YOUR NAME, (KIMI NO NA WA) 2017

SINOPSIS

Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian, y comienzan a comunicarse por medio de notas. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más romántico. (FILMAFFINITY)

MUSUBI/ANUDAMIENTO
El hilo rojo del destino (赤い糸 en japonés) es un concepto muy difundido en oriente, parece que se originó en la China. En realidad, se trataría más bien de una leyenda: “Cuyo equivalente más cercano en Occidente sería el de “las almas gemelas”. Como tal, el hilo o cordón rojo se encuentra atado por los dioses (e invisible a los ojos humanos) a los dedos meñique o muñecas de dos personas, las cuales estarán destinadas a ser amantes, independientemente de las circunstancias. Por lo tanto, el hilo rojo podrá alargarse, enredarse o contraerse, pero nunca romperse”

¿QUIEN ERES?

La cinta utiliza elementos muy comunes de la cotidianidad adolescente, las redes sociales como: Line wassap y las agendas personales compartidas. El manejo de los tiempos cruzados es espectacular, la película recorre dos líneas temporales y al mismo tiempo el compartir las personalidades de los personajes centrales; estos se cruzan con tanta naturalidad durante el metraje que no afectan en gran medida el seguimiento de la línea argumental si es que no eres un visor muy avispado o no le estas prestando mucha atención a la película. Al comienzo la cinta parece llevarnos por el camino de ciertos tópicos muy manidos del género de la fantasía, hasta que poco a poco nos demuestran que aquello no solo se trata de ensoñación si no de un ejercicio de scifi bastante decente hasta llegar a un punto de complejidad donde antiguos ritos que nos recuerdan a la preparación de la “chicha ancestral precolombina” se mezclan con el inconmensurable influjo de un cometa. Sería imperdonable espoilear lo que sigue...

A la mitad del metraje es donde la cinta escatima sus recursos en explicaciones y parece que solo se preocupa en hacer más placentero el viaje y que viaje. La película trabaja un ritmo casi perfecto (con excepción del alargamiento de algunas escenas)

¿EL SUCESOR DE MIYAZAKI?

Sería injusto comparar la cinta de Makoto Shinkai con el cine del estudio Ghibli (Miyazaki propiamente dicho) Son dos maneras de representar sus inquietudes personales: Miyazaki tiene una preocupación por representar el mundo espiritual y el folklore de su terruño, lo que no le impide acercarse a otras culturas con solvencia, una fascinación por el trabajo en equipo y muy preocupado por el tema social. Si nos remontamos a la opera prima de Shinkai: “Voices of a Distant Star” y la célebre “Viaje a Agartha” podemos apreciar una mayor preocupación del director por los más profundos matices de las relaciones juveniles, Shinkai entiende muy bien sus motivaciones y preocupaciones (el uso de la tecnología como parte fundamental y la manera como estos adolescentes se comunican, es clave) La distancia y la representación del amor que trasciende más allá del espacio, tiempo.

SIMPLEZA QUE SUMA

En “Your Name” no van a encontrar cuotas de virtuosismo técnico en la animación, no es un “Akira”, “Ghost in the Shell” ni un “Mononoke Hime”, todo lo contrario, es de una factura sumamente modesta para los estándares cinematográficos, compensado por un potente guion perfectamente engranado, unos personajes correctamente perfilados, lo que resultó en convertirse en la cinta más taquillera de Japón y recaudar casi 350 millones en Asia (Aun no se estrena en occidente)

Es una película dirigida a un público adolecente, pero muy bien construida, se aparta del cliché “juvenil=mediocre” y Makoto Shinkai junto a Mamoru Osoda, Goro Miyazaki, Mahiro Maeda, Kasuya Tsurumaki se encumbran como la nueva sangre de directores del país nipon, recogiendo la posta que dejaron los maestros como Miyazaki, Takahata,

Año: 2016

Duración: 106 min.

País: Japón

Director: Makoto Shinkai

Guion: Makoto Shinkai

Música: Radwimps

Fotografía: Animation

Reparto: Animation

Productora: CoMix Wave Films

Marco Masama

"CINE LATINOAMERICANO” “EL BULTO” GABRIEL RETES (MEXICO 1991). Por Valentina Valentino.

Es una película mexicana escrita, producida dirigida y protagonizada por Gabriel Retes acompañado por Hector Bonilla, Lourdes Elizarrarás, José Alonso, Delia Casanova y Cecilia Camacho. ¿Qué pasaría si te quedaras dormido y despertaras mucho tiempo después? Retes refleja en El bulto su preocupación sobre la importancia de la conciencia histórica.

Retes se anticipa a la obra de Wolfgang Becker, "Good Bye Lenin". El bulto es la historia de Lauro, un fotógrafo liberal de izquierda que trabaja para un periódico de la capital del país, quien se encuentra cubriendo la matanza del jueves de Corpus Christi, es golpeado brutalmente por un grupo paramilitar denominado los halcones, aunque resulta extraordinario que sobreviviera a semejante golpiza, cayó en coma durante 20 años.

Antecedentes de la matanza del Corpus Christi o Halconazo (Estos hechos no son detallados en el filme, pero nos dan un punto de referencia para ver a través de los ojos de Lauro)

Después del gobierno opresor de Díaz Ordaz, el presidente Echeverria Álvarez se deslindó de los crímenes cometidos previamente a su gobierno y abrió una puerta con algunos anuncios sobre reformas de apertura democrática en el país. Inmediatamente quito el exilio a los líderes estudiantiles del movimiento del 68, y la liberación de otros que yacían presos desde hacía más de dos años. A finales de 1970     profesores y estudiantes de la Universidad Autónoma de Nuevo León presentaron una ley orgánica que proponía un gobierno paritario. Pero el gobierno estatal para denotar su desacuerdo con esta Ley, redujo su presupuesto abruptamente, poniendo en riesgo la autonomía y sobrevivencia de esta Casa de Estudios. Como contrataque, los jóvenes estudiantes tomaron la escuela  y comenzaron una huelga, pidiendo su apoyo a dos de las universidades más importantes del país  la Universidad Nacional Autónoma de México y al Instituto Politécnico Nacional.

Como era de esperarse los jóvenes estudiantes en apoyo a la Universidad de Nuevo León, convocaron a  una marcha masiva el jueves 10 de Junio de 1971. La marcha comenzaría Casco de Santo Tomás, seguiría por la calzada México-Tacuba para llegar al Zócalo capitalino. Pero al llegar a la avenida de los maestros todas las calles se encontraban bloqueadas por granaderos y agentes policiales,  quienes impidieron el paso a los estudiantes. Más tarde los granaderos permitieron el paso a los estudiantes, pero ellos eran esperados por el  grupo paramilitar denominado los Halcones, quienes fueron entrenados por la Dirección Federal de Seguridad y la C.I.A.,  sus armas eras  varas de bambú, palos de kendo y porras, por lo que fue fácil para los estudiantes defenderse y atacarlos a golpes, por lo que en un contrataque los Halcones dispararon armas de fuego contra los estudiantes durante varios minutos, mientras la policía y granaderos sólo observaban la matanza como espectadores. Los heridos fueron llevados al hospital Rubén Leñero, pero fue un acto en vano, dado que los halcones llegaron para rematar a los estudiantes. No hay  cifras oficiales, pero se habla de más de  120 fallecidos.

Este es el México que conoció Lauro, un México donde el gobierno que se deshacía de sus problemas por medio de la fuerza bruta. Un Gobierno que mancho sus manos con la sangre de cientos de estudiantes. Un México donde levantar la voz significaba poner en riesgo tu vida.

Al despertar veinte años después de vivir en carne propia, tragedias como la del movimiento del 68 y la masacre del Corpus Christi, no es fácil para Lauro adaptarse a un México totalmente distinto al que vivió. Despertar 20 años después y darte cuenta que tu esposa está casada con alguien más, tus pequeños hijos ahora son adultos y tus amigos idealistas se han convertido en profesionistas, desembocan en una fuerte frustración e ira.

Para Lauro al principio es un México insoportable y difícil de creer. Al final, es un México aceptable, abierto y franco. Un México esperanzado en el futuro que puede que haya aprendido algo de los errores de la historia.

“PELÍCULAS MALDITAS” The Twilight Zone (1983) - Por Marco Masama -

“Hay una quinta dimensión desconocida para el hombre, tan vasta como el espacio, sin tiempo como el infinito. Es una zona intermedia entre la luz y la sombra, entre la ciencia y la superstición y en ella conviven el miedo del hombre y el alcance de su sabiduría. Podría llamársele la dimensión de la imaginación, una dimensión desconocida en donde nacen sucesos y cosas extraordinarias. Todo es posible en el reino de la mente, todo es posible en la dimensión desconocida”

“Rodman Serling”

FICHA TÉCNICA:

Titulo original: The Twilight Zone, The Movie.
Año: 1983
Duración: 102 min

País: EE.UU

Director
John Landis
Steven Spielberg
Joe Dante
George Miller

Reparto
Dan Aykroyd
Albert Brooks
Scatman Crothers
John Lithgow
Vic Morrow

Sinopsis
“Dos amigos viajan de noche en automóvil y para pasar el rato comienzan a rememorar la serie "Twilight Zone". Así, veremos cuatro historias: la de un racista que sufre en carne propia sus prejuicios; la de un grupo de ancianos que viven en una residencia y evocan su infancia; la de una maestra que durante un viaje conoce a un niño con extraños poderes, y la del pasajero de un avión, que tiene pánico a volar, y descubre a un gremlin que está posado sobre el ala del aeroplano.” (FILMAFFINITY)

 Son cuatro historias, dirigidas por cuatro directores peculiares y como no, con su reconocible leyenda negra alrededor de un lamentable accidente y sus consecuencias.

John Landis es un irregular director que tiene en su haber la historia del hombre lobo definitivo, una amistad que perduraba con otro de los directores mas encumbrados de aquella generación, Steven Spielberg, fascinado este último por llevar a la pantalla grande una serie de televisión trasmitida en los años cincuenta por la cadena NBC, se pusieron manos a la obra. Nada indicaba que podría ocurrir algún incidente dentro de la filmación ya que la cinta estaba rodeada por duchos y curtidos técnicos; pero así, ocurrió una de las mayores tragedias del cine:

“El viernes 23 de julio de 1982, durante el rodaje del episodio deJohn Landis, (Time Out) el actor Vic Morrow y los niños actores Myca Dinh Le (7 años de edad) yRenee Shin-Yi Chen —6 años de edad— murieron por culpa del accidente de un helicóptero que estaba siendo usado. Las explosiones pirotécnicas causaron la pérdida de control del aparato, que comenzó a volar muy bajo y se estrelló. Las hélices decapitaron a Morrow y a Le, Chen murió por aplastamiento. Los pasajeros del helicóptero sufrieron heridas de escasa gravedad.”

Fue una de las tragedias mas graves ocurridas dentro de un plato de cine, la amistad entre Spielberg y Landis se extinguió y convocó a un debate abierto sobre las medidas de seguridad, el trabajo infantil y la forma de filmar algunas tomas riesgosas; tuvieron que pasar casi diez años para que nuevamente se pudieran utilizar escenas con helicópteros, gracias en parte al uso del CGI. Mas allá de la controversia es uno de los episodios mas flojos de la saga, se nota que no se pudo concretar todo lo que se tenia pensado.

El segundo episodio se llama (Kick the Can) dirigido precisamente por Steven Spielberg, personalmente considero que estamos ante un “horror sensiblon” aburrido y anticlimático de la saga, un bache mayúsculo en la película y no vale mucho comentarla. 

Después tenemos otra historia que levanta un poco la calidad del producto, nos referimos a un remake del capítulo de la serie (It's a Good Life) donde un niño con unas habilidades ilimitadas al mejor estilo de un mutante nivel “Omega”, es capaz de cambiar la realidad a su antojo, aunque con una capacidad nula de socialización y comprensión del mundo, interesante trabajo el de Joe Dante.

Finalmente podemos apreciar la joya de la corona, otro remake: Pesadilla en las alturas (Nightmare at 20,000 Feet) El mejor corto de todos, de la mano de quizás uno de los mejores directores del cine: George Miller, (quien dirigiese 30 años después la secuela de Mad Max) Miller utiliza las viejas leyendas urbanas, abundantes entre aviadores en la segunda guerra mundial, donde sus naves sufrían desperfectos inexplicables, los cuales eran atribuidos a unos pequeños duendecillos llamados Critters o Gremlins. En este episodio podemos apreciar la actuación de un soberbio John Lithgow, en el papel de un paranoico viajero, aterrorizado por los aviones.

Una irregular cinta que vale la pena revisar sobre todo por los dos últimos episodios, que para nota adicional, estaban dirigidos por los directores mas noveles.

PELICULAS MALDITAS POLTERGEIST (1982) DIRECCION: Tobe Hooper - Por Rommel Vásquez Caro -

PROTAGONIZADA POR Jobeth Williams, Craig T. Nelson, Zelda Rubinstein y Heather O´Rourke.
Hablar de la trilogía de Poltergeist es hablar de cine de terror puro y en su esencia de grandeza, una producción que sobresale del cine serie b de slasher y asesinos que abundaba en los 70 y 80 para trasladar al espectador a un tranquilo vecindario de Estados Unidos donde no suelen pasar cosas muy interesantes.

Tobe Hooper ya había dirigido Masacre en Texas en los 70 asi que ya estaba acostumbrado a hacer pasar sustos en sus películas y con esta quería llevar ese concepto a un nivel más elevado. Aunque en principio solo ejercía de productor, Steven Spielberg estuvo tremendamente implicado en la película (hay quien dice que en realidad él fue el director en la sombra) y, de hecho, no llegó a encargarse de la batuta porque ese mismo año tenía el ambicioso E.T. El extraterrestre entre manos.

"YA ESTAN AQUI" es una frase famosa del film, el cual marcó una enorme influencia en otras películas de terror. Existen mucho films de la época con un corte parecido, desde IT hasta CHUCKY, que marcaron la era de muñecoxploitation!! :D ! Es cierto que, vista con los ojos de hoy en día, Poltergeist puede parecer algo risible incluso, pero a comienzos de los 80 la audiencia no estaba tan preparada para eso de los fenómenos paranormales. Lo usual era que las pelis hablaran de marcianos o asesinos en serie para dar miedo, pero eso de usar una casa común como la de cualquiera y elementos cotdianos para causar el terror y sobre todo los de los espiritus que invaden el hogar. era un tema poco usado en esa época. 

 

Tanto a sido su exito para causar terror que se ha convertido en si misma en una leyenda urbana, con historias que indican que la trilogía esta maldita a partir del primer film de 1982 donde varios actores aseguraron que el director aprobó el uso de cadáveres reales para la escena del cementerio indio dando como resultado una maldición que se extendió a varios actores del reparto, y lo hicieron porque eran más baratos de conseguir que unos esqueletos de plástico! La primera muerte que se llevó esta "maldición de la trilogía" fué en 1982 cuando la actriz que hiciera de "hermana mayor", Dominique Dunn, fuera estrangulada por su ex novio en ese mismo.

Bueno..murió la jovén actriz de la película...Esa fué la primera de las muertes adjudicadas a esta maldición de otras tres que se darían posteriormente en las secuelas y de las que hablaré próximamente. Chau!

 

"PELÍCULAS MALDITAS" “VIDAS REBELDES” DE JOHN HUSTON (1961) - Por Frank Binueza -

“The Mistfits / Vidas Rebeldes” es un drama de 1961, dirigido por John Huston, y protagonizado por Marilyn Monroe, Clark Gable, Montgomery Clift y Elli Walch. Está basado en un relato y guión de Arthur Miller, quien lo había escrito para su esposa Marilyn Monroe.

Roslyn (Marilyn Monroe), es una mujer atractiva que acaba de llegar a Reno luego de divorciarse, en su estadía conoce a dos amigos, Guido (Eli Wallach) y Gay (Clark Gable), con los que pasa unos días en la casa de Guido en el campo. Pronto ambos hombres se enamoran de ella y, compitiendo por Roslyn, muestran los rasgos negativos de sus personalidades. Después de unos días aparece otro amigo, Perce (Montgomery Clift), que es quien llega a gustar a Roslyn. Los cuatros se van a cazar caballos salvajes con el propósito de negociar con ellos, pero poco a poco la situación se vuelve insostenible…

La película fue un caos de principio a fin, aunque era el género acostumbrado de John Huston y la historia de un grupo de perdedores en busca de una segunda oportunidad, era un éxito asegurado; lo cierto es que las incidencias en el rodaje como las muertes al término de este le dieron un aire de maldita. En primer lugar, fue la última película de Clark Gable y Marilyn Monroe, también fue uno de los últimos trabajos de Montgomery Clift. La locaciones elegidas, al norte de Nevada en donde se alcanzaron temperaturas de más de 40 grados hicieron muy difícil la filmación, pero fueron los vicios de los protagonistas y el directo, y en especial el proceso de divorcio bastante adelantado entre el escritor y guionista Arthur Miller y la protagonista Marilyn Monroe, lo que generó mas tensiones durante las grabaciones.

La película que tuvo un éxito moderado durante su estreno, pero años más tarde logró cierto reconocimiento, en especial por la arriesgada propuesta a la hora de mostrar en la gran pantalla un drama crudo a través de unos personajes inadaptados, fracasados, y condenados a la mediocridad.
Otro final tuvieron sus protagonistas; a los pocos días de terminar el rodaje, Clark Gable murió de un ataque cardíaco, según rumores el excesivo esfuerzo físico del actor en la película, precipitó su muerte, se dice que tuvo que perder 20 kilos para el rodaje; su mujer declaró que había muerto por las eternas esperas que Marilyn sometía a sus compañeros de trabajo. Para Marilyn Monroe sería solo otro escalón en su espiral autodestructiva, su sonado divorcio y la evidente depresión la habían orillado a los vicios, muriendo un año después, en un confuso incidente con barbitúricos, según la versión oficial. Montgomery Clift por el contrario todavía participó en grandes producciones como “Judgment at Nuremberg” de 1961 y “Freud” de 1962, moriría a la edad de 45 años debido a complicaciones por su abuso del alcohol y las drogas, según la leyenda, la noche en la que murió en un canal de televisión estaban transmitiendo “The Misfits”, y su asistente le preguntó si la quería ver, a lo cual Clift contesto con un rotundo: “No, en absoluto”; paradójicamente, las últimas palabras que pronunció.

 “Vidas Rebeldes” es una película que consigue relacionar, de una forma inesperada y profética, los sucesos del argumento con unos actores que parecían estar también al borde del abismo, siendo el origen de su maldición…

PELICULAS MALDITAS "REGRESO A BABILONIA" 2013 - Por Agador Spartacus -

PELICULA EN BLANCO Y NEGRO DEL AÑO 2013 DIRIGIDA POR ALEX MONTY.

Filmada como homenaje al cine mudo (de ahi el nombre) la idea para esta cinta se dice, surgio de unos rollos encontrados por el director en California. Eran piezas de una pelicula que parecian pertenecer a los años veinte, Monty quiso retratar los excesos de aquella decada creando una cinta y rellenandola con fragmentos de aquellos filmes de origen desconocido. Jamas imagino el resultado de su idea.

Contaba con caras muy conocidas de Hollywood, entre ellas Jennifer Tilly (Bride of Chucky) o Maria Conchita Alonso (Predator 2) mismas que junto a otros miembros del cast aseguraron sentirse muy incomodos durante el rodaje. Tilly aseguro en mas de una ocasion sentir como unas manos pasaban por su cuerpo de manera sobrenatural.

Esta cinta jamas llego a estrenarse sin embargo gracias a fotografias de los negativos podemos observar como los rostros y cuerpos de los personajes se deforman de maneras imposibles y sin ninguna explicacion logica.Yo conocí sobre esta película gracias a El Diario de Dross, no obstante no estoy seguro de si me atrevería a verla. espero sus comentarios.

"ÓPERAS PRIMAS" "MY LEFT FOOT/ MI PIE IZQUIERDO" DE JIM SHERIDAN 1989. Por Jonathan A. Rodríguez

My Left Foot: The Story of Christy Brown es Un filme dirigido por Jim Sheridan que cuenta una historia real basada en la autobiografía de Christy Brown (Daniel Day-Lewis) un artista que nacería con parálisis cerebral, proveniente de una familia irlandesa católica devota de clase baja, pero esto no le quitara sus ganas de salir adelante, aún enfrentándose a grandes adversidades en la vida, dado que debido a su problema solo puede usar su pie izquierdo correctamente para hacer más de una cosa en su vida cotidiana. Una gran película de motivación y superación personal. 

Dublín año 1932 es donde la historia tiene su comienzo, desde el nacimiento de Christy Browny, y poniendo en escena a su padre consternado y renuente dado la condición en que había sido diagnosticado su hijo, cabe hacer mención que la historia es contada de manera retrospectiva, (utilizando el uso del flashback), haciendo que el mismo Browny narrará los eventos y acontecimientos ocurridos en su vida. La película trata de mostrar algo realmente serio como lo es la integración de los discapacitados a la vida diaria y la realidad social/familiar a la que se enfrentan diariamente, poniéndonos desde un principio a una madre amorosa y comprensible que siempre creería en su hijo y lo apoyaría pasara lo que pasará. Una cinta que hace énfasis en las metas, en la vida y la superación personal, que una familia comprensiva siempre estará por encima de cualquier adversidad.

La historia también nos da momentos "livianos" por decirlo de alguna manera, en donde se nos muestra a un Christy Browny alegre conviviendo con sus hermanos y amigos en los barrios de Dublín así como haciendo un intento por siempre tratar de hacerlo muy bien en cualquier actividad/juego que estuviera involucrado, cabe señalar que tomando en cuenta todo esto se nos está contando en todo momento un hecho autobiográfico (verídico) que nos muestra la madurez y el aprendizaje del personaje a lo largo del filme contándonos como si de un chico normal se tratara: anécdotas, amores, decepciones, victorias.

My Left Foot es de principio a fin una película verdaderamente conmovedora que nos pone a un Daniel Day-Lewis realmente magistral, en una interpretación muy bien trabajada en aspectos generales ya que en todo momento logra transmitir las sensaciones de estar con tal discapacidad.,la manera de hablar, los gestos, la forma de expresarse, hasta moverse, hacen que haya sido digno merecedor de su estatuilla Oscar a mejor actor principal (1989), una interpretación fascinante que pondría a prueba su versatilidad. Aunque añadiría que en general todos los personajes de la película realmente cumplen con su papel de manera sobresaliente, una madre convincente y comprensiva (Brenda Fricker), una padre aquejado e idealista (Ray McAnally). Por mencionar algunos. En general todos cumplen con su objetivo.

La dirección de Sheridan es muy buena, recalcando que en varios momentos de la trama había espacios reducidos para filmar y que aún así se hacía que siempre las tomas y enfoques fueran muy bien llevados y de manera natural, también haciendo hincapié a la manera de expresarse principalmente de los miembros de la familia, pero con mayor realce un efusivo y elocuente Daniel Day-Lewis. Que como dato curioso preparándose para este papel, debería trasladarse en silla de ruedas la mayor parte del tiempo y para esto necesitaba ser trasladado y alimentado, sumado a esto en la posición inmóvil que estaba y con postura poco ortodoxa terminaría con 3 costillas rotas..

La película estuvo nominada en 5 categorías mejor actor principal (Daniel Day-Lewis), mejor actriz secundaria (Brenda Fricker), mejor película, director y guión adaptado, de las cuales se llevaría las primeras 2.

Para finalizar y en palabras de Jim Sheridan:

"Hacer esta película fue muy difícil porque todo el mundo decía ‘vas a hacer una película sobre una discapacidad’ y que eso nunca iba a funcionar en Hollywood”, recordó el director nacido en 1949. Otro detalle que los presentes quisieron conocer fue el trabajo de dirigir a Daniel Day-Lewis. Una anécdota que compartió fue que cuando iniciaron el trabajo de preparación del personaje, se reunió con Lewis, quien se puso a practicar el realizar una pintura con su pie izquierdo y que tras 15 minutos se acalambró. Tuvo que intentarlo por horas".

Jim Sheridan nos da una cátedra de buen cine, que aún destacando un bajo presupuesto sabría llevar esta cinta autobiográfica por el camino correcto, la película trata siempre de dar un mensaje claro y cautivante dando a entender que en cualquier momento que se esté pasando tratar de dar lo mejor de uno mismo.

“LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO" DE OLIVER PARKER 2002. Por Frank Binueza

 

“The Importance of Being Earnest /La Importancia de Llamarse Ernesto” es una comedia británica de 2002, dirigida por Oliver Parker, y protagonizada por Colin Firth, Rupert Everett, Reese Whiterspoon, Frances O’Connor y Judi Dench. Está basada en la obra teatral homónima escrita por Oscar Wilde.

Jack Worthing (Colin Firth) tiene una vida ejemplar y respetable en el campo junto a su protegida Cecily (Reese Witherspoon), pero todos los fines de semana se va a Londres donde se hace pasar por su imaginario hermano “Earnest”, que gusta de la vida disoluta y extravagante junto a su amigo Algy (Rupert Everett). Pero cuando “Earnest /Jack” decide declararse a la prima de Algy, Gwendolen Fairfax (Frances O’Connor), su madre, la temible Lady Bracknell (Judi Dench), que tiene otros planes para su hija, descubre la verdad sobre el origen social de Jack, y se opone a la boda. Aprovechándose de la situación, Algy decide visitar la casa de su amigo haciéndose pasar como su hermano “Earnest”, lo cual será el inicio de una serie de divertidos malentendidos e inesperados descubrimientos…

"ÓPERAS PRIMAS" "PATHER PANCHALI" DE SATYAJIT RAY 1955. Por Paul Torres

 Primera parte de la trilogía de Apu, narra principalmente la vida en la India en los años 1920, para esto el director 'Satyajit Ray' nos pone en escena a una familia de pocos recursos económicos, con un padre de familia que es sacerdote seglar, curandero e intenta ser un buen poeta, pero que no puede dar sustento suficiente a sus hijos, la madre quién es la encargada de cuidar a los niños y a su cuñada que es de avanzada edad y gusta de ser muy independiente pero con un espíritu ejemplar. A todo esto se le sumaría la llegada de un nuevo integrante de la familia (Apu)

 

Pather Panchali a mi parecer no es una película en sí, es más una historia de vida en la que se narra y se plantea una crónica de una familia de escasos recursos, el film personalmente lo sentí tan realista y llegador como al nivel de cualquiera obra del neorrealismo italiano, pareciera por algún momento que el director (Satyajit Ray) puso un set de filmación delante de una familia "Bengalí" y que dejó filmando escenas de la vida cotidiana en esos tiempos difíciles en la mayor parte de la India, ya que en ningún momento se llega a sentir una sensación de superficialidad en el filme, en resumen el cineasta logra un rodaje sumamente natural y esto ya es mucho decir ya que sería apenas su primer trabajo en su carrera como cineasta. 

 

Una película que tiene como principal protagonista a la vida, tal y como algunos críticos destacados en su momento indicaron, que como bien se mencionaba anteriormente tiene similitudes con el neorrealismo italiano y más en sí, si nos enfocamos a una integrante de la familia, 'Chunibala Devi' (Indir Thakrun), con un film de Vittorio de Sica 'Umberto D." Gran cinta que tiene similitudes con la anciana de la familia bengalí, ya que también busca un sustento difícil aunque por otras circunstancias en el caso del italiano por las diversas instituciones de la época, aquí por la imposibilidad de ser atendida por las complicaciones de la época. 

 

Akira Kurosawa sobre Pather Panchali: No puedo nunca olvidarme del entusiasmo [que sentía] en la cabeza después de haberlo visto. Es el tipo de cine que fluye con la serenidad y nobilidad de un gran río".

Ciertamente este filme tiende a ser diferente empezando por uso de simbolismos y esto aunado aun emocionalismo poco 'convencional', muy a la visión de la época y del país, pero muy bien llevado. Un film que definitivamente vale la pena ver.

"OPERAS PRIMAS" SAM RAIMI Y LA PELÍCULA QUE HIZO TRES VECES!!! - Por Rommel Vásquez Caro -

Pues si queridos lectores, Sam Raimi se inició en el mundo del cine como lo hacen las mayoría de los directores de finales de los 70 y principios de los 80: haciendo películas de terror serie b!

Asi comenzó de igual manera otro de mis directores favoritos como lo es Peter Jackson y sus películas más emblemáticas que van desde su primer film "Bad Taste" o su siguiente película "Brain Dead" la trilogía de "El señor de los Anillos" ...pero de eso se hablará luego en otra reseña jejeje. 

Sam Raimi hizo su primr trabajo fílmico en 1978 con un cortometraje que casi llega a ser largometraje ya que su duración ronda la media hora, unos 15 minutos más y hubiese sido su primer film, me refiero a "WITHIN THE WOODS" el cual muchos consideran la precuela de EVIL DEAD" pero realmente es la misma película pero con menos presupuesto.

La trama es exactamente la misma, 4 muchachos se meten en una cabaña a pasar la noche y del bosque salen entes y seres invisibles demoniacos que se apoderan de algunos para que maten a otros de formas horribles. Todo el cambio está en que sus actores se intercambian los papeles. Recuerdan en EVIL DEAD 1 la primera chica que se transforma en Monstruo? la que encierran en el sotano durante casi toda la película? pues ella es la protagonista de WITHING THE WOODS, y Bruce Campbell es quien se transforma y la persigue por toda la casa.

Luego de este corto y con un poco más de presupuesto que hace Sam Raimi? en el año de 1982 hace EVIL DEAD, y de que trata? de unos muchachos que pasan la noche en una cabaña en el bosque y por accidente uno de ellos lee el libro del Necromicon que está en el sotano de la cabaña y despierta los espiritus malignos que están en el bosque......la misma película pero con más recursos! ahora usa horribles cucarachas gigantes y puré de papas que salen de las carnes golpeadas de las víctimas de formas extremadamente grotescas y exageradas, mutilaciones, desmenbramientos totales, y gore extremo están a la orden del día en esta película! la pantalla literalmente de llena de sangre.

Todo un exito para el director en su opera prima, logra un buen ingreso, varias productoras se interesan en su film y su propuesta comercial, una de ellas le financia su segundo proyecto...pero que haría Sam Raimi? la misma película pero con más presupuesto!!! jajajaja, claro aquí es menos obvio y comienza su película haciendo un resumen de la primera parte (con varios actores cambiados) y empiezan con Ash solo en la cabaña luchando contra los espectros que lo atormentan tratando de llevarlo a la locura, pero luego llegan nuevos muchachos a la cabaña y saz!! de nuevo vuelve a ser todo como la misma película anterior. 

En esta ocasión estaba supervisado y sobre todo autocensurado en muchas de las escenas de la película, donde tenía que decidir si cortar la escena completa o cambiarle el color a la sangre para que el impacto no fuera tanto, es muy divertido hoy en día ver una escena de EVIL DEAD 2 donde la sangre es rosada, o verde!! 

Y bueno, ya con Army of Darness que es la tercera película que compone su trilogía ofical, si es radicalmente distinta en cuanto a Guión, personaje, Actores, recursos, incluso poco a poco dejó de ser un film de Terror/Gore para pasar a ser una película de Aventuras/Comedia (pero con gore)

DATOS CURIOSOS

- Sam Raimi tiene un actor "Fetiche" y amigo desde la universidad Bruce Campbell, incluso en la trilogía de Spiderman hace cameos en tods ellas interpretando distintos papeles, incluso se decía que en la cuarta cancelada película de Spiderman, Sam Raimi pensaba convertir a Bruce Cambell en el villano "MISTERIO"

- A parte de Bruce Campbell, Sam Raimi tiene otro recurso fetiche: Un auto que normalmente es amarillo con blanco, saben que marca es el Auto? :D lo cierto es que si no está presente en TODAS sus películas, al menos en su mayoría está presente el mismo auto. En "Evil Dead 1" llegan a la cabaña en ese auto, en "Evil Dead 2" aparece siendo arrastrado por el vortex, en Evil Dead 3 aparece al principio cayendo de una gran altura, en el film "A SIMPLE PLAN" está presente el auto en toda la película; en SPIDERMAN es el auto del TIo Ben...no sé si también aparece en DARKMAN o en las siguientes películas de Spiderman,

- Creo que es una de la películas que más veces he visto en mi vida, junto con el corto de WITHING THE WOODS, creo que lo he visto como 15 veces, (Hoy lo volví a ver) y dejo completo el cortometraje de 1978 en el primer comentario para que lo disfruten si aún no han tenido el placer de disfrutarlo!!

- Además de haber realizado practicamente la misma película 3 veces seguidas, se suma el remake que se realizó hace un par de años de EVIL DEAD, donde Sam Raimi colaboró bastante, asi que se puede disfrutar de la saga "EVIL DEAD" de 4 formas distintas jejejeje.

y listo! hasta aquí lo dejo!! nos vemos por aquí y saludos desde RESEÑAS CINEFILAS!

"ADAPTACIONES LITERARIAS" : “SOBRE EL GLOBO PLATEADO” DE ANDRZEJ ZULAWSKI (1988). - Por Frank Binueza -

“Na Srebrnym Globie / Sobre el Globo Plateado” es una película polaca de ciencia ficción estrenada en 1988, y dirigida por Andrzej Zulawski. Está basada en la novela homónima del escritor polaco Jerzy Zulawski, escrita a principios del 1900, como parte de la “Trilogía Lunar”, el autor es tío abuelo del director de la película. Apoyado en espectaculares escenarios naturales y con mínimos efectos especiales, Zulawski reflexiona sobre la naturaleza humana a través de un relato poético lleno de simbolismos sobre cuestiones filosóficas, místicas y religiosas; y la imposibilidad de crear un mundo nuevo; el ser humano nunca cambiará, como si dicha maldición fuera intrínseca a su naturaleza.

Una expedición de astronautas aterriza en un planeta muy parecido a la Tierra, sin embargo un accidente los obliga a quedarse en este sitio desconocido iniciando una nueva civilización, muchos años después, el único astronauta sobreviviente, Jerzy, observa el crecimiento de una nueva sociedad, cuya religión se basa en los cuentos míticos de la expedición de la Tierra. El viejo es considerado un semi-Dios, pero los hijos de los astronautas repiten los errores de sus ancestros declarando guerras, derrocando religiones y anhelando un Mesías. El viejo Jerzy, antes de morir manda un video de vuelta a la Tierra sobre el destino de la misión. Un investigador  llamado Marek, recibe el video, y decide embarcarse en la búsqueda de esa nueva civilización, sin embargo al llegar al planeta es recibido como un Mesías, destinado a salvar al pueblo de los Szerns, los ocupantes originales del planeta.

Tras abandonar su natal Polonia para evitar la censura del gobierno, Andrzej Zulawski en su exilio en Francia es invitado por el gobierno polaco para producir un proyecto de su elección. Zulawski decide homenajear a su tío-abuelo y su fantástica obra, adaptando la novela a guion, e iniciando las grabaciones en 1975 en varios locaciones naturales de Polonia, Georgia, Ucrania y Mongolia. Apenas utilizando filtros azules para las grabaciones, Zulawski nos introduce  en un mundo donde la antigüedad, el ciber-punk y las potencias naturales conviven bajo el mismo signo creativo: el ser humano buscando respuestas, intentando alcanzar la felicidad culminante. 

Sin embargo la cinta fue prohibida por el gobierno, asegurando que era un atentado contra el régimen socialista en Polonia, desencadenando una persecución en contra del cineasta y la destrucción del film. Algunas secuencias se perdieron irremediablemente, y fueron sustituidas con imágenes aleatorias y una narración de los hechos, que dotó a la película de un halo surrealista que abonó en su rústica majestuosidad.

Temas como el ansía de la humanidad en encontrar otros mundos antes de cuidar el propio, la filosofía encarnizada y el existencialismo exaltado, una velada crítica a los valores occidentales, la obsolescencia de la tecnología para alcanzar la felicidad, el trágico destino de los seres humanos, la guerra, el fanatismo religioso, los mismos valores condenados a repetirse una y otra vez a lo largo del tiempo, así en la Tierra como otros mundos, es el común denominador de esta pesimista y a la vez excitante película, llena de diálogos mordaces e imágenes provocadoras, Zulawski utiliza la ciencia ficción como medio para dar una crítica a la humanidad y sus vicios, en medio de una realidad política que lo superaba con creces.