“La Pointe Courte” de Agnès Varda (1955) - Por Frank Binueza

“La Pointe Courte” es una pequeña aldea de pescadores en el sur de Francia, cuya humilde existencia se ha visto alterada de forma reciente, ante la prohibición de realizar sus labores de pesca en una pequeña laguna del lugar. Un hombre joven, nacido en la localidad, espera a su esposa que viene de París, para pasar unos días en el lugar, sin embargo ella, llena de dudas sobre el matrimonio, vacila en solicitar el divorcio. Ambos reflexionan sobre su situación, teniendo el día a día de la aldea como trasfondo. 

“Ser felices a cualquier precio es lo que nos ha llevado a esta situación… ¿Nos amamos de verdad o vivimos juntos por costumbre?”

Sin ningún tipo de experiencia cinematográfica, la en ese entonces fotógrafa Agnès Varda decide filmar su ópera prima “La Pointe Courte”, tras varios días de trabajar en el lugar, captando imágenes para un amigo con una enfermedad terminal que ya no podía visitar el lugar. Autofinanciada con un limitado presupuesto, con un guion escrito por ella misma, y utilizando en su mayoría actores no profesionales (sólo dos profesionales), el filme mezcla elementos de ficción con una estética documental, inspirada en el neorrealismo. Los lentos y temblorosos movimientos de cámara nos descubren el horizonte del pueblo pesquero, que fundido en nítido blanco y negro tiende a mostrar una apariencia hipnótica, elegante y surrealista, a pesar de su carácter humilde y simple.

El filme claramente se divide en dos tramas que ven unidas intrínsecamente, por un lado el día a día del pueblo, sus pescadores y los problemas que se enfrentan por las recientes restricciones a la pesca en la zona, los dramas familiares normales y la cruda vida de las afueras; mientras que por otro lado está el idilio de la joven pareja que llega al lugar, quienes en medio de reflexiones filosóficas deciden el futuro de su matrimonio. La combinación de estéticas y el forzado intelectualismo convertiría al filme en el principal referente de la “Nouvelle Vague”, causando incluso los celos de Alain Resnais, quien trabajó como editor de la misma, y quien vio en “La Pointe Courte”, el estilo de filme que él mismo quería hacer. Abstracción y problemas sociales, filosofía y realidad, reclamos a las instituciones de gobierno, a la sociedad, y gatos, muchos gatos, todas las marcas del cine de Agnès Varda, en su quizá injustamente olvidada primera cinta.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “La Pointe Courte” (1955)

Director: Agnès Varda.

Guion: Agnès Varda.

Reparto: Silvia Monfort,  Philippe Noiret.

Género: Drama, Cine Experimental.

País: Francia.

“Le Havre” de Aki Kaurismäki (2011) - Por Frank Binueza

Marcel Marx es un antiguo escritor bohemio quien se ha exiliado voluntariamente en la ciudad portuaria de Le Havre, Francia. Tras renunciar a sus ambiciones literarias, lleva una vida simple al lado de su esposa Arletty, mientras trabaja como limpiabotas. Cuando Arletty enferma de forma inesperada y grave, en el camino de Marcel se cruza Idrissa, un joven inmigrante ilegal africano, quien es buscado por las autoridades. Armado únicamente con su optimismo y la incondicional solidaridad de sus amigos y vecinos, Marcel hará todo lo posible por ayudarlo y evitar su deportación.

“¿Por qué tiene que dictar la sociedad lo que está bien o mal?”

Simpleza y honestidad, son dos cualidades necesarias para que la belleza del mundo pueda traducirse en la pantalla, a pesar del pesimismo y la frialdad que la sociedad moderna nos ofrece, siempre es posible encontrar esa belleza en las cosas pequeñas, en la mirada de un niño, en la bondad de los extraños, en la esperanza de una vida mejor. Estas aparentemente pequeñas cosas son mostradas por el director finlandés Aki Kaurismäki, a través de un potente alegato a favor de las clases menos privilegiadas, con el difícil tema de la migración ilegal en Europa como trasfondo.

Realizando un poético y elegante pero sin artilugios homenaje a los grandes directores franceses, Kaurismäki nos presenta en esta tragicomedia lo mejor y lo peor de la sociedad, una donde aparentemente no hay héroes ni villanos, a través de personajes simples pero honestos, envueltos en una situación inesperada, en donde la conciencia social es mostrada sin ningún atisbo de sensiblería, una fábula sobre cómo debería ser el mundo, pero sin olvidar que éste sigue siendo un lugar implacable, que no va a cambiar de la noche a la mañana, no sin un pequeño esfuerzo de cada uno de nosotros por hacer de él un mejor lugar para vivir. 

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Le Havre” (2011)

Director:  Aki Kaurismäki

Guion: Aki Kaurismäki

Reparto: André Wilms,  Kati Outinen,  Jean-Pierre Darroussin,  Blondin Miguel,  Elina Salo, Jean-Pierre Léaud,  Evelyne Didil.

País: Finlandia, Francia, Alemania

Género: Comedia, Drama

“Trenes Rigurosamente Vigilados” de Jirí Menzel (1966) - Por Frank Binueza

Durante la ocupación nazi de Checoslovaquia, el joven Milos Hrma empieza a trabajar en la estación de trenes local, con la esperanza de escapar de la maldición de los varones de su familia, quienes nunca han sido considerados verdaderos hombres. La tranquilidad del lugar se verá interrumpida por la misión impuesta por el colaboracionista director de ferrocarriles del pueblo, quien les encarga proteger ciertos trenes estratégicos, indispensables para los planes de dominación del Tercer Reich en Europa central. Sin embargo Milos tiene sus propios problemas, ya le es imposible satisfacer los deseos sexuales de su novia, debido a su extrema timidez, lo cual se verá aún más agravado cuando se involucre en un movimiento de resistencia contra los nazis.

“El doctor me recetó que me enseñase una mujer con experiencia… y yo he pensado que quizá usted conozca alguna”

Basada en la novela homónima de Bohumil Hrabal, “Trenes Rigurosamente Vigilados” es la ópera prima del director Jirí Menzel, ubicada dentro de la Nueva Ola Checoslovaca, un movimiento de vanguardia que floreció en Checoslovaquia entre 1963 y 1968, un período lleno de libertad artística en donde los filmes estaban llenos de críticas sarcásticas gubernamentales, humor absurdo, surrealismo y referencias sexuales. 

Precisamente “Trenes Rigurosamente Vigilados” es una peculiar mezcla de drama, comedia y cine bélico, cuyo personaje central Milos Hrma, está completamente alejado de los clásicos héroes europeos de la Segunda Guerra Mundial, ya que es un joven sexualmente inexperto, exageradamente sensible y tímido, y quizá un poco egoísta. Pero son precisamente dichas características lo vuelven interesante, al ser un antihéroe creíble, un personaje de carne y hueso, frágil, real y accesible.

Filmada en locaciones reales de la antigua Checoslovaquia, el filme está salpicado de veladas referencias sexuales y reivindicaciones nacionalistas, mientras nos muestra el “sacrificio” que un joven hace por su patria y por el amor (o la satisfacción) de una mujer…

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Ostre sledované vlaky / Trenes Rigurosamente Vigilados” (1966)

Director: Jirí Menzel

Guion: Jirí Menzel, Bohumil Hrabal, basado en la novela homónima de Bohumil Hrabal

Reparto: Václav Neckár,  Josef Somr,  Vlastimil Brodsky,  Vladimír Valenta,  Alois Vachek, Ferdinand Kruta,  Jitka Bendová,  Jitka Zelenohorská

Género: Comedia, Drama, Cine Bélico, Nueva Ola Checoslovaca

País: Checoslovaquia

"Bacalaureat / Los Exámenes" de Cristian Mungiu (2016) - Por Paul Torres

Dirección: Cristian Mungiu

País: Rumanía

Sinopsis: Romeo es un médico de casi 50 años que dejó atrás las ilusiones relacionadas con su matrimonio, ahora acabado, y su Rumanía, destrozada por los acontecimientos. Para él todo lo que importa ahora es su hija, de 18 años. Tras los exámenes finales, la joven irá a estudiar a una prestigiosa escuela en Inglaterra. En la víspera del examen, la hija es atacada en la calle. A partir de entonces, hará todo lo posible para garantizar que ello no perturbe el destino que ha elegido para su hija. (FILMAFFINITY).

Suena un ruido. Una piedra acaba de romper una ventana de nuestro hogar. No tenemos tiempo para averiguar quién la ha lanzado, buscando rápidamente la motivación del infractor. Este es el prólogo de Los exámenes, guiándonos directamente a otro excelente filme europeo: Caché (2005) de Michael Haneke. 

Si el director austriaco utilizaba grabaciones para reflexionar sobre la conciencia de la sociedad europea, Mungiu las cambia por rocas. Un inteligente recurso para perturbar el mundo de los protagonistas y obligarles a examinar sus actos, teniendo en cuenta la fragilidad de la cuarta pared para ambos realizadores. Tras el lanzamiento de la piedra, el cristal queda destrozado, originando el dilema sobre cómo arreglarlo. El padre de la familia aboga por tapar el hueco con un simple papel, mientras la madre apuesta por poner barrotes. A primera vista la respuesta es trivial; no obstante, se esconde una trascendencia vinculada con la visión del estado de un país. 

Pues en Los exámenes, Cristian Mungiu ausculta a una nación enferma, detectando graves trastornos en el paciente. Sin embargo, este médico no determina las causas de los males ni su curación. Una decisión por no juzgar, únicamente exponiendo las certezas interiorizadas por todos los habitantes. Ante todo un sistema corrupto, organizado y aceptado, de cuyas telas es difícil escapar. Redes que van desde la policía y los políticos hasta las personas con profesiones humildes. Al final, la traición a los principios de confianza no varía según el cargo. Uno de los planos recurrentes en la cinta es una conversación entre dos personajes situados a los lados, con un punto de fuga central, simbolizando una escapatoria. 

Esa puerta, ventana o carretera son desiertos caminos éticos, invitando a elegir ese itinerario a los protagonistas. Alternativa de futuro que debe surgir desde la educación, recalcando que cada senda transitada constituye una lección.

“La Muerte del Señor Lazarescu” de Cristi Puiu (2005) - Por Frank Binueza

Dante Remus Lazarescu es un solitario y alcohólico anciano que vive en un destartalado departamento junto a tres gatos. Tras dos días de jaquecas y vómitos, el Sr. Lazarescu decide pedir ayuda a sus vecinos y al servicio de ambulancias. La suerte no lo acompaña, ya que se pone indispuesto justo la noche en la que un grave accidente de tráfico ha repartido gran cantidad de heridos en todos los hospitales de la ciudad, y ninguno quiere internarlo. A la escasez de camas y quirófanos se une la indiferencia de su personal ante el drama del Sr. Lazarescu y la desgracia colectiva. Únicamente la Sra. Mioara, la enfermera de emergencias de la ambulancia, acompaña obstinadamente al anciano en un descenso a los infiernos de la burocracia sanitaria rumana…

“El problema con ustedes los intelectuales, es que creen que saben más que los doctores…”

Un anciano moribundo, una enfermera testaruda, y una ambulancia destartalada, sirven como vehículo para un absurdo y agónico viaje, que a lo largo de unas pocas horas, nos muestra la peor cara de una sociedad egoísta, mientras realiza una amarga crítica al sistema de salud rumano, en donde la burocracia, el cansancio y la indiferencia ante el sufrimiento ajeno, son parte el pan de cada día, y que por desgracia fácilmente puede encontrarse en cualquier lugar de la llamada sociedad occidental. Sin embargo Cristi Puiu no deja bien parado a ninguno de los involucrados, ya que también el protagonista, el “Sr. Lazarescu”, tampoco es el paciente ideal, ya que es un alcohólico con mal genio, que negligentemente ha descuidado su salud. 

Utilizando un formato casi documental, con reminiscencias al neorrealismo italiano o al cine independiente estadounidense de los 70’s, el rumano Cristi Puiu utiliza sus propias experiencias con el sistema de salud de su país, y en especial el polémico caso de Constantin Nica, un hombre de 52 años, que en 1997 tras no ser atendido en diversos hospitales, los paramédicos lo dejaron morir en la calle. “La Muerte del Sr. Lazarescu” es la primera de una serie de seis películas escritas por Puiu denominadas “Six Stories from the Outskirts of Bucharest”, inspiradas en respuesta a la serie “Six Tales Moral Tales” del director francés Éric Rohmer. Puiu pretende que la serie explore seis tipos de historias de amor, retratando en “La muerte del Sr. Lazarescu” el amor por el prójimo.

Filmada durante 39 noches, entre noviembre y diciembre de 2014, con bajo presupuesto y casi en tiempo real, el filme está lleno de intensos y temblorosos planos secuencias, locaciones claustrofóbicas, actuaciones y diálogos creíbles, y un humor muy negro, mientras muestra con realismo y de forma imparcial los infiernos kafkianos del bienestar público.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Moartea domnului Lazarescu / La Muerte del Sr. Lazarescu” (2005)

Director: Cristi Puiu

Guion: Cristi Puiu, Razvan Radulescu

Reparto: Ioan Fiscuteanu,  Luminita Gheorghiu,  Mimi Branescu,  Dana Dogaru, Florin Zamfirescu,  Mihai Bratila,  Monica Dean,  Bogdan Dumitrache

Género: Drama Social, Humor Negro

País: Rumania

"Røverdatter / My Heart Belongs to Daddy" de Sofia Haugan (2018) - Por Paul Torres

Dirección: Sofia Haugan

País: Noruega

Sinopsis: Sofía, una joven y dura directora recién llegada a la escuela de cine, se reúne con su padre. Ha pasado más tiempo en prisión que fuera de ella y vive una vida marcada por la adicción y la criminalidad. Su mayor dolor es que perdió a Sofía. Su mayor esperanza es que ella pueda ayudarlo a ponerse de pie y reparar las ataduras rotas. Con su característico humor oscuro, luchan por la verdad y la amistad contra la adicción y un sistema que está destinado a ayudarlos.

la directora se retrata a sí misma y a su padre en My Heart Belongs to Daddy. Este hombre, que ha pasado más tiempo dentro de la cárcel que fuera de ella y que es alcohólico desde los 14 años, tiene que enfrentarse a dos batallas: mantenerse limpio y cerrar las heridas familiares para reconstruir relaciones rotas. Para Sofia, no es fácil ayudar a un padre que no ha sido de fiar en 54 años. Muchas de las escenas de la película son trágicas, como la larga secuencia donde él se inyecta anfetaminas. “¿Por qué necesitas chutarte ahora?”, pregunta ella. “Porque mañana empiezo el tratamiento. Necesitaré algo de lo que desintoxicarme”. El humor surge en los momentos más tristes, a medida que los miembros de la familia se van acercando.

Sería muy reduccionista clasificar este documental como “privado”. Røverdatter, su título en noruego, indaga en uno de los temas más íntimos: la relación con un padre.

“Imitation Life” de Douglas Sirk (1959) - Por Frank Binueza

La viuda y aspirante a actriz Lora Meredith (Lana Turner), busca desesperadamente a su hija Susie en la atestada playa de Coney Island. La niña ha sido encontrada por Annie Johnson (Juanita Moore), una madre soltera afroamericana, y su hija Sarah Jane, una niña blanca y un poco mayor que Susie. Lora invita a Annie y a su hija a su casa cuando descubre que ambas no tienen hogar, creando un fuerte lazo entre ambas mujeres y sus hijas. Los años pasan, y la fortuna de Lora empieza a mejorar convirtiéndose en una famosa actriz de teatro, pero tanto ella como Annie deberán enfrentarse a grandes problemas con sus respectivas hijas.

“¿Cómo le explicas a tu hija que ha nacido para ser herida?”

Dos puntos de vista muy diferentes de la maternidad, unidos por una fuerte amistad. Por un lado una ambiciosa actriz, quien trabaja incansablemente para dar a su hija todo lo que ella no tuvo, pero que la priva de lo más importante, su amor y compañía. Por otro lado, una mujer que ha sacrificado toda su vida por su hija, pero cuya abnegación no es correspondida por ésta, ya que ella se avergüenza de su madre por su color de piel. Un sensible melodrama con un claro componente de denuncia contra el racismo, una historia que fácilmente podría caer bajo el estigma de “telenovela”, sino fuera por la cuidada y elegante dirección de uno de los maestros del melodrama de Hollywood, Douglas Sirk.

Siendo la última película filmada en Estados Unidos por el director alemán, “Imitation of Life” es una arriesgada visión de la sociedad estadounidense de los años 50’s, ubicada en medio de la lucha por los derechos civiles y los últimos años de Código Hayes, el filme explora temas como la pobreza, el racismo agresivo, la corrupción en el mundo del espectáculo, el materialismo, la hipocresía y la doble moral. Si bien la película se enfoca en los problemas de los cuatro personajes femeninos principales, el trasfondo de toda la historia es el amor de madre, y la reivindicación de la figura femenina dentro de una sociedad corrupta y condescendiente. 

Inspirada libremente en la novela homónima de Fannie Hurst, y filmada con una saturada paleta de colores, la suntuosidad de las locaciones y vestuarios (los más caros de su época), esconde una inesperada profundidad, “Imitation of Life” es una celebración a la vida y la maternidad, un escape a una existencia sin afecto, a una imitación de la vida…

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Imitation of Life / Imitación a la Vida”

Director: Douglas Sirk

Guion: Eleanore Griffin y Allan Scott, basado en la novela homónima de Fannie Hurst

Reparto: Lana Turner, Juanita Moore, John Gavin, Susan Kohner, Sandra Dee, Dan O'Herlihy, Robert Alda, Mahalia Jackson, Terry Burnham, Karin Dicker, Troy Donahue

Género: Melodrama, Drama Familiar, Racismo

País: Estados Unidos

“Madeo” de Bong Joon-ho (2009) - Por Frank Binueza

Una madre soltera de mediana edad regenta una tienda de hierbas medicinales, en una pequeña ciudad meridional de Corea del Sur. Junto a ella vive su único hijo, Do-Joon, un hombre de 27 años con una leve discapacidad intelectual, cuya conducta ingenua e infantil es una preocupación constante para su afligida madre. Cuando una chica aparece muerta en la localidad, las sospechas recaen sobre Do-Joon, lo cual será el inicio de la odisea de una madre por probar la inocencia de su hijo…

“¿Por qué firmaste esa confesión? Incluso si la mataste, debiste haberlo negado”

La extraña y aparentemente inconexa escena de apertura, con la legendaria actriz surcoreana Kim Hye-ja realizando un hipnótico baile en medio del campo, no nos prepara para la historia que estamos a punto de ver, un sobrio thriller dramático en el que el director surcoreano Bong Joon-ho, nos muestra la lucha de una madre por defender la libertad de su hijo, condenado por un asesinato que supuestamente no cometió, y que ha sido utilizado como chivo expiatorio para dar una salida rápida a un crimen.

Mezclando el thriller policial y el drama familiar, salpicado con comedidas pinceladas de humor negro, el director se las arregla para criticar a una sociedad que está presta para acusar a una persona de bajos recursos y sin ser completamente consciente de sus actos, mientras presenta de manera ambigua las nociones sobre el bien y el mal, cubriendo de un manto de oscuridad a un extraño e íntimo vínculo madre e hijo, una relación enfermiza de codependencia.

Estrenada durante el Festival Internacional de Cannes de 2009, “Madeo” también conocida como “Mother”, es un brillante thriller que por medio de hermosas (y espeluznantes) imágenes, y sin caer en sentimentalismos, nos muestran que para una madre, los límites para defender a un hijo no existen.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Madeo / Mother” (2009)

Director: Bong Joon-ho

Guion: Bong Joon-ho, Park Eun-kyo, Park Wun-kyo

Reparto: Kim Hye-ja, Won Bin, Ku Jin, Yoon Je-Moon, Jeon Mi-Seon, Song Sae-Byeok, Chun Woo-hee, Jo Kyung-Sook, Lim Hyung-Guk, Byoung-Soon Kim, Gin-goo Kim, Moo-yeong Yeo, Young-Suck Lee, Hee-ra Mun, Mi-do Lee.

Género: Thriller, Drama Familiar, Drama Psicológico

País: Corea del Sur

"An Elephant Sitting Still / Un Elefante Sentado y Quieto" de Hu Bo (2018)

AN ELEPHANT SITTING STILL / UN ELEFANTE SENTADO Y QUIETO

Dirección: Hu Bo

País: China

Año: 2018

Sinopsis: Un día desde el amanecer hasta el anochecer, con varios personajes intentando tomar un tren para escapar de la espiral descendente en la que se encuentran. (FILMAFFINITY).

La soledad, como se ha dicho, es motor de la narración, pero hay algo aún más importante que se deriva de ella: la culpa. Los protagonistas de An Elephant Sitting Still se sienten culpables e, incapaces de lidiar con tan desalmado sentimiento, tratan, de formas tan cobardes como absurdamente lógicas, de pasarlo a quienes los rodean, respondiendo así a la decepción que sienten por no haber encontrado consuelo en nada ni nadie. Y es que, aunque rara vez están estos hombres y mujeres, jóvenes y no tan jóvenes, físicamente solos, casi nunca los vemos disfrutar de la compañía de otros seres humanos, quienes, a través de acoso, recriminación o deslealtad, constituyen a menudo el motivo primero de la congoja. 

Apenas hay tiempo además para la esperanza o la redención, lo cual no resulta nada sorprendente considerando el destino que deparó al propio Hu Bo, quien enfatiza la angustia con colores mortecinos, sonidos sobrecogedores y fríos diálogos cortados in media res, derivados estos últimos de la historia homónima acogida por la novela Huge Crack, publicada por él mismo tan sólo un año antes (en 2017, o sea, con posterioridad al rodaje, que dio comienzo en julio de 2016). Mención especial merecen la fotografía y el montaje (o la falta de él), pues las escenas se alargan debido a una apuesta extrema por el plano secuencia: rechazándose de pleno el clásico plano-contraplano, se opta en su lugar por mover la cámara de un personaje a otro, lo que puede hastiar a espectadores impacientes pero es en realidad perfectamente orgánico atendiendo al sobrio carácter de la propuesta.

No hay, de hecho, intento alguno por embellecer la banalidad del día, recordando la cruda representación de la sociedad china a la albergada por cintas como La bicicleta de Pekín (Wang Xiaoshuai, 2001), Naturaleza muerta (Jia Zhang ke, 2006) o Baby (Jie Liu, 2018), en contraste a la apuesta por el colorido exotismo que suele triunfar internacionalmente. (Escrito por Juan Roures)

“Mother India” de Mehboob Khan (1957) - Por Frank Binueza

La hermosa y diligente Radha, se casa con el soñador Shamu, en una suntuosa ceremonia, que ha sido costeada por la madre de Shamu a través de un préstamo con el astuto Sukhilala. Sin embargo el trato es engañoso, y solamente el pago de intereses consiste en dar tres cuartas partes de su cosecha. Los años pasan y la cuenta nunca logra ser pagada. Abatidos por la pobreza, Radha y Shamu trabajan duramente la tierra, pero cuando en un accidente Shamu pierde sus brazos, la humillación de ser mantenido por su familia hace que abandone a su esposa y a sus hijos. Decidida a sacar a sus hijos adelante, Radha se hará cargo de la deuda sin perder nunca su dignidad…

“Mostrar el camino es fácil, pero andar por el camino es muy difícil”

Un clásico drama épico de Bollywood, y una de las producciones más caras de toda la historia en la India, eso es “Mother India”, una historia con grandes tintes nacionalistas, de empoderamiento femenino, valorización de la figura de la mujer hindú, y de veneración a uno de los elementos más importantes de la sociedad: La Madre. Su título filme fue elegido como abierto desafío al polémico libro “Mother India” de Katherine Mayo, quien ataca de forma inmisericorde la vida y costumbres en la India, en medio del proceso de independencia del país.

Llena de coloridos vestuarios, elaboradas coreografías, y grandes cantidades de actores y extras en escena, el filme recorre la vida de su protagonista durante más de 30 años, mezclando como es costumbre en Bollywood, el drama familiar con momentos cómicos, secuencias de acción y muchos números musicales. Basado en el guion de la película “Aurat” de 1940, la historia fue reescrita para enaltecer la imagen de la figura femenina dentro de la sociedad hindú, aprovechando la reciente independencia del país, mostrando paralelismos con las divinidades hindúes y el importante papel que desempeña la mujer rural en sus comunidades.

Con grandes dosis de drama y sacrificio, “Mother India” es uno de los clásicos del cine mundial que estableció los códigos estéticos de la industria de Bollywood, y que nos presenta la lucha eterna de la madre por el bienestar de su familia y la conservación de los valores morales de su cultura.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Mother India / Madre India” (1957)

Director: Mehboob Khan

Guion: Wajahat Mirza, S. Ali Raza 

Reparto: Nargis, Sunil Dutt, Rajendra Kumar, Sheela Naik, Geeta, Raaj Kumar, Kanhaiyalal Chaturvedi, Kumkum, Ram Shastri, Mukri, Sitara Devi, Azra, Chanchal, Sajid Khan

Género: Drama Épico, Musical

País: India

“Serial Mom / Mamá es una Asesina” de John Waters (1994) - Por Frank Binueza

Beverly Sutphin (Kathleen Turner) parece ser la típica ama de casa y madre. Adora cocina, cuidar de su casa y su familia, y siempre está alegre. Ella vive en los suburbios de Baltimore, junto a su esposo, el dentista Eugene Sutphin (Sam Waterston), y sus dos hijos adolescentes, Misty (Ricki Lake) y Chip (Matthew Lillard). Pero en secreto, Beverly es una asesina en serie, quien ante la más mínima amenaza para su familia o el más trivial desaire contra las buenas costumbres, desata su impulso homicida…

“Todos tenemos nuestros días malos”

Una buena madre es capaz de todo, una madre asesina va un paso adelante… El título de la película no nos deja ninguna duda, estamos frente a una comedia muy negra, que detalla de forma macabra y divertida una serie de asesinatos cometidos por una angelical ama de casa, todos ellos con grandes dosis de ingenio y encomiable instinto maternal. Bajo esta premisa disparatada, John Waters hace una nueva crítica a los modelos impuestos sobre la familia de clase media estadounidense, teniendo como trasfondo su amado (y caricaturesco) Baltimore.

Mezclando humor negro y crimen, el autoproclamado “Príncipe del Vómito”, John Waters, repite una fórmula que ha utilizado hasta el hartazgo, que sin embargo logra mostrar varios chispazos de la “calidad” a lo que nos tiene acostumbrado, en donde la locura y simpatía de su protagonista (una inolvidable y chocante Kathleen Turner), se roban completamente el espectáculo, mostrando la doble cara de sociedad, una imagen que contrasta con las representaciones de madres bizarras dentro de la filmografía de Waters, en especial aquellas que realizara su musa, Divine.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Serial Mom / Mamá es una Asesina” (1994)

Director: John Waters

Guion: John Waters

Reparto: Kathleen Turner, Sam Waterston, Ricki Lake, Matthew Lillard, Suzanne Sommers, Mink Stole, Patty Hearst, Scott Wesley Morgan, Walt MacPherson.

Género: Comedia Negra, Asesinos Seriales, Cine Independiente

País: Estados Unidos

“Magnolia” de Paul Thomas Anderson (1999) - Por Frank Binueza

La coincidencia, la intervención divina y el destino se unen para alterar por completo la vida de una serie de personas, nueve tramas paralelas que tienen lugar en el Valle de San Fernando, Los Ángeles, que durante unas horas se embarcaran en una profunda odisea moral. Un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex niño prodigio, un anciano moribundo, un orador motivacional y gurú del sexo, una esposa trofeo, un policía con buenas intenciones, una mujer drogadicta y un enfermero preocupado, sus vidas aparentemente inconexas guardan una extraña relación que poco a poco llega a un inesperado clímax. 

“Podemos haber terminado con nuestro pasado, pero nuestro pasado no ha terminado con nosotros”

Tres historias llenas de coincidencias increíbles sirven como prólogo, su propósito, sugerir que en nuestra efímera existencia, hay fuerzas más grandes que el simple azar, que juegan un papel crucial en lo que llamamos “vida”. Así inicia “Magnolia”, uno de los proyectos más ambiciosos del genio Paul Thomas Anderson, que durante más de 3 horas y con un amplio elenco coral encabezado por Tom Cruise, Jason Robards, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Philip Baker Hall, Melinda Dillon, John C. Reilly, entre otros, nos ofrece una profunda visión de la sociedad contemporánea estadounidense (y en general de la sociedad occidental moderna), llena de temores, remordimientos, soledad y muerte, en donde además de la miseria que une a su peculiares personajes, hay fuerzas ocultas que hacen que coincidan en algún punto, teniendo la búsqueda de la redención y el perdón como meta final.

P. T. Anderson hace uso de sus marcas registradas, además de sus actores fetiches y los profundos problemas morales que los aquejan, el director se las arregla para utilizar amplias tomas largas en preciosos planos secuencias, que contrastan con el frenético montaje que salta de una historia a otra casi sin darnos tiempo de respirar, todo de la mano de la hipnótica música y voz de Aimee Mann, que nos traslada a la desesperación y miseria de los involucrados, mientras poco a poco las historias se van acercando cada vez más, y tal como uno de los personajes en medio de la oscuridad de una habitación se repite desesperadamente: “Estas son cosas que ocurren”…

A pesar de las críticas debido a su extensa duración, y a las concesiones finales que rozan en el drama cursi y lacrimógeno, “Magnolia” nos hace creer en cómo las coincidencias pueden afectar verdaderamente a la gente “común” y a sus pequeñas dramas personales, coincidencias como un semáforo en rojo, un programa de televisión o un peculiar fenómeno climático, que nos brindan esperanza a pesar de estar en el peor infierno o en una calle rodeado de ranas…

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Magnolia” (1999)

Director: Paul Thomas Anderson

Guionista: Paul Thomas Anderson

Reparto: Tom Cruise, John C. Reilly, Philip Baker Hall, William H. Macy, Jeremy Blackman, Melora Walters, Jason Robards, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Melinda Dillon, April Grace, Henry Gibson, Michael Bowen, Alfred Molina, Emmanuel Johnson, Felicity Huffman, Michael Murphy, Don McManus, Luis Guzmán, Patton Oswalt, Miriam Margolyes, Pat Healy, Ricky Jay.

País: Estados Unidos

Género: Drama, Historias Cruzadas, Película de Culto

El lado oscuro de Hollywood: La relación de Loretta Young, Clark Gable y Judy Lewis.

Dicen que a veces la realidad supera la ficción. Loretta Young, Clark Gable y Judy Lewis (derecha). ¿Que los une ? Judy fue la hija oculta de las 2 estrellas de Hollywood. Concebida durante la filmación de "Call of the Wild" (1934), Young y Gable acordaron ocultar al mundo la hija que iban a tener ante el temor que el escándalo destruyera sus carreras cinematográficas y es que Clark estaba casado. Cuando el embarazo ya se notaba Loretta se ocultó en Europa y al regresar a USA con Judy en brazos la entregó a un orfanato, recuperándola mediante una adopción "simulada" usando su poder como celebridad a los 2 años. 

Para cerrar el círculo Young contrajo matrimonio con Tom Lewis quien le dio su apellido a la niña. Gable solo tuvo contacto con su hija una tarde de 1950 cuando se apareció en casa de Young con el pretexto de conversar con Loretta que sería su compañera de rodaje en el film "Key to the City" (1950). Judy no podía con la emoción, una de las estrellas más famosas del mundo le dedicaba toda su atención e inclusive se despidió en forma muy cariñosa. Para Clark este fue el único contacto que tuvo con un hijo vivo puesto que su hijo John Clark nació cuando Gable tenía 4 meses de fallecido. Víspera de casarse, el novio de Judy le dijo lo que todos callaban y era ya vox populi: "eres hija de Gable". Judy encaro a su madre,quien se lo negó reiteradamente hasta que tuvo que admitirlo con la promesa que no fuera revelado "el secreto" hasta que Loretta muriera, sin embargo en 1994 se publico un libro de Judy donde se detalló el hecho lo que originó la ira de la madre que le quitó el habla a su hija. 

Tras 3 años de separación madre e hija se reconciliaron falleciendo Loretta en el año 2000 y Judy en diciembre de 2011 cerrándose el círculo de una de las historias más increíbles que se hayan conocido de Hollywood. Si , damas y caballeros : "la realidad supera la ficción".

Publicado por Jose Antonio Arteaga

“La Estrategia del Caracol” de Sergio Cabrera (1993) - Por Frank Binueza

Los inquilinos de “La Casa Uribe”, un viejo edificio en uno de los barrios más pobres de Bogotá, se enfrentan ante el inminente desalojo, realizado de forma fraudulenta por un millonario sin escrúpulos. A pesar de la infinidad de maniobras legales que realiza Romero (Frank Ramírez), apoderado legal de los inquilinos y mejor conocido como “Perro”, la lucha está prácticamente perdida. Sin esperanzas los vecinos deciden adoptar una arriesgada estrategia, propuesta por don Jacinto (Fausto Cabrera), un exiliado anarquista español, que les permitirá salvar su hogar y su dignidad…

“Hasta el viernes, y le entregamos la casa pintada”

Inspirado en un hecho de la vida real, el director Sergio Cabrera muestra las penurias de las clases más desprotegidas de la sociedad colombiana de la época. Utilizando grandes dosis de realismo mágico y humor, el filme no sólo muestra los efectos de la burocracia y la mala impartición de la ley, sino que también presenta la solidaridad de las personas unidas por una desgracia común, que atenta contra su modo de vida, una utopía por la lucha de clases y la ayuda común.

El abanico de personajes presentados, muestra una gran variedad de ideologías políticas, creencias religiosas, estratos educativos y preferencias sexuales, que fácilmente pueden acomodarse a cualquier país latinoamericano, y que lo transforman en un relato atemporal. Contado en forma de un gran flashback por un parlanchín culebrero a un incrédulo periodista (interpretado por el cantante Carlos Vives), sirve para denotar el carácter fantástico de la historia, que a pesar del optimismo final de la misma, no deja de ser un claro alegato en contra de la corrupción de las instituciones del estado, en donde la influencia y el dinero valen más que los derechos del ciudadano común y corriente.

Amena y con una historia aparentemente sencilla, “La Estrategia del Caracol” es una historia sobre la dignidad, algo a lo que toda persona tiene derecho, y una de las joyas del cine colombiano de los años 90’s, un canto a la vida y a la defensa del honor.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “La Estrategia del Caracol” (1993)

Director: Sergio Cabrera.

Guion: Humberto Dorado, Jorge Goldenberg, Frank Ramírez, Ramón Jimeno

Reparto: Frank Ramírez, Fausto Cabrera, Florina Lemaitre, Humberto Dorado, Delfina Guido, Víctor Mallarino, Salvatore Basile, Carlos Vives, Gustavo Angarita, Jairo Camargo, Ulises Colmenares, Marcela Gallego, Jorge Herrera, Luis Fernando Montoya, Edgardo Román.

Género: Comedia Dramática, Drama Social

País: Colombia