plus de gran film, acá no hay CHRISTOPHER NOLAN que valga! La
película es ingenua, arquetípica y cumple como cinta dolorosamente
dominguera. Tiene subtramas que nunca se concretan, edición confusa,
mucha sangre pictórica de la que se nota es de mentiritas, unos cuantos
caballos rentados pero bien enjalmados, una mini orgia de espaldas que
no muestra nada sexual y actuaciones amateurs como dios manda. También
tiene las escenas de lucha con espadas estrambóticas con chispas y
rayos dibujados cuadro por cuadro más moderadamente épicas, es decir
menos espectaculares pero más entretenidas que uno se pueda echar al
buche, guerreros que hacen volteretas estilo fuman-chu hiperbólico pero
no aportan nada a la acción (la espada del protagonista se dispara como
una lanza mortal cuya espectacularidad radica en un simple juego de
cámara) y muchos extras eso si no se les puede negar enfocados en su
trabajo de gritar, escupir y caerse muertos. Es esta la constante de
este cine, su precariedad en cuanto a presupuesto no le quita lo cool
.la serie B exige cierta disposición anímica y amplitud de criterio casi
patológico del espectador que una vez se obtiene lo hace co-autor de
estas locuras. PYUN hace imágenes inolvidables, atolonicas, patea
neuronas, pero no busca el mal gusto con vulgaridad, de eso no se le
puede culpar. Al final de esta epopeya épica un letrero informa que muy
pronto veremos su rutilante continuación lo que no sucedió hasta este
año, la secuela protagonizada por KEVIN SORBO el famoso Hércules de la
televisión y con ganador de Oscar abordo nada más ni nada menos que
Christopher Plumer.
CROWELL EL REY DE LOS BARBAROS es un debut rutilante
y nada genial lo cual le hace inolvidable para los amantes de lo
independiente, de lo auténticamente self made. PYUN es un artista
singular y excéntrico que ha optado por la evasión comercial y el
control total de su material manufacturando cintas videocluberas que
consume un nicho especifico de desocupados a los que la entrega de
Oscar, la alfombra roja, el boulevard de las estrellas o la palma de oro
poco o nada les importa. Para aquellos que mientras sorben un refresco
de cola dicen: yo podría hacer eso... pero mejor! PUYN es el Spielberg
de los desencantados de ese cine starsystem que atosiga e impone
estilos de vida inalcanzables, es el kubrik de los desentendidos, el
stanislavky de los tartamudos que a punta de empirismo rechaza dogmas y
escuelas snobs. Un director que ha hecho realidad sus más absurdos
sueños cinematográficos y las pesadillas de muchos puristas y críticos.
Hablar de Pasolini no
resulta sencillo, este poeta, escritor y cineasta italiano fue uno de los más
controversiales de su época, el día de hoy les hablaré de Accattone su primer
filme en su etapa como cineasta.
Accattone es uno de los
últimos filmes del neorrealismo de la posguerra, un filme que se olvida del
viejo régimen fascista impuesto por Mussolini, un filme que nos muestra de una
forma cruda la verdadera cara de Italia, la Italia destrozada, la Italia que
tiene hambre, la Italia que sobrevive día a día,La Italia de miles de Accattone, la Italia de
miles de Stella.
Accattone es un proxeneta,
de hecho es nuevo en estenegocio, es el
tipo de hombre que preferiría robar y mendigar antes que trabajar. Para él
trabaja Maddalena una hermosa prostituta que ha denunciado a su anterior
proxeneta Cicio el cuál yace preso. Es precisamente Cicio, quien desde la
cárcel orquesta su venganza contra sus denunciantes, por lo que le propinan una
golpiza a Maddalena, después de que Accattone les revelo que fue precisamente ella
quien lo denucioa,. Maddalena denuncia este último hecho, pero los confunde y
es condenada a dos años por falsedad de testimonio.
Con Maddalena en la cárcel,
Accattone poco a poco se queda sin recursos, se ve obligado a vender lo poco
que tiene. Incluso fue a buscar a su exesposa para poder comer. En el trabajo
de su esposa conoce a Stella, una joven hermosa, trabajadora, dulce e ingenua.
Intenta aprovecharse de estas condiciones para poder prostituirla. Después de todo él está haciendo lo que mejor
sabe hacer, sobrevivir. Stella quien ha
sufrido una vida desdichada, cae en sus redes fácilmente. Pero a caso ¿Stella
ha tocado el corazón de Accattone con su dulzura e ingenuidad? ¿Accattone será
capaz de cuidar de Stella aunque eso signifique trabajar?
¿Hasta donde será capaz de
llegar Accattone para sobrevivir?
“Ulysses”
es una coproducción británica-estadounidense de 1967, dirigida por Joseph
Strick, y protagonizada por Milo O'Shea, Barbara Jefford y Maurice Roëves. Está
basada en la controversial novela “Ulysses” de James Joyce, publicada en 1904.
Fue la primera adaptación de la novela al cine, el guión fue adaptado por
Joseph Strick y Fred Haines, y fue nominado a los premios Óscar, y es
reconocido por su fidelidad a la obra, ya que la mayoría de líneas fueron
tomadas íntegramente de la misma.
De
forma caótica y detallada a la vez, se narran las citas y encuentros
itinerantes de Leopold Bloom (Milo O'Shea), en Dublín, Irlanda, en el curso del
el 16 de junio, un día aparentemente ordinario. En sus idas y venidas, se
encontrará con curiosos personajes, entre los que destaca Stephen Dedalus
(Maurice Roëves), aspirante a poeta y quien encuentra en Bloom, una sincera
amistad y una figura paterna. Tras un funeral, citas de trabajo, jolgorio y una
noche de copas, Leopold tiene un acercamiento con su esposa Molly (Barbara
Jefford), develando las cargas de conciencia dentro de su matrimonio.
“Ulysses”
es una analogía del poema clásico griego “La Odisea”, adecuada a Dublín en los
años 60’s (en la novela estaba ambientada en 1904); Leopold Bloom es “Ulises”,
Stephen Dedalus es “Telémaco” y Molly Bloom es “Penélope”. Inicialmente
clasificada como “X” por sus diálogos y situaciones “subidas de tono”, y rodada
con un presupuesto modesto, la película logra transmitir la esencia de la
novela de James Joyce, que en su época fue considerada como vulgar, compleja y
pretenciosa.
Alabada
por unos, odiada por otros, la película está llena de imágenes y sonidos de la
decadente ciudad de Dublín en los años 60’s, con diálogos que van desde lo
frívolo a lo filosófico, y situaciones atemporales, “Ulysses” nos traslada a un
mundo donde lo cotidiano roza con lo fantástico, en una obra aparentemente
imposible de filmar.
(Obras previas, dos cortometrajes animados: Robot Carnival y Neo tokio.)
Escribir una reseña sobre el primer largo de Katsuhiro Otomo no solo es
arduo difícil, si no de una responsabilidad acongojante y acojonante,
ya que estamos hablando de la piedra angular de la famosa
"japaninvasion" (o como se llame). Una cinta que gracias a la difusión
de la novela gráfica, (de mas de 2000 paginas coloreadas por Steve Oliff
para la Marvel Comics) se hacia inminente la traslación al celuloide,
—aunque quienes después estudiáramos el origen de la historia no
hubiéramos podido imaginar que tamaña obra se hubiera podido trasladar, y
solo un Director, dibujante, guionista, un artista y genio completo
como Otomo lo podría haber echo—.
DE PESADILLAS Y VIEJITOS ARRUGADOS.
De que va la historia: Los orígenes de Akira se remontan al cómic
"Pesadillas", el cual cuenta la historia de un conjunto habitacional
agobiado por unos lamentables suicidios que se van sucediendo sin mayor
relación unos con otros, salvo la presencia de un solitario anciano, el
cual a medida que avanza la historia nos va mostrando unas capacidades
psico quineticas junto a una niña que funge de contraparte, es así como
en ese duelo de ingenuidades, caprichos y sobre todo maldad pura e
inconsciente, van conformando el hilo argumental que vendría a ser el
"proto Akira".
También podemos apreciar este plot, chicos con
habilidades psico quineticas, capaces de cambiar inclusive el propio
espacio tiempo, matizado con un enrevesado argumento donde intereses
políticos de distintas alas se entremezclan.
LA IGNORANCIA ES FELICIDAD
Los experimentos realizados en estos pequeños conejillos de indias:
niños huérfanos, nombrados con números (¡hola 11, hola Stranger Things!)
desde el sujeto 01 hasta el numero clave 28, —causante de la mayor
catástrofe de la historia moderna— todos ellos expuestos y forzados a
una "evolución" artificial, gracias a drogas, medicamentos y baños
radioactivos, —Un tema arto mal interpretado en la cinta, es aquel de
"la Ameba", la cual explicare mas adelante— La película basa este asunto
muy veladamente, ya que según el Cómic, este proceso requiere de
muchísima experimentación, prueba y error lo que nos indica que ingentes
cantidades de infantes han perecido en estas pruebas. ¿Porqué es tan
importante el asunto de las drogas, recuerdan la capsula que sale en la
cinta, la imagen en la casaca/chamarra de Kaneda? Bueno, ahí tenemos a
los miembros de las pandillas que asolan Neo tokio, dirigidos por un
híper carismático Kaneda, quien junto a sus amigos Tetsuo, Yamagata y
Kai libran épicas batallas al mejor estilo “warhameriano” con otro grupo
rival atiborrados de drogas y ultra violencia. Al mismo tiempo el
descontrol y la anarquía reinante junto con la corrupción gubernamental
aportas de celebrar las olimpiadas del año 2020 (¿paranoia
premonitoria?) se respiran en toda la cinta, los colores ocres y
violáceos salpicados de neón al mejor estilo del cómic europeo,
refuerzan el estado perenne como de una bomba de relojería. Es así como
asistimos a la creación del segundo "sujeto", Tetsuo: un acomplejado
muchacho, quien descubre sus dormidas habilidades, al extremo de superar
a los otros sujetos de la historia: Masamu, Kiyomo, Takashi, los cuales
tienen una apariencia cercana a la del anciano del manga Pesadillas,
quizás dueños de una carcasa a punto de expirar.
Estos "niños"
advierten el potencial de Tetsuo y aquí es donde una de las mas
polémicas teorías toma protagonismo, cuando se compara el poder de
Tetsuo con el de una Ameba: no solo hace referencia a la poca capacidad
del individuo de comprender y manejar las habilidades de un Dios, si no
que el tiempo ya es una línea trazada e inalterable, por lo tanto el
despertar de Akira, gracias a Tetsuo como necesario catalizador era
inevitable, por eso las visiones de Kiyomo. "Un More than Meets the
eyes" sería preciso en esta etapa.
Otra de las sub tramas
interesantes de la cinta, es todo el trasfondo político que se genera a
partir de la desaparición del proyecto 28: se escondió el experimento y
se mostró como consecuencia de un ataque enemigo y parte de la popular
“tercera guerra mundial” de aquellos tiempos; es aquí donde un personaje
que aparece tímidamente en la cinta, un fanático religioso que pregona
la figura de Akira es Lady Miyako, quien fue el sujeto número 19,
gracias a la cual, ese presente: “pre juegos olímpicos” reconoce la
figura de Akira como la de un mesías, que traerá fuego y expiación al
podrido sistema. Al mismo tiempo, una facción de corte marxista, a la
cual pertenece Key, —idealista muchacha y parte importante de la trama,
posterior— tratan de aprovechar la figura de Akira para sus propios
intereses, algo que el Coronel “Taisa” trata de impedir a toda costa,
con una actitud firme y decidida, al extremo de cometer un golpe de
estado en el momento mas álgido de la cinta.
POSTAPOCALIPTICAS MENUDENCIAS
Así es Akira: compleja, barroca llena de tramas y sub tramas que se van
desenredando a medias, en esas insuficientes dos horas de metraje, que
requieren de una necesaria consulta al cómic y sobre todo mucha
paciencia.
La historia al final, es una oda a la amistad, al amor
fraterno y a la capacidad de perdonar y creer en “nuestro potencial”,
parece el anunció de un libro de autoayuda pero no hay forma de graficar
mas burda y literalmente las intenciones de la película.
Marco Masama
Año / País:
1988 / Japón
Título original:
Akira
Duración:
124 min.
Guión:
Katsuhiro Ôtomo, Izo Hashimoto (Manga: Katsuhiro Ôtomo)
Música:
Shoji Yamashiro
Fotografía:
Animation/Productora:
Akira Committlee
