"Network / Un Mundo Implacable" de Sidney Lumet (1976) - Por Paul Torres

Sinopsis: Un análisis sobre el poder de la televisión, que retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura. Howard Beale, veterano presentador de un informativo, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, en una reacción inesperada, y ante el asombro de todos, anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo. (FILMAFFINITY)

La historia de la televisión cambió para siempre el 15 de julio de 1974. Aquel día, Christine Chubbuck, presentadora del talk show Suncoast Digest, pronunció a los ocho minutos de su programa una frase que pasará a los anales de la televisión: “de acuerdo a la política del Canal 40 de brindarles lo último en sangre y entrañas a todo color, están a punto de ver otra primicia: un intento de suicidio“. Acto seguido, con mano temblorosa pero firme, la presentadora sacó un revólver del calibre 38 de debajo de su mesa y se apuntó directamente a la parte trasera de la cabeza. Disparó y una nube de humo se formó a su alrededor. La incredulidad y el silencio reinaron en el plató durante unos segundos. Tanto el director como los operarios de cámara esperaban que Chubbuck se levantara riéndose diciendo que todo había sido una broma. Pero no. Lo que presenciaron aquel día de 1974 no fue un broma de mal gusto sino el suicidó en directo de Christine Chubbuck.

Este hecho sirvió de inspiración a Sidney Lumet para rodar Network (Un mundo impacable), una de las sátiras más brutales e inteligentes sobre el poder e influencia de la televisión que se han realizado jamás para la gran pantalla. Un mérito importante teniendo en cuenta que el mundo televisivo ha sido satirizado hasta la saciedad tanto en la televisión como en el cine. Lumet consigue en esta película poner sobre la mesa algunas de las cuestiones fundamentales que rodean a este medio, como su capacidad de manipulación, la homogeneización del pensamiento colectivo provocada por sus contenidos, la falta de escrúpulos y moralidad de sus mandamases y la validez del lema “en televisión vale todo”.

Network (Un mundo implacable) retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura. Howard Beale, veterano presentador de un informativo, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, en una reacción inesperada, y ante el asombro de todos, anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo. Este hecho sin precedentes provoca una gran expectación entre los televidentes y los propios compañeros de Howard.

El final de Network es una de las hipérboles más inteligentes que una servidora ha visto jamás en la gran pantalla. Howard Beale simboliza todo aquello que es eliminado porque a los poderosos no les interesa que continúe su emisión y representa a todos aquellos contenidos que se suprimen de la parrilla televisiva por no cumplir con las expectativas de los directivos y de la audiencia.

“HENRY, RETRATO DE UN ASESINO” de JOHN MCNAUGHTON (1986) - Por Paul Torres

Sin dudas el nombre de Henry Lee Lucas estará siempre presente en boca y sobretodo en la memoria de todos los norteamericanos, y no por ser alguna especie de héroe nacional, sino por lo impactante y macabro de su historia. Henry creció en medio de una familia desestructurada, envuelto en maltratos, alcohol (su padre) y la prostitución (su madre y posteriormente el mismo). Viola (madre de Henry) fue una mujer calculadora y manipuladora, que constantemente maltrato físicamente a su hijo, llegando al punto de hacerle perder el ojo izquierdo en su niñez, no contenta con ello, vestía de mujer al pequeño Henry y lo mandaba así al colegio, provocando la burla y humillación de sus compañeros, esto sin dudas marcaria su niñez, y tendría consecuencias funestas más adelante.

A la edad de 23 años aproximadamente, en una discusión que sostenía con su madre, este terminaría asesinándola y posteriormente violándola. Naturalmente iría a la cárcel y durante 4 años sería sometido a rigurosas pruebas de electroshock en una institución mental, posteriormente seria llevado a la cárcel, donde sufriría constantemente violaciones por parte de sus compañeros y en 1975 seria puesto en libertad, es desde ese entonces en donde comenzaría a tejer su historia.

Es pues esta historia que tomaría el director John McNaughton para realizar en 1986 su película “Henry, retrato de un asesino”, el cual recién se pudo estrenarse en 1989 por diferentes problemas de distribución. Este trabajo es sin dudas uno de los más inquietantes en cuestión a los asesinos seriales que se han visto a lo largo de la pantalla, con una narración “llana” en cual conforme corren los minutos se empiezan a acumular los asesinatos, pero se dan de forma inesperada, casual, repentina, causando en el espectador sobresaltos, llegando hasta la desesperación. Destacando el realismo de las escenas, que sin dudas han sido muy bien logradas.

Hay una serie de elementos que destacan en la película, uno de ellos es sin dudas el guion muy bien logrado, el cual fue trabajado notablemente por el director en colaboración de Richard Fire, notándose ciertas referencias de películas notables como Psicosis entre otros.

Otro punto a destacar de la película, tiene que ver con las actuaciones, el trio que sin dudas sube la historia y toda la película en sí, la interpretación del trío protagonista es magnífica, también difícil de ver por cualquier ejemplar contemporáneo. La violencia y la asepsia emocional que sugiere Michael Rooker son tremenda, sin caer en sobreactuación alguna.

La película presenta una fotografía naturalista, siendo un genial Charlie Lieberman el responsable directo de ello, impresiona sin dudas los pasajes de la ciudad de Chicago donde transcurre gran parte de la historia.

La cinta de McNaughton es una obra perturbadora de culto del cine independiente norteamericano el cual obtuvo reconocimiento a mejor película en el Festival de Sitges de 1990.

Debo advertir que las escenas que se muestran son explicitas y pueden llegar a incomodar a los más susceptibles, una de las escenas que estarán siempre en la retina de quien vea esta notable cinta tiene que ver con el asesinato de dos prostitutas, para la cual Henry les rompe el cuello, y luego sin inmutarse se va con su compañero a comer unas hamburguesas. Para concluir debo mencionar que existirá la duda sobre el alcance de las matanzas de este perturbado personaje, en una supuesta confesión realizada por Henry se adjudicó el asesinato de más de 900 personas, aunque otros dicen 360.

Película altamente recomendable para todo aquel amante de este tipo de cintas.

¿PELÍCULAS BASADAS EN HECHOS REALES? REALMENTE NO..... NI UN POQUITO!!! - Por Rommel Vásquez Caro

Es cierto que muchos directores toman una idea de algo que sucedió en la vida real y lo cambian bien sea de acuerdo al factor de narración o para proteger las identidades de los involucrados en tal acontecimiento...pero que tal si te promocionan una película indicando que esta "basada en hechos reales" y todo es pura mentira... Te presentamos algunas de estas películas:

“El proyecto de la bruja de Blair”, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez (1999)

En la búsqueda del rating, Myrick y Sánchez idearon una leyenda urbana. “Enterraron” a todos los actores, “desenterraron” las cintas e hicieron el montaje de la película. Luego combinaron carteles de la película con anuncios sobre la búsqueda de los actores. Además, lanzaron un sitio web donde publicaron informes policiales y entrevistas al estilo de los noticieros. Como resultado, la película se volvió viral en la realidad y en Internet.

“The Strangers”, Bryan Bertino (2008)

El eslogan de la película decía: “Inspirado en hechos reales”, pero de hecho resultó que la historia era completamente ficticia. En su defensa, el director recordó los hechos del manipulador sediento de sangre Charles Manson y una historia de la infancia sobre tres jóvenes que robaban las casas en su cuadra. Pero la campaña de publicidad dio sus frutos. La película rentabilizó su presupuesto casi 9 veces.

“This is Spinal Tap”, Rob Reiner (1984)

Esta historia real fue mucho más allá de las cámaras. Un falso documental sobre una banda de rock ficticia, cuyo éxito está en decadencia sorprendió a los espectadores que no tenían idea de ningún “Spinal Tap”. Pero después de un tiempo a los británicos les gustó la película y ellos empezaron a escuchar las canciones de la banda de rock de ficción. La película se convirtió en un culto y la banda “Spinal Tap” es reconocida a escala global.

“La masacre de Texas”, Tobe Hooper (1974)

El director de esta película fue más allá. Además de la trama ficticia también designó fechas específicas para los hechos “reales”. Hooper afirmó que la película se basaba en la historia de Ed Gein, pero el parecido con el maníaco real es insignificante. Vamos a celebrar que esta película cruel es solo un producto de la imaginación.

“Fargo”, los hermanos Coen (1996)

Al principio de la película los hermanos Coen advierten que la trama se basó en hechos reales en el estado de Minnesota y los nombres de los personajes están cambiados para proteger a las personas reales. Este hecho por supuesto intrigó a los espectadores. Más tarde, los directores admitieron que tal historia podría haber sucedido en realidad pero aún no se habían enterado......que descaro no?

“Posesión satánica”, Ole Bornedal (2012)

Existen tales cajas dybbuk, es verdad. Pero el guion de la película que cuenta sobre una familia que compró una caja con un espíritu malvado adentro es ficticio. Una caja vintage alrededor de la cual giraba toda la historia es realmente algo interesante. Uno por uno, sus dueños contaron historias extrañas y trataron de deshacerse de ella desde el primer día. Como resultado, la caja nefasta llegó al set.

“Contactos de cuarto tipo”, Olatunde Osunsanmi (2009)

Otro thriller pseudo-documental en el que todos creyeron. La película declara con firmeza que la desaparición de los habitantes de Nome es obra de los hombres verdes. Está repleta de “imágenes de archivo” y unas pseudo entrevistas. Esta historia convenció tanto a los habitantes de la ciudad, que en la realidad el alcalde mismo tuvo que asegurar a la gente que la trama era ficticia.

“Good morning, Vietnam”, Barry Levinson (1987)

El drama sobre un carismático locutor de radio, como se vio después, tiene algo real. De hecho, el personaje está inspirádo en el DJ Adrian Cronauer, pero el está cambiado más allá del reconocimiento, tanto como muchos hechos de la historia. Como el ex locutor de radio comentó posteriormente: “Esta historia no tiene nada que ver con la realidad, fue inventada para entretener”.

“Asesinos de élite”, Gary McKendry (2011)

La película de accion británica-australiana está basada en la novela “Los hombres de plumas” de Ranulph Fiennes, quien a su vez asegura que todo lo que describe ocurrió en realidad. El libro por cierto fue demasiado cuestionable, porque no creyeron en todos los “hechos” publicados en él. Fue esta reacción la que el autor buscó, decorando la portada del libro con una pregunta: “¿Realidad o ficción?”. Pero luego admitió que todo el proyecto era una ficción.

“The Lady in the Van” de Nicholas Hytner (2015) - Por Frank Binueza

Un buen día la señorita Shepherd (Maggie Smith), una mujer indigente de avanzada edad y de orígenes inciertos, aparca su furgoneta en una acera de Londres, en el acceso a la casa del escritor Alan Bennett (Alex Jennings). Lo que al principio iba a ser algo temporal, un favor a regañadientes, se acaba convirtiendo en una relación que cambiará las vidas de ambos. Y es que la señorita Shepherd se quedó a vivir allí durante 15 años...

“La bondad, o lo que a menudo se considera como tal, es la más egoísta de las virtudes; nueve de cada diez veces es un mero temperamento indolente. Falta de disposición”. William Hazzlit.

El mismo Alan Bennett es sus intensas pláticas consigo mismo, utiliza esta frase al recriminarse por no encontrar una razón verdadera para permitir que la autodenominada “Srita. Shepherd”, utilice el acceso de su casa como improvisada residencia. ¿Es caridad? ¿Lástima? O son los paralelismos que Bennett encuentra entre la mujer vagabunda y su propia madre, los que promueven esta situación en la que se encuentra profundamente incómodo, pero de la que no puede librarse tan fácilmente como cree.

Para Bennett la llegada en 1960, de una desvencijada camioneta en su calle al norte de Londres, introducirá en su vida a la excéntrica señorita “Mary Shepherd”, una anciana quién decía haber manejado ambulancias durante la guerra y también haber sido monja, pero envuelta en un halo de misterio, aparentemente con gran educación, amén de su fluido francés y habilidad para el piano, pero de carácter difícil, o tal como la describiría Bennett: “fanática religiosa, ciega, malhumorada, tortuosa, implacable, egoísta, grosera y enojada”. Sin embargo tras varios altercados con vecinos y autoridades, Bennett permitió que la mujer viviera con su furgoneta parqueada en la entrada de su casa por un lapso de casi 15 años, tiempo durante el cual se desarrolló una tensa amistad entre ambos, aunque poco o nada supo de la vida de la peculiar mujer hasta su fallecimiento. 

El autor, acostumbrado a escribir sobre las experiencias de su propia madre, no dudó en cierto momento escribir sobre la inesperada inquilina de su patio. Contando la historia verdadera (o por lo menos en su mayoría verdadera, como diría su lado de escritor), Bennett escribió un ensayo, una novela, una obra teatral y un especial para la radio, con Alan Bennett interpretándose a sí mismo, acompañado de Maggie Smith quien además ya había participado en la obra teatral.

¿Qué es la bondad? O ¿Quién fue la dama en la furgoneta?, no serán preguntas que la película trate de contestar, ya que no es la intención del autor, más bien pone en evidencia de forma satírica a la hipócrita sociedad (él incluido), quienes tratan de “ayudar” a los desvalidos como forma de sentirse bien con ellos mismos. La película mezcla de drama y comedia, muestra sin tapujos la visión de Bennett sobre la “Srita. Shepherd”, una mujer ingrata y malhumorada, con el carácter de un niño con grandes aspiraciones, sucia y sin maquillaje, papel que solamente Maggie Smith podría interpretar, capaz de causar a la vez repulsión y misericordia a la vez, con un cierto toque de “nobleza vagabunda”, que sin embargo no nos prepara para su doloroso final, algo que todos los que hemos estado en contacto con personas mayores hemos visto, el agudo ocaso de la vida.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “The Lady in the Van” (2015)

Director: Nicholas Hytner

Guion: Alan Bennett basado en su obra teatral.

Reparto: Maggie Smith,  Alex Jennings,  Jim Broadbent,  Dominic Cooper,  James Corden, Frances de la Tour,  Samuel Anderson,  Gwen Taylor,  Rosalind Knight,  George Taylor.

País: Reino Unido

Géneros: Drama, Comedia, Basado en Hechos Reales

“The Miracle Worker / El Milagro de Anne Sullivan” de Arthur Penn (1962) - Por Frank Binueza

La joven Helen Keller (Patty Duke), ciega y sorda desde su infancia debido a un caso grave de escarlatina, se siente frustrada por su incapacidad para comunicarse y, como resultado, sufre frecuentes estallidos violentos e incontrolables. Incapaz de tratar con ella, sus padres se ponen en contacto con la Escuela Perkins para Ciegos en busca de ayuda. En respuesta, envían a Anne Sullivan (Anne Bancroft ), una ex alumna, a la casa de Keller para que la asista. Lo que sigue es una batalla de voluntades cuando Anne rompe los muros de silencio y oscuridad de Helen a través de la persistencia, el amor y la terquedad.

UN DURO RETRATO DE SUPERACIÓN

La historia de Helen Keller es considerada como uno de los mayores ejemplos de superación de los últimos tiempos, completamente aislada del mundo, Helen vivía confinada en una burbuja de oscuridad y rabia. Hasta la llegada de Anne Sullivan, la única forma de comunicación con sus padres y las personas que la rodeaban eran una serie de señas, que de manera precaria servían para mostrar sus necesidades más básicas.

A pesar de que fácilmente una película sobre la inspiradora vida de Helen Keller, podría caer en los clásicos sentimentalismos de las películas biográficas, Arthur Penn utiliza un enfoque crudo y directo de la situación. Basada en la obra teatral homónima, escrita por William Gibson, que originalmente había sido presentada en 1957, como parte de la serie antológica de televisión “Playhouse 90”, la película retrata la compleja relación entre Helen Keller y su institutriz Anne Sullivan, retomada de la autobiografía de Helen Keller de 1902, “The Story of My Life”.

La película muestra varios de los obstáculos a los que se tuvo que enfrentar Anne Sullivan para penetrar en el oscuro mundo de Helen. Por un lado la incompetencia y negligencia de la familia Keller, que convirtieron a Helen en una niña mimada, incapaz de someterse a ninguna disciplina, y con la que todo tipo de acercamiento parece imposible, y por otro los demonios internos de Anne Sullivan, casi ciega de nacimiento, y con un grave complejo de culpa, por la muerte de su hermano. Esto moverá a Anne Sullivan a redimirse mediante la educación de la niña, con mucha terquedad y rigor.

Fiel a sus orígenes teatrales, la puesta en escena está llena de grandes momentos de tensión, exceso de fuerza física y ningún atisbo de compasión, es así que por sobre cualquiera de las escenas destaca la larga y violenta escena del comedor, en donde las protagonista, se envuelven en una dura pelea con la finalidad de enseñar disciplina a la malcriada niña. Un drama marcado por la fría intensidad de situaciones y gestos auténticos, en donde no queda ningún rastro del cómodo sentimentalismo de otras producciones de la época.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “The Miracle Worker / El Milagro de Anne Sullivan” (1962)

Director: Arthur Penn

Guion: William Gibson

Reparto: Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson, Victor Jory, Jack Hollander

País: Estados Unidos

Géneros: Drama, Biográfica, Basado en Hechos Reales

"Siempre a Tu Lado / Hachiko" de Lasse Hallström (2009) - Por Verushka Hueck .

Estrenada en 2009 y protagonizada por Richard Gere, Hachiko es un emotivo remake de la cinta original japonesa de 1987 dirigida por Seijiro Koyama, la cual narraba la historia real de un profesor universitario y su fiel perro de raza akita, quien acostumbraba esperar a su amo todas las tardes en la entrada de la estación del tren, incluso tras su fallecimiento. 

En esta readaptación, se nos cuenta esta clásica historia desde una perspectiva occidental, pero sin perder la esencia y manteniendo el respeto por el filme original. Dirigida por Lasse Hallström y producida por el propio Richard Gere, Hachiko nos presenta al profesor Parker Wilson (Gere), quien un buen día se encuentra en la estación de ferrocarriles a un perro vagando por la zona. Cautivado por el aspecto peculiar del animal, Wilson decide llevarlo a casa, donde tras convencer a su familia de mantenerlo luego de que nadie lo fuese a reclamar, comienza a investigar sobre su raza y origen.

Con el pasar de los años, la amistad entre el can y el profesor Wilson se afianza cada vez más, incluso al punto de que Hachiko comienza a ir a buscar a su amo y esperarlo en la entrada de la estación, conducta que se repetiría todos los días.

La lealtad de Hachiko perduraría incluso hasta mucho después del fallecimiento del profesor Wilson tras sufrir un paro cardiorrespiratorio. Hachiko no dejaría de esperarlo en la entrada del tren, e incluso al final de sus días decide irse a vivir allí para poder esperar a su dueño. 

Los acontecimientos del filme son presentados como una narración del nieto del profesor Wilson, quien se encuentra contando la historia como parte de una activad escolar donde los alumnos deben realizar una narración oral sobre sus héroes favoritos. Como dato curioso, el personaje de Hachiko fue interpretado por tres perros de raza akita, Chico, Layla y Forrest, cada uno representando una etapa distinta en la vida del can.

Otro dato interesante es que la serie animada Futurama en su episodio “El perro de Fry”, rinde homenaje a Hachiko y su historia de lealtad. En dicho capítulo Fry encuentra el cuerpo fosilizado de su mascota Seymour Diera frente a la pizzería Panucci, y a través de flashbacks se nos muestra su historia.

Hachiko: Siempre a tu lado se estrenó en Japón el 8 de agosto de 2009, mientras que en los Estados Unidos fue exhibida bajo el marco del Festival Internacional de Seattle el 13 de junio de ese mismo año. Posteriormente se estrenaría oficialmente el 18 de diciembre, recibiendo excelentes críticas y una cálida recepción por parte de la audiencia.

Hachiko es hoy por hoy uno de los filmes más emotivos y aleccionadores dentro del cine occidental. El trabajo realizado rinde un merecido tributo no solo a su par japonés, sino a la historia en la cual ambas películas se basan. Sin duda alguna se trata de una excelente opción para quienes deseen ver una buena producción cargada de sentimiento y valores humanos. 

Si aún no la han visto, entonces ya es hora de echarle una mirada, y porqué no, echarle también un ojo a la original de 1987.

"The People versus Larry Flynt / El Escándalo de Larry Flynt", Milos Forman. 1996 - Por Marilyn Rodríguez

En la primera mitad de los años setenta la sociedad americana empieza a vivir tiempos de revolución sexual, lo que aprovecha un empresario para montar una cadena de locales de strep-tease y posteriormente construir un imperio en torno a las revistas con desnudos y principalmente la cabecera Hustler, competencia directa de la célebre PlayBoy de Hugh Heffner.

Película biográfica sobre la figura del controvertido y polémico Larry Flynt, irreverente, soez y visionario creador de imperio Hustler, una de las revistas pornográficas más conocidas; desde sus inicios, hasta convertirse en multimillonario, pasando por sus múltiples problemas con la justicia, hasta el atentado que sufrió por parte de un segregacionista ofendido, y que le postergó a una silla de ruedas paralizado de cintura para abajo.

Con guion de Scott Alexander y Larray Laraszewski, guionistas de “Ed Wood” , de Tim Burton, y producida por Oliver Stone, Milos Forman llevó a la pantalla esta biografía, quizá con algún exceso de idealización, o quizá que el propio personaje es excesivo y desmedido en sí mismo, aunque provocadora, esta película sobre el polémico editor Larry Flynt.

Woody Harrelson se pone en la piel del golfo y desvergonzado Flynt, en él derrocha un admirable arte de gestualización, que, en ocasiones, puede rozar la parodia. Courtney Love, parece interpretarse a sí misma, dando vida a su alcohólica y drogadicta esposa, y por último al sólido y efectivo Edward Norton en el papel de abogado y paladín de la libertad de expresión, el cual deberá enfrentarse a las más altas instancias judiciales, y a la vez de la hipocresía de la sociedad del momento. La cinta recoge magníficamente, tanto en el vestuario como en la caracterización de personajes, la estética de los años setenta y en la BSO, a cargo de Thomas Newman encontramos estupendos temas musicales de la época.

A diferencia de algunas críticas sobre la película, mezcla de biopic y drama judicial, que manifiestan lo contrario, es en la reconstrucción de los distintos altercados judiciales y la lucha contra el sistema vividos por Larry Flynt, en mi opinión, la parte más interesante y lograda de la película. Forman convierte a Flynt, a través de su abogado Alan L. Isaacman, en adalid de la libertad de expresión, en una lucha sin tregua sobre la autocensura, la represión o la tolerancia, y conforma un interesante debate sobre los derechos fundamentales, en definitiva sobre los enemigos de la Magna Primera Enmienda de la Constitución norteamericana.

El polémico cartel de la película donde aparece el protagonista crucificado cubierto con la bandera americana a modo de taparrabos y colocado encima de un pubis femenino, levantó ampollas entre las instituciones eclesiásticas y de los guardianes conservadores de la moral cristiana de la sociedad americana, una sociedad que empuña un arma con una mano y lee el Play Boy con la otra. A fin de cuentas, citando a George Orwell “la libertad consiste, entre otras cosas, en poder decir y mostrar lo que la gente no quiere ver”.

CAPSULAS DEL PAREDON: "Hysteria: The Def Leppard Story" de Robert Mandel (2001) - Por Christian Dorian

¡Pues resulta y acontece que esta es una jodida historia real! 

Aunque algunos listillos le llamen un "biopic", es una historia real y muy bien plasmada, al menos ha hecho honor a una de las bandas insignias de ese movimiento musical ingles llamado: Nueva ola del heavy metal británico, surgido a finales de 1979, del cual sus exponentes mas conocidos mundialmente son Saxon e ¡IRON MAIDEN! 

Y la banda que nos compete, los de Sheffield Reino Unido, ¡DEF LEPPARD!!!. Pasa y acontece que en cuanto a biografías e historias referentes al heavy metal o rock real (no me salgan con Marilyn Manson o Linkin Park) casi no hay buenas películas. En su mayoría han sido odas pestilentes a la ñoñería pop producidas por gente que no conoce el género o solo llegan a ser fans ocasionales del punk rock y eso mis amigos no es heavy metal. Tal vez como rockero sea la emoción de tener en cinemascope color la historia de esta gran banda: pero no, la peli funciona como entretenimiento dominguero y documento histórico, ahí están las cuitas iniciales de estos músicos hasta llegar a concretar su álbum mas celebre y mega millonario el HYSTERIA de 1987. Básicamente la cinta inicia con el reclutamiento de los integrantes todos jóvenes obreros de empresas siderúrgicas de la ciudad de Sheffield a mitad de los años setentas cuando las bandas de punk empezaban a ganar terreno en el gusto de los jóvenes británicos. 

Joe Elliot (vocalista) y Steve Clark (guitarrista) tras deshacerse debido a conflictos de intereses (es decir: era un hijo puta alcohólico que no rendía en la banda) del primer guitarrista Pete Willis empiezan audiciones para reclutar melenudos instrumentistas que coincidan con sus gustos y estética musical; por que la onda visual acá es tan importante como en cualquier otro show, así que en un bar de mala muerte topan con el virtuoso guitarro Phil Collen un tipo afable y carismático y junto al adolescente baterista Rick Allen y el bajista Rick Savage completan la banda triunfadora. 

Acá comienzan los problemas de una banda exitosa marcada por innumerables sucesos trágicos, y es que al Leopardo Sordo la fama le costo caro. La película nos muestra la grabación de sus dos primeros albunes On Through the Night y High 'N' Dry (1980 - 1983) en medio de limitaciones económicas y muchas ganas de comerse el mundo. Para la grabación de su tercer acetato aparece su ángel guardián, el hombre que los llevaría a la fama, el productor Robert John Mutt Lnage interpretado acertadamente por la ex estrella ochentera experto en actuaciones de nerd rechazado ,Anthony Michael Hall, quien les obliga a pulir su sonido hasta el desmayo, repitiendo pistas musicales una y otra vez sin descanso una especie de Stanley Kubrick de la música con el cual dan a luz su tercer álbum el Pyromania 1983, con el cual consiguen entrar a los listados estadounidenses vendiendo 20 millones en el mundo .

Y en este punto la película que es mas un anecdotario muy bien narrado nos muestra la forma infantil en que el baterista Rick Allen pierde un brazo durante un accidente automovilístico, el trauma quirúrgico que pasa y como la banda decide esperarlo para la grabación de su siguiente álbum. Def leppard es la banda europea de heavy del momento, pero también el receso obligado crea serias dudas sobre si podrán superar la calidad en un nuevo álbum, acá comienza la segunda parte de la película, se centra en la grabación del exitoso Hysteria 1987, las peleas, los enfrentamientos de egos las frustraciones personales sumadas al consumo de alcohol y drogas, aparecen como el condimento lógico en medio de la fama y la cinta las recrea de manera tan didáctica como efectiva, las fiestas con toneladas navegables de champaña , las modelos cachondas y el rock lisérgico hacen su aparición mientras el ruido de backtage se acrecienta, y en su ciudad natal en Inglaterra los reciben a tomatazos por que los consideran unos vendidos a los yankies. 

Esta parte de la cinta es la mas intensa y los protagonistas consiguen moldear las interpretaciones con un acento más maduro, los personajes están dolidos y prevenidos contra la fama, pero la fama es inevitable y a la salida del ya nombrado HYSTERIA esta se consolida, el álbum perfecto de heavy HARD rock con siete éxitos singles en los listados y una gira monumental a la altura de otras mega bandas tipo Metallica o AC DC. Pero a Def Leppard le faltaba su mayor tragedia, la muerte por abuso de drogas de su guitarrista Steve Clark, la película evita los detalles feos del suceso, pero lo deja bien claro para que el espectador moje los ojitos con eso que llaman lágrimas. En general una cinta disfrutable incluso para los que no gustan del rock, igual que The Doors de Oliver Stone, intereso a todos y ocasiono una nueva horda de seguidores de ese grupo los que ojeen esta cinta sudorosa, nostálgica de los ochentas y emotiva podrán encontrar una nueva banda a seguir. Una cinta que es un homenaje a la forma de hacer música en tiempos donde aun existina las estrellas de rock apasionadas.

Dirige Robert Mandel dedicado principalmente a series de tele como Lost , Prison Break y cintas para la televisión. La pueden encontrar en youtube subtitulada.

CAPSULAS DEL PAREDON: “Jungle / Jungla” de Greg McLean – Por Christian Dorian.

El cine siempre ha sido el lugar perfecto para las aventuras a tierras desconocidas ya sea Marte, otras dimensiones o las selvas inhóspitas terráqueas, recordemos “El Salario Del Miedo” (1953), “La Misión” (1987), “Deliverance” (1972) o “Perdidos En El Desierto” (1969). En este caso ha tocado el turno al insoportable, Harry Potter alias Daniel Radcliffe, que interpreta a Yossi Ghinsberg un joven estadounidense que en 1981 decidió tomar su año sabático embarcándose en la típica aventura de los extranjeros en Latinoamérica, ir a conocer aborígenes y uno que otro lugar típico turístico como Machu Pichu en Perú. 

Pues vale, al llegar a Bolivia, donde se une a otro grupo de compatriotas en especial otros dos jóvenes Kevin y Marcus, con quienes comparten sus intereses mochileros y tras una visita sin contratiempos por la localidades bolivianas consumiendo alucinógenos y pasándola sabroso, se encuentran con un misterioso explorador llamado Karl que asegura poder llevarles a un lugar en lo profundo de la jungla donde los turistas regulares jamás se atreven, y donde les esperan maravillas naturales inimaginables.

¿Ya no hemos escuchado eso miles de veces? ¿En especial en las cintas de terror? Resulta que Yossi convence a sus reticentes amigos de aceptar la aventura y se internan en lo profundo de la selva, donde poco a poco la naturaleza salvaje húmeda y ponzoñosa les va restando fuerzas obligando a la mitad del grupo a desistir de la misión, solo Yossi y Kevin continúan sin imaginarse las penurias que les esperan, llagas en los pies, gusanos bajo la piel, inanición, fiebres en fin el catálogo de enfermedades es amplio y vomitable. Es curioso porque Daniel Radcliffe protagonizaría casi al mismo tiempo que sale esta película otra comedia negra similar “pero distinta” llamada “Swiss Army Man” sobre dos náufragos uno vivo y otro muerto, él era el muerto talvez ustedes la vieron y la padecieron o les gustó mucho ¡da igual! 

Desde la celebrada “127 Horas” con un James Franco amputándose el brazo, las pelis de aventureros irresponsables han vuelto a tener un aliento. “Jungla” es una cinta efectiva, con un suspenso aletargado que puede convencer a los espectadores con más paciencia, con un protagonista que intenta desesperadamente verse adulto, o al menos desea alcanzar un rango dramático superior al de agitar una varita y volar en una escoba, y es que a muchos ver a Daniel Potter en esta película les saca de la historia, no los deja concentrarse en esa odisea selvática. 

¡QUE PUDO TENER MEJOR DESARROLLO!, “Jungla” se deja ver como lo que es, un catálogo de penurias simplonas, previsibles, que puede causar efecto en los públicos más livianos. Se deja ver como lo que es, una película de lucimiento fallido de Daniel Potter. Dirige Greg McLean quien había incursionado en el suspenso con una copia de “Saw” llamada “The Belko Experiment” (2016) y también “Río de sangre” 2007 sobre un cocodrilo asesino en Australia. Ya vendrán otras historias reales mejor plasmadas en el cine.