BASADO EN HECHOS REALES: DARKEST HOUR (2017) De JOE WRIGHT. Por Doug Valverde

FICHA TECNICA:

País: Reino Unido

Reparto: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lilly James. Stephen Dillane, Ben Mendelson, Ronald Pickup.

Género: Cine Biografico, Belico, Basado en Hechos Reales.

Dirección: Joe Wright

Guión: Anthony McCarten

SINOPSIS:

Durante la segunda guerra mundial, la cámara de Inglaterra necesita un líder que dirija el país de manera fuerte en esta etapa funesta de su historia, por lo que se ha decidido que el actual primer ministro británico, Neville Chamberlain (Ronald Pickup), no es apto para tomar las riendas del Reino Unido en tiempos de guerra, y en su lugar es nombrado Winston Churchill (Gary Oldman) en el cargo, puesto que es reconocido su postura ante la amenaza que Adolf Hitler venia representando, Churchill se ve en una encrucijada cuando el ejercito británico se ve orillado en Dunquerque y la presión por negociar la paz con la Alemania nazi para evitar una catástrofe para Inglaterra, lo cual significaría hacerse de la vista gorda dándole la espalda a los acontecimientos y al mundo.

EL ORGULLO BRITANICO

Este Biopic tiene el objetivo de presentarnos en todo su esplendor el temple de este iconico personaje de la política inglesa que es Winston Churchill, exaltando el orgullo patriótico de los británicos, donde surge la curiosa coincidencia historica de que este guión de Anthony McCarthen (tambien guionista de "La Teoría del Todo") terminado en 2015 se cruz con el proceso de la separación del Reino Unido de la Unión Europea Celebrado en el año 2016, un conficto que no es nuevo, pero vino tomando fuerza hasta desembocar en este hecho, y que mas emblemático para los patriotas de este país que recalcarlo a los países de la unión europea dando cierto mensaje de que su terquedad ha logrado hechos definitorios en la historia aunque representara negar la paz ante algo que se veía mayor que su pueblo.

UNA PELÍCULA DE LA ORATORIA Y ANTE TODO POLÍTICA

Si esperas entretenimiento esta no es una película que te vaya a gustar mucho, si buscas mucho drama tampoco, ya con esta advertencia procedo a explicarte que este es un film que ademas de la posibilidad del hecho expuesto en el párrafo anterior, se enfoca mas en las habilidades de administrar la información del personaje principal, quien supo siempre en que posición poner al pueblo, ya sea para excitar su colaboración, mantener su seguridad, su fe, sus ideales, y lograr la colaboración de los ciudadanos a su vision personal de lo que estaba sucediendo en la guerra ante Hitler, manteniendo una postura de victoria de modo que la confianza de los ingleses fuera determinante en hechos como el milagro de Dunquerque, lo cual no habria sido posible de no haberse comunicado de la manera correcta, evento que obviamente fue riesgoso, pero que sin la esperanza en la mente de los participantes plantada por el discurso propicio de Churchill habria congelado al actuar de los ciudadanos propiciando una histeria publica e inestabilidad social y por ende politica.

LA PELICULA DE OLDMAN

Toda la critica y los expectadores reconocemos el talento de Sir Gary Oldman donde no pudo haber mejor opción para representar al genio de Churchill con la excelencia de este camaleón de la actuación, quien desde el inicio del proceso de producción pidio que Kazujiro Tsuji quien ha trabajado en maquillaje prostetico en peliculas como "Hombres de Negro", "Hellboy", o "El Cusioso Caso de Benjamin Button", se encargara de transformarlo fisicamente en el primer ministro britanico, ya que la comodidad del maquillaje tanto como la apariencia fisica empodera mucho al actor al momento de interpretar un personaje. Es de mas decir que el personaje de Winston Churchill posee muchos recursos de donde actores como John Lightgow en "The Crown" y el mismo Oldman en la pelicula en cuestion supieron aprovechar para dar unas interpretaciones sobresalientes y hacerse cuanto premio se le pusiera en frente, sin contar la demanda que el mismo pueblo britanico le haria a Oldman al representar a un personaje tan importante de su historia, el cual por su innegable habilidad de captar la atención ya fuera por su palabra como con su poderosa terquedad, hizo posible en gran parte que la segunda guerra mundial fuera ganada tal como la conocemos, ya que Reino Unido fue el unico pais que siempre se mantuvo en lucha durante toda la guerra y si te interesa conocer el trasfondo politico e historico de este trascendental suceso Darkest Hour representa una cinta muy interesante de ver y analizar.

“The Lady in the Van” de Nicholas Hytner (2015) - Por Frank Binueza

Un buen día la señorita Shepherd (Maggie Smith), una mujer indigente de avanzada edad y de orígenes inciertos, aparca su furgoneta en una acera de Londres, en el acceso a la casa del escritor Alan Bennett (Alex Jennings). Lo que al principio iba a ser algo temporal, un favor a regañadientes, se acaba convirtiendo en una relación que cambiará las vidas de ambos. Y es que la señorita Shepherd se quedó a vivir allí durante 15 años...

“La bondad, o lo que a menudo se considera como tal, es la más egoísta de las virtudes; nueve de cada diez veces es un mero temperamento indolente. Falta de disposición”. William Hazzlit.

El mismo Alan Bennett es sus intensas pláticas consigo mismo, utiliza esta frase al recriminarse por no encontrar una razón verdadera para permitir que la autodenominada “Srita. Shepherd”, utilice el acceso de su casa como improvisada residencia. ¿Es caridad? ¿Lástima? O son los paralelismos que Bennett encuentra entre la mujer vagabunda y su propia madre, los que promueven esta situación en la que se encuentra profundamente incómodo, pero de la que no puede librarse tan fácilmente como cree.

Para Bennett la llegada en 1960, de una desvencijada camioneta en su calle al norte de Londres, introducirá en su vida a la excéntrica señorita “Mary Shepherd”, una anciana quién decía haber manejado ambulancias durante la guerra y también haber sido monja, pero envuelta en un halo de misterio, aparentemente con gran educación, amén de su fluido francés y habilidad para el piano, pero de carácter difícil, o tal como la describiría Bennett: “fanática religiosa, ciega, malhumorada, tortuosa, implacable, egoísta, grosera y enojada”. Sin embargo tras varios altercados con vecinos y autoridades, Bennett permitió que la mujer viviera con su furgoneta parqueada en la entrada de su casa por un lapso de casi 15 años, tiempo durante el cual se desarrolló una tensa amistad entre ambos, aunque poco o nada supo de la vida de la peculiar mujer hasta su fallecimiento. 

El autor, acostumbrado a escribir sobre las experiencias de su propia madre, no dudó en cierto momento escribir sobre la inesperada inquilina de su patio. Contando la historia verdadera (o por lo menos en su mayoría verdadera, como diría su lado de escritor), Bennett escribió un ensayo, una novela, una obra teatral y un especial para la radio, con Alan Bennett interpretándose a sí mismo, acompañado de Maggie Smith quien además ya había participado en la obra teatral.

¿Qué es la bondad? O ¿Quién fue la dama en la furgoneta?, no serán preguntas que la película trate de contestar, ya que no es la intención del autor, más bien pone en evidencia de forma satírica a la hipócrita sociedad (él incluido), quienes tratan de “ayudar” a los desvalidos como forma de sentirse bien con ellos mismos. La película mezcla de drama y comedia, muestra sin tapujos la visión de Bennett sobre la “Srita. Shepherd”, una mujer ingrata y malhumorada, con el carácter de un niño con grandes aspiraciones, sucia y sin maquillaje, papel que solamente Maggie Smith podría interpretar, capaz de causar a la vez repulsión y misericordia a la vez, con un cierto toque de “nobleza vagabunda”, que sin embargo no nos prepara para su doloroso final, algo que todos los que hemos estado en contacto con personas mayores hemos visto, el agudo ocaso de la vida.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “The Lady in the Van” (2015)

Director: Nicholas Hytner

Guion: Alan Bennett basado en su obra teatral.

Reparto: Maggie Smith,  Alex Jennings,  Jim Broadbent,  Dominic Cooper,  James Corden, Frances de la Tour,  Samuel Anderson,  Gwen Taylor,  Rosalind Knight,  George Taylor.

País: Reino Unido

Géneros: Drama, Comedia, Basado en Hechos Reales

ENTREVISTA DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ A AKIRA KUROSAWA.

MÁRQUEZ: ¿Ha seguido este método intuitivo cuando ha adaptado a Shakespeare, Gorki o Dostoievski?

KUROSAWA: Algunos directores creen que no existen grandes dificultades en transformar unas imágenes literarias en imágenes cinematográficas. Le pondré un ejemplo, al adaptar una novela de detectives en la que encuentran un cadáver en las vías del tren, un joven director insistía en que el lugar preciso del asesinato coincidía a la perfección con la descripción del libro. “Se equivoca –le dije–, el problema es que usted ha leído el libro, no hay nada especial en este lugar”. El joven director estaba cautivado por la magia de la novela sin percatarse de que las imágenes cinematográficas deben ser expresadas de modo diferente.

MÁRQUEZ: ¿Puede usted recordar alguna imagen de la vida real que considere que sea imposible de realizar en una película?

KUROSAWA: Sí. La de una ciudad minera llamada Ilidachi en la que trabajé como ayudante de dirección cuando era muy joven. El director había declarado, con un simple vistazo, que la atmósfera era magnífica, extraña, y que esa era la razón por la que deberíamos rodar allí. Las imágenes mostraban solamente una ruinosa ciudad minera, pero faltaba algo que nosotros conocíamos: las condiciones de trabajo eran peligrosas y las mujeres y los niños de los mineros vivían atemorizados por su inseguridad. Cuando se mira al pueblo, se confunde el paisaje con ese sentimiento y lo que se percibe es lo extraño que resulta en realidad. Pero la cámara no lo ve con los mismos ojos.

MÁRQUEZ: La verdad es que conozco muy pocos novelistas que estén satisfechos con las adaptaciones de sus libros al cine. ¿Qué experiencia tiene con sus adaptaciones?

KUROSAWA: Permítame, primero, una pregunta, ¿ha visto mi película Barbarroja?

MÁRQUEZ: La he visto seis veces en los últimos veinte años y les hablé a mis hijos de ella, casi diariamente, hasta que la pudieron ver. No solamente es la que, de todas sus películas, más nos ha gustado a mi familia y a mí, sino, también, una de mis favoritas de toda la historia del cine.

KUROSAWA: Barbarroja constituye un punto de referencia en mi evolución. Todas las películas que la preceden son diferentes. Fue el final de una etapa y el comienzo de otra.

MÁRQUEZ: Esto es obvio. Además, hay dos escenas que tienen íntima relación con la totalidad de su trabajo y que son inolvidables: una es la de la mantis religiosa y la otra, la lucha de kárate en el patio del hospital.

KUROSAWA: Sí, pero lo que quería decirle es que el autor, Shuguro Yamamoto, siempre se había opuesto a que sus novelas fueran trasladadas al cine. Hizo una excepción con Barbarroja porque insití sin piedad, obstinadamente, hasta que accedió. Cuando terminó de ver la película, se volvió, me miró y me dijo: “Bien, es más interesante que mi novela”.

MÁRQUEZ: ¿Por qué le gustó tanto?

KUROSAWA: Porque él tenía una clara conciencia de las particularidades inherentes al cine. Lo único que me pidó fue que tuviera cuidado con la protagonista, una mujer completamente fracasada, tal como la percibió él. Lo curioso es que esa imagen de una mujer fracasada no está explícita en la novela.

MÁRQUEZ: Quizás creía que lo estaba. Algo que frecuentemente nos ocurre a nosotros, los novelistas.

KUROSAWA: Así es. Viendo alguna de las películas basadas en sus libros, algún escritor ha dicho: “Esa parte de mi novela está bien hecha”. Y se referían a algo añadido por el director. Comprendo que lo decían porque veían con claridad, expresado en la pantalla por la aguda intuición del director, algo que ellos querían haber escrito, pero que no había sido capaces de hacer.

Entrevista de Gabriel García Márquez a Akira Kurosawa,1991.

“The Miracle Worker / El Milagro de Anne Sullivan” de Arthur Penn (1962) - Por Frank Binueza

La joven Helen Keller (Patty Duke), ciega y sorda desde su infancia debido a un caso grave de escarlatina, se siente frustrada por su incapacidad para comunicarse y, como resultado, sufre frecuentes estallidos violentos e incontrolables. Incapaz de tratar con ella, sus padres se ponen en contacto con la Escuela Perkins para Ciegos en busca de ayuda. En respuesta, envían a Anne Sullivan (Anne Bancroft ), una ex alumna, a la casa de Keller para que la asista. Lo que sigue es una batalla de voluntades cuando Anne rompe los muros de silencio y oscuridad de Helen a través de la persistencia, el amor y la terquedad.

UN DURO RETRATO DE SUPERACIÓN

La historia de Helen Keller es considerada como uno de los mayores ejemplos de superación de los últimos tiempos, completamente aislada del mundo, Helen vivía confinada en una burbuja de oscuridad y rabia. Hasta la llegada de Anne Sullivan, la única forma de comunicación con sus padres y las personas que la rodeaban eran una serie de señas, que de manera precaria servían para mostrar sus necesidades más básicas.

A pesar de que fácilmente una película sobre la inspiradora vida de Helen Keller, podría caer en los clásicos sentimentalismos de las películas biográficas, Arthur Penn utiliza un enfoque crudo y directo de la situación. Basada en la obra teatral homónima, escrita por William Gibson, que originalmente había sido presentada en 1957, como parte de la serie antológica de televisión “Playhouse 90”, la película retrata la compleja relación entre Helen Keller y su institutriz Anne Sullivan, retomada de la autobiografía de Helen Keller de 1902, “The Story of My Life”.

La película muestra varios de los obstáculos a los que se tuvo que enfrentar Anne Sullivan para penetrar en el oscuro mundo de Helen. Por un lado la incompetencia y negligencia de la familia Keller, que convirtieron a Helen en una niña mimada, incapaz de someterse a ninguna disciplina, y con la que todo tipo de acercamiento parece imposible, y por otro los demonios internos de Anne Sullivan, casi ciega de nacimiento, y con un grave complejo de culpa, por la muerte de su hermano. Esto moverá a Anne Sullivan a redimirse mediante la educación de la niña, con mucha terquedad y rigor.

Fiel a sus orígenes teatrales, la puesta en escena está llena de grandes momentos de tensión, exceso de fuerza física y ningún atisbo de compasión, es así que por sobre cualquiera de las escenas destaca la larga y violenta escena del comedor, en donde las protagonista, se envuelven en una dura pelea con la finalidad de enseñar disciplina a la malcriada niña. Un drama marcado por la fría intensidad de situaciones y gestos auténticos, en donde no queda ningún rastro del cómodo sentimentalismo de otras producciones de la época.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “The Miracle Worker / El Milagro de Anne Sullivan” (1962)

Director: Arthur Penn

Guion: William Gibson

Reparto: Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson, Victor Jory, Jack Hollander

País: Estados Unidos

Géneros: Drama, Biográfica, Basado en Hechos Reales

"Siempre a Tu Lado / Hachiko" de Lasse Hallström (2009) - Por Verushka Hueck .

Estrenada en 2009 y protagonizada por Richard Gere, Hachiko es un emotivo remake de la cinta original japonesa de 1987 dirigida por Seijiro Koyama, la cual narraba la historia real de un profesor universitario y su fiel perro de raza akita, quien acostumbraba esperar a su amo todas las tardes en la entrada de la estación del tren, incluso tras su fallecimiento. 

En esta readaptación, se nos cuenta esta clásica historia desde una perspectiva occidental, pero sin perder la esencia y manteniendo el respeto por el filme original. Dirigida por Lasse Hallström y producida por el propio Richard Gere, Hachiko nos presenta al profesor Parker Wilson (Gere), quien un buen día se encuentra en la estación de ferrocarriles a un perro vagando por la zona. Cautivado por el aspecto peculiar del animal, Wilson decide llevarlo a casa, donde tras convencer a su familia de mantenerlo luego de que nadie lo fuese a reclamar, comienza a investigar sobre su raza y origen.

Con el pasar de los años, la amistad entre el can y el profesor Wilson se afianza cada vez más, incluso al punto de que Hachiko comienza a ir a buscar a su amo y esperarlo en la entrada de la estación, conducta que se repetiría todos los días.

La lealtad de Hachiko perduraría incluso hasta mucho después del fallecimiento del profesor Wilson tras sufrir un paro cardiorrespiratorio. Hachiko no dejaría de esperarlo en la entrada del tren, e incluso al final de sus días decide irse a vivir allí para poder esperar a su dueño. 

Los acontecimientos del filme son presentados como una narración del nieto del profesor Wilson, quien se encuentra contando la historia como parte de una activad escolar donde los alumnos deben realizar una narración oral sobre sus héroes favoritos. Como dato curioso, el personaje de Hachiko fue interpretado por tres perros de raza akita, Chico, Layla y Forrest, cada uno representando una etapa distinta en la vida del can.

Otro dato interesante es que la serie animada Futurama en su episodio “El perro de Fry”, rinde homenaje a Hachiko y su historia de lealtad. En dicho capítulo Fry encuentra el cuerpo fosilizado de su mascota Seymour Diera frente a la pizzería Panucci, y a través de flashbacks se nos muestra su historia.

Hachiko: Siempre a tu lado se estrenó en Japón el 8 de agosto de 2009, mientras que en los Estados Unidos fue exhibida bajo el marco del Festival Internacional de Seattle el 13 de junio de ese mismo año. Posteriormente se estrenaría oficialmente el 18 de diciembre, recibiendo excelentes críticas y una cálida recepción por parte de la audiencia.

Hachiko es hoy por hoy uno de los filmes más emotivos y aleccionadores dentro del cine occidental. El trabajo realizado rinde un merecido tributo no solo a su par japonés, sino a la historia en la cual ambas películas se basan. Sin duda alguna se trata de una excelente opción para quienes deseen ver una buena producción cargada de sentimiento y valores humanos. 

Si aún no la han visto, entonces ya es hora de echarle una mirada, y porqué no, echarle también un ojo a la original de 1987.

"The People versus Larry Flynt / El Escándalo de Larry Flynt", Milos Forman. 1996 - Por Marilyn Rodríguez

En la primera mitad de los años setenta la sociedad americana empieza a vivir tiempos de revolución sexual, lo que aprovecha un empresario para montar una cadena de locales de strep-tease y posteriormente construir un imperio en torno a las revistas con desnudos y principalmente la cabecera Hustler, competencia directa de la célebre PlayBoy de Hugh Heffner.

Película biográfica sobre la figura del controvertido y polémico Larry Flynt, irreverente, soez y visionario creador de imperio Hustler, una de las revistas pornográficas más conocidas; desde sus inicios, hasta convertirse en multimillonario, pasando por sus múltiples problemas con la justicia, hasta el atentado que sufrió por parte de un segregacionista ofendido, y que le postergó a una silla de ruedas paralizado de cintura para abajo.

Con guion de Scott Alexander y Larray Laraszewski, guionistas de “Ed Wood” , de Tim Burton, y producida por Oliver Stone, Milos Forman llevó a la pantalla esta biografía, quizá con algún exceso de idealización, o quizá que el propio personaje es excesivo y desmedido en sí mismo, aunque provocadora, esta película sobre el polémico editor Larry Flynt.

Woody Harrelson se pone en la piel del golfo y desvergonzado Flynt, en él derrocha un admirable arte de gestualización, que, en ocasiones, puede rozar la parodia. Courtney Love, parece interpretarse a sí misma, dando vida a su alcohólica y drogadicta esposa, y por último al sólido y efectivo Edward Norton en el papel de abogado y paladín de la libertad de expresión, el cual deberá enfrentarse a las más altas instancias judiciales, y a la vez de la hipocresía de la sociedad del momento. La cinta recoge magníficamente, tanto en el vestuario como en la caracterización de personajes, la estética de los años setenta y en la BSO, a cargo de Thomas Newman encontramos estupendos temas musicales de la época.

A diferencia de algunas críticas sobre la película, mezcla de biopic y drama judicial, que manifiestan lo contrario, es en la reconstrucción de los distintos altercados judiciales y la lucha contra el sistema vividos por Larry Flynt, en mi opinión, la parte más interesante y lograda de la película. Forman convierte a Flynt, a través de su abogado Alan L. Isaacman, en adalid de la libertad de expresión, en una lucha sin tregua sobre la autocensura, la represión o la tolerancia, y conforma un interesante debate sobre los derechos fundamentales, en definitiva sobre los enemigos de la Magna Primera Enmienda de la Constitución norteamericana.

El polémico cartel de la película donde aparece el protagonista crucificado cubierto con la bandera americana a modo de taparrabos y colocado encima de un pubis femenino, levantó ampollas entre las instituciones eclesiásticas y de los guardianes conservadores de la moral cristiana de la sociedad americana, una sociedad que empuña un arma con una mano y lee el Play Boy con la otra. A fin de cuentas, citando a George Orwell “la libertad consiste, entre otras cosas, en poder decir y mostrar lo que la gente no quiere ver”.

CAPSULAS DEL PAREDON: "Hysteria: The Def Leppard Story" de Robert Mandel (2001) - Por Christian Dorian

¡Pues resulta y acontece que esta es una jodida historia real! 

Aunque algunos listillos le llamen un "biopic", es una historia real y muy bien plasmada, al menos ha hecho honor a una de las bandas insignias de ese movimiento musical ingles llamado: Nueva ola del heavy metal británico, surgido a finales de 1979, del cual sus exponentes mas conocidos mundialmente son Saxon e ¡IRON MAIDEN! 

Y la banda que nos compete, los de Sheffield Reino Unido, ¡DEF LEPPARD!!!. Pasa y acontece que en cuanto a biografías e historias referentes al heavy metal o rock real (no me salgan con Marilyn Manson o Linkin Park) casi no hay buenas películas. En su mayoría han sido odas pestilentes a la ñoñería pop producidas por gente que no conoce el género o solo llegan a ser fans ocasionales del punk rock y eso mis amigos no es heavy metal. Tal vez como rockero sea la emoción de tener en cinemascope color la historia de esta gran banda: pero no, la peli funciona como entretenimiento dominguero y documento histórico, ahí están las cuitas iniciales de estos músicos hasta llegar a concretar su álbum mas celebre y mega millonario el HYSTERIA de 1987. Básicamente la cinta inicia con el reclutamiento de los integrantes todos jóvenes obreros de empresas siderúrgicas de la ciudad de Sheffield a mitad de los años setentas cuando las bandas de punk empezaban a ganar terreno en el gusto de los jóvenes británicos. 

Joe Elliot (vocalista) y Steve Clark (guitarrista) tras deshacerse debido a conflictos de intereses (es decir: era un hijo puta alcohólico que no rendía en la banda) del primer guitarrista Pete Willis empiezan audiciones para reclutar melenudos instrumentistas que coincidan con sus gustos y estética musical; por que la onda visual acá es tan importante como en cualquier otro show, así que en un bar de mala muerte topan con el virtuoso guitarro Phil Collen un tipo afable y carismático y junto al adolescente baterista Rick Allen y el bajista Rick Savage completan la banda triunfadora. 

Acá comienzan los problemas de una banda exitosa marcada por innumerables sucesos trágicos, y es que al Leopardo Sordo la fama le costo caro. La película nos muestra la grabación de sus dos primeros albunes On Through the Night y High 'N' Dry (1980 - 1983) en medio de limitaciones económicas y muchas ganas de comerse el mundo. Para la grabación de su tercer acetato aparece su ángel guardián, el hombre que los llevaría a la fama, el productor Robert John Mutt Lnage interpretado acertadamente por la ex estrella ochentera experto en actuaciones de nerd rechazado ,Anthony Michael Hall, quien les obliga a pulir su sonido hasta el desmayo, repitiendo pistas musicales una y otra vez sin descanso una especie de Stanley Kubrick de la música con el cual dan a luz su tercer álbum el Pyromania 1983, con el cual consiguen entrar a los listados estadounidenses vendiendo 20 millones en el mundo .

Y en este punto la película que es mas un anecdotario muy bien narrado nos muestra la forma infantil en que el baterista Rick Allen pierde un brazo durante un accidente automovilístico, el trauma quirúrgico que pasa y como la banda decide esperarlo para la grabación de su siguiente álbum. Def leppard es la banda europea de heavy del momento, pero también el receso obligado crea serias dudas sobre si podrán superar la calidad en un nuevo álbum, acá comienza la segunda parte de la película, se centra en la grabación del exitoso Hysteria 1987, las peleas, los enfrentamientos de egos las frustraciones personales sumadas al consumo de alcohol y drogas, aparecen como el condimento lógico en medio de la fama y la cinta las recrea de manera tan didáctica como efectiva, las fiestas con toneladas navegables de champaña , las modelos cachondas y el rock lisérgico hacen su aparición mientras el ruido de backtage se acrecienta, y en su ciudad natal en Inglaterra los reciben a tomatazos por que los consideran unos vendidos a los yankies. 

Esta parte de la cinta es la mas intensa y los protagonistas consiguen moldear las interpretaciones con un acento más maduro, los personajes están dolidos y prevenidos contra la fama, pero la fama es inevitable y a la salida del ya nombrado HYSTERIA esta se consolida, el álbum perfecto de heavy HARD rock con siete éxitos singles en los listados y una gira monumental a la altura de otras mega bandas tipo Metallica o AC DC. Pero a Def Leppard le faltaba su mayor tragedia, la muerte por abuso de drogas de su guitarrista Steve Clark, la película evita los detalles feos del suceso, pero lo deja bien claro para que el espectador moje los ojitos con eso que llaman lágrimas. En general una cinta disfrutable incluso para los que no gustan del rock, igual que The Doors de Oliver Stone, intereso a todos y ocasiono una nueva horda de seguidores de ese grupo los que ojeen esta cinta sudorosa, nostálgica de los ochentas y emotiva podrán encontrar una nueva banda a seguir. Una cinta que es un homenaje a la forma de hacer música en tiempos donde aun existina las estrellas de rock apasionadas.

Dirige Robert Mandel dedicado principalmente a series de tele como Lost , Prison Break y cintas para la televisión. La pueden encontrar en youtube subtitulada.

CAPSULAS DEL PAREDON: “Jungle / Jungla” de Greg McLean – Por Christian Dorian.

El cine siempre ha sido el lugar perfecto para las aventuras a tierras desconocidas ya sea Marte, otras dimensiones o las selvas inhóspitas terráqueas, recordemos “El Salario Del Miedo” (1953), “La Misión” (1987), “Deliverance” (1972) o “Perdidos En El Desierto” (1969). En este caso ha tocado el turno al insoportable, Harry Potter alias Daniel Radcliffe, que interpreta a Yossi Ghinsberg un joven estadounidense que en 1981 decidió tomar su año sabático embarcándose en la típica aventura de los extranjeros en Latinoamérica, ir a conocer aborígenes y uno que otro lugar típico turístico como Machu Pichu en Perú. 

Pues vale, al llegar a Bolivia, donde se une a otro grupo de compatriotas en especial otros dos jóvenes Kevin y Marcus, con quienes comparten sus intereses mochileros y tras una visita sin contratiempos por la localidades bolivianas consumiendo alucinógenos y pasándola sabroso, se encuentran con un misterioso explorador llamado Karl que asegura poder llevarles a un lugar en lo profundo de la jungla donde los turistas regulares jamás se atreven, y donde les esperan maravillas naturales inimaginables.

¿Ya no hemos escuchado eso miles de veces? ¿En especial en las cintas de terror? Resulta que Yossi convence a sus reticentes amigos de aceptar la aventura y se internan en lo profundo de la selva, donde poco a poco la naturaleza salvaje húmeda y ponzoñosa les va restando fuerzas obligando a la mitad del grupo a desistir de la misión, solo Yossi y Kevin continúan sin imaginarse las penurias que les esperan, llagas en los pies, gusanos bajo la piel, inanición, fiebres en fin el catálogo de enfermedades es amplio y vomitable. Es curioso porque Daniel Radcliffe protagonizaría casi al mismo tiempo que sale esta película otra comedia negra similar “pero distinta” llamada “Swiss Army Man” sobre dos náufragos uno vivo y otro muerto, él era el muerto talvez ustedes la vieron y la padecieron o les gustó mucho ¡da igual! 

Desde la celebrada “127 Horas” con un James Franco amputándose el brazo, las pelis de aventureros irresponsables han vuelto a tener un aliento. “Jungla” es una cinta efectiva, con un suspenso aletargado que puede convencer a los espectadores con más paciencia, con un protagonista que intenta desesperadamente verse adulto, o al menos desea alcanzar un rango dramático superior al de agitar una varita y volar en una escoba, y es que a muchos ver a Daniel Potter en esta película les saca de la historia, no los deja concentrarse en esa odisea selvática. 

¡QUE PUDO TENER MEJOR DESARROLLO!, “Jungla” se deja ver como lo que es, un catálogo de penurias simplonas, previsibles, que puede causar efecto en los públicos más livianos. Se deja ver como lo que es, una película de lucimiento fallido de Daniel Potter. Dirige Greg McLean quien había incursionado en el suspenso con una copia de “Saw” llamada “The Belko Experiment” (2016) y también “Río de sangre” 2007 sobre un cocodrilo asesino en Australia. Ya vendrán otras historias reales mejor plasmadas en el cine.

“El Chacal de Nahueltoro” de Miguel Littin (1969) - Por Frank Binueza

SINOPSIS:

1960, Nahueltoro, Región de Biobío, Chile. José del Carmen Valenzuela Torres (Nelsón Villagra), un afuerino (campesino que va de un lugar a otro buscando trabajo temporal) analfabeto y alcohólico, durante una borrachera asesina con un cuchillo a su amante y los cinco hijos de ésta, incluyendo una criatura de pocos meses. Apodado “El Chacal”, por la brutalidad d su crimen, tras una prolongada búsqueda es capturado, y encerrado durante un largo tiempo en espera de su ejecución. En la cárcel, Valenzuela se arrepiente de sus actos, aprende a escribir, y abraza la religión católica, sin embargo su destino parece marcado por sus acciones anteriores.

LA ECLOSIÓN DEL NUEVO CINE CHILENO

Nacido a finales de la década del 60, en el marco del Primer Festival de Cine y Encuentro de Cineastas Latinoamericanos, efectuado en Viña del Mar en 1967, el “Nuevo Cine Chileno”, es un movimiento cinematográfico comprometido con el desarrollo de la cultura nacional chilena, la concientización del pueblo a través del tratamiento de temas sociales, y en esencia, producir una perspectiva del cine continental. En su opera prima, Miguel Littin, a medio camino entre el documental y la ficción, y utilizando técnicas del neorrealismo italiano, escribe y dirige la que a la postre, sería la película más impactante y reconocida del movimiento, “El Chacal de Nahueltoro”.

Con el apoyo del Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile, Littin utiliza información de los periódicos de la época, entrevistas realizadas por diversos periodistas, y el expediente del proceso judicial realizado a José del Carmen Valenzuela Torres, alias “El Chacal de Nahueltoro”, quien alcoholizado y tras una disputa de dinero con su compañera de vida, Rosa Rivas, procede a asesinarla a ella, y a sus cinco hijos, entre ellos un bebé de unos pocos meses de vida. Utilizando pocos recursos, y filmando en las locaciones reales de los hechos como la localidad de Nahueltoro, o la cárcel de Chillen en donde estuvo recluido, incluida la celda en la que Valenzuela pasó sus últimos días, el director retrata la hipocresía de una sociedad insensible a la marginalidad, la miseria y a la redención de un asesino arrepentido.

Tras su estreno, la película se convirtió en un verdadero hito cultural, ya que a pesar de ser una producción emanada de una institución estatal y pública, abordaba problemas de la sociedad chilena de manera cruda y realista. Fue la película chilena más vista de ese año, modificando la relación entre público y obra al proponer una reflexión crítica sobre el sistema social en Chile. A nivel internacional tuvo una importante repercusión, y hasta la fecha es considerada por diversas instancias como la mayor obra que ha producido el cine nacional. Sin embargo, el retrato de las instituciones públicas y del accionar del presidente de la época, la volvió una obra censurada, razón por la cual Miguel Littin se tuvo que exiliar durante la época de la dictadura de Augusto Pinochet. La figura de José del Carmen Valenzuela Torres, “El Chacal de Nahueltoro”, provocó una gran controversia dentro de la sociedad chilena de la época, en especial por la paradoja de su supuesta rehabilitación, y su posterior ejecución, la polémica desatada por el crimen y la reflexión brindada por la película, convirtieron a Valenzuela en objeto de un inesperado culto religioso, con romerías los días 1 de noviembre (Día de Todos los Santos), en donde para el colectivo chileno, “El Chacal”, representa la redención más allá de la naturaleza de los pecados cometidos.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “El Chacal de Nahueltoro” (1969)

Directores: Miguel Littin

Guion: Miguel Littin

Reparto: Nelson Villagra, Shenda Román, Luis Melo, Ruben Sotoconil, Armando Fenoglio, Marcelo Romo

País: Chile.

Géneros: Drama Social, Basado en Hechos Reales

"Das Experiment / El Experimento" de Oliver Hirschbiegel, 2001 - Por Marilyn Rodríguez

"Antes debo advertirles de una cosa: Participar como presos significa renunciar a toda intimidad y a los derechos civiles."

A raíz de un experimento científico que duraría dos semanas, veinte hombres que cobrarían diariamente por ello, ingresan voluntariamente en una cárcel ficticia. A ocho de los participantes se les asigna el papel de guardianes, y a doce de ellos, el rol de prisioneros, los cuales deberán obedecer las órdenes y los guardias, mantener el orden en el Centro penitenciario.

El film se basa en el libro The Black Box de Mario Giordano, que a su vez tiene como fuente el famoso experimento de la Cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971, que fue un estudio psicológico llevado a cabo por un grupo de investigadores, encabezado por el Philip Zimbardo de la Universidad de Stanford, sobre las conductas desarrolladas por el hombre, dependiendo de los roles sociales que ejerza y contextuado en una situación límite como la vida en una prisión. En definitiva, el objetivo del estudio era conocer el impacto que tenía el rol en cada uno, creer ser preso, o creer ser guardia.

Dicho experimento, en todo momento televisado, se les fue de las manos rápidamente y se convirtió en una lucha por la supervivencia personal. Varios de los prisioneros padecieron graves trastornos emocionales como consecuencia del trato vejatorio y humillante por parte de los guardias.

El film, consigue una perfecta ambientación del entorno, se convierte en opresiva y agobiante, y el director, Olliver Hirschbiegel, autor también de “El Hundimiento”, (2004) imprime un brutal realismo a la cinta y nos planta una interesante cuestión acerca del uso de poder de una persona sobre otra. Una lúcida reflexión sobre si una buena persona, lo puede conseguir siendo dentro de un ambiente violento y la evolución que su comportamiento desarrolle.

Este film, además del interés cinematográfico que más o menos pueda tener, tiene un interés añadido en el campo de la Psicología Social y Conductal. Autoridad y poder son dos conceptos que se refieren a maneras diferentes de organizar los grupos sociales e influir jerárquicamente en el comportamiento de los individuos. El poder es la existencia de una relación de causalidad, es decir, de causa y efecto y se ejerce a través de medios coercitivos, y el cumplimiento o incumplimiento comporta unas consecuencias para el individuo. La autoridad, en cambio, es una invitación a una determinada norma de conducta y porque faculta al que la posee a poder generar un comportamiento en los otros.

Todo esto nos lleva a desmontar las afirmaciones de Rousseau quien afirmaba que el hombre primitivamente, era bueno, puro y feliz, pero ha sido la civilización quien lo ha corrompido para acercarnos a Hobbes, que en su observación de la conducta humana concluía que "Homo homini lupus"; que el ser humano es un animal egoísta, y que la base de ese egoísmo es la propia supervivencia, llegando a la permanente competición y estado de guerra contra todos para satisfacer su deseo de posesión, siendo los motivos de eterno conflicto entre el ser humano la competición, la inseguridad y la gloria.

“Cinema Verite” de Robert Pulcini y Shari Springer Berman (2011) - Por Frank Binueza

SINOPSIS:

Santa Mónica, California, 1971. El documentalista Craig Gilbert (James Gandolfini) invita a Patricia ‘Pat’ Loud (Diane Lane), una ama de casa de mediana edad, a involucrarse en un innovador proyecto televisivo, una serie documental en la que retratará a la verdadera “familia estadounidense”. Pat rechaza la proposición, pero es convencida por su esposo Bill (Tim Robbins), con la promesa de pasar más tiempo con ella y con sus hijos. Sin embargo rápidamente los secretos de los Loud saldrán a la luz, mientras que las cámaras serán testigos del desmoronamiento de la supuesta familia ideal…

Comparación con la original familia Loud.

UN RETRATO DE LA PRIMERA FAMILIA DE REALITY SHOW.

Esta película para televisión, producida por la cadena HBO, hace una íntima mirada al revolucionario programa estadounidense “An American Family”, que en 1973 creó las bases de la televisión de realidad, a través de la explotación de la familia Loud. En apenas 12 capítulos, la serie tocó temas tabú en la época como el divorcio o la homosexualidad, que hicieron que el programa fuese un éxito en ratings, pero que trajo una inesperada (y pésima) fama a la familia protagonista.

Siguiendo una narración ficticia, se relatan los acontecimientos previos a la grabación del programa, recreando además varias de las escenas más controversiales del mismo, y mostrando la acción detrás de bambalinas, y la posterior lucha de la familia Loud, para denunciar el tono sensacionalista que el creador y productor Craig Gilbert, utilizó para hacer que el programa fuera tan exitoso.

Con potentes actuaciones de Diane Lane como la matriarca de los Loud, y de James Gandolfini como el manipulador productor de la serie, la película además cuenta con una acertada ambientación de los años 70’s, y una excelente banda sonora con éxitos de la época. La inclusión de clips de la serie original, hacen que el producto final se mueva entre los límites de la ficción y la realidad, tal como en su momento “An American Family” lo hizo, mientras pone en evidencia la manipulación mediática.

El título de la película proviene de una de las entrevistas realizadas a los documentalistas Alan y Susan Raymond, los cuales formaron parte del equipo de producción de la serie, y quienes antes de cuestionar las técnicas utilizada por Craig Gilbert, defendieron su labor al decir que su revolucionario trabajo se acercaba más al “cinéma verité”, movimiento cinematográfico utilizado por varios cineastas europeos en los años 60’s, en donde se prescindía de un guion, dejando que la improvisación y la realidad fluyeran de forma natural, mezclando el género documental con la ficción.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Cinema Verite” (2011)

Directores: Robert Pulcini y Shari Springer Berman

Guion: David Seltzer

Reparto: Diane Lane, Tim Robbins, James Gandolfini, Kathleen Quinlan, Thomas Dekker, Patrick Fugit.

País: Estados Unidos.

Géneros: Drama, Película para Televisión, Basada en Hechos Reales