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"Cinema Paradiso"

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lunes, 31 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: “DOS CRIMENES” ROBERTO SNEIDER (MEXICO 1995) - Por Valentina Valentino



Escrita, producida y dirigida por Roberto Sneider, dos crímenes es una película mexicana basada en la novela homónima de Jorge Ibargüengoitia. Protagonizada por uno de mis actores favoritos que sin duda alguna se ha forjado un gran nombre en el cine mexicano Damián Alcázar, acompañado de José Carlos Ruíz, Pedro Armendáriz Jr., Margarita Isabel, Leticia Huijara y Dolores Hereida.

Dos crímenes dista de ser una comedia, es una crítica a la idiosincrasia latinoamericana en general y a la mexicana en particular. Esta mordaz visión realza los estereotipos del típico macho mexicano, infiel casi por naturaleza, interesado y ambicioso sin importar las consecuencias, es quizás la virtud principal de este filme. Dos crímenes es el pretexto perfecto para denotar estas cualidades con un atinado manejo de los personajes y un humor contagioso sin pretensiones ideológicas.


Marcos González, un mexicano que vive en el ya extinto Distrito Federal con su esposa la Chamuca, tras ser acusado de un asesinato que no cometió, y al percatarse de que agentes policiales lo esperaban en su casa para aprenderlo, como todo buen mexicano impulsivo decide emprender su huida a un pequeño y tranquilo pueblo llamado Muerdago, con la finalidad de obtener recursos para comenzar una nueva vida con su amada Chamuca.

Muerdago parece el lugar ideal para esconderse, después de todo ahí vive su millonario y desahuciado tío Ramón a quien no ve desde hace varios años, quien ve con buenos ojos la visita de su sobrino, pero su presencia ha sido empañada por los celos de sus primos, quienes llevan años como arpías esperando la herencia de su moribundo tío, y ven en Marcos una amenaza para alcanzarla finalmente.


Como es de esperarse en toda familia mexicana los sobrinos del afamado Don Ramón, llevan años esperando su partida, incluso han distribuido los bienes entre ellos, al menos teóricamente. Pero la llegada de Marcos, desestabiliza sus acuerdos, por lo que no dudaran en sobornarlo para que dejé la ciudad y regresé a la ciudad de México.

Como todo buen macho alfa lomo plateado, Marcos sucumbé ante los deseos de su prima política Amalia, envuelto en un juego de lujuria y deseo. A lo lejos se observa otro juego, envuelto entre juegos bromas e inocencia, Lucero la hija de su amante está jugando con fuego ¿pero hasta donde será capaz de llegar nuestro protagonista?


Producto de toda una cadena de eventos, se arma todo un embrollo lleno de intrigas, chantajes, sexo y traición que culminan en dos Crímenes dentro de la misma familia, lo que empezó como una escapada de la cárcel termina convirtiéndose en una verdadera tragedia.


RESEÑAS CINEFILAS PRESENTA CINE LATINOAMERICANO EL RINCÓN DE LAS VÍRGENES 1972 DE MÉXICO DIRIGIDA POR ALBERTO ISSAC AHUMADA. - Por Christian Dorian



Una adaptación cinematográfica en tono picarón de los cuentos de Juan Rulfo ANACLETO MORONES y EL DIA DEL DERRUMBE extraído de su volumen de cuentos de 1953 EL LLANO EN LLAMAS. Seguramente adaptar a Juan Rulfo es una aventura tanto ¿sentimental como artística extrema porque dentro de su costumbrismo cotidiano los personajes y las atmósferas que describe son tan específicos quedan tan quirúrgicamente definidos por la palabra en la mente del lector que verlos plasmados en pantalla resulta un riesgo aplaudible si se concreta bien. 


EMILIO EL INDIO FERNADES un protagonista clásico de la época dorada del cine mexicano interpreta a EL NIÑO EMILIO un venerado santón y curandero de potajes , cremas y yodos olorosos, que viste trajes blancos y collares, crucifijos , coronas de laureles y da discursos a grito pelado exaltados de castidad de las beatas que lo persiguen como a un rock star, repartiendo jaculatorias humorísticas que asombran a los lugareños. 


En realidad es un timador rural que se aprovecha de la credulidad de los religiosos católicos en su gran mayoría campesinos desesperados por la miseria y el abandono estatal para que en cada pueblo que visita con su caravana circense le lleven vírgenes adolescentes para que pasen la noche cuidándolo, protegiéndolo con su pureza y así hacer de las suyas con estas excitables crías. 

Un día en la población de Comala se topa a un joven buscador de fortuna llamado LUCAS LUCATERO interpretado por ALFONSO ARAU INCHAUSTEGUI el mismo que dirigiría años después COMO AGUA PARA CHOCOLATE o UN PASEO POR LAS NUBES esa romántica con Keanu Reeve. Este Lucas lucatero que vive de narrar películas mudas que se proyectan para los pueblerinos y le propone convertirse en el compinche insubordinado de los fraudes libidinosos y monetarios del NIÑO ANACLETO. Lucas se transforma en el voceador oficial de la caravana del santo dándole volumen propagandístico a sus correrías.


Más tarde a la muerte misteriosa del santo Lucas LUCATERO es perseguido por las viejas beatas para obligarlo a continuar con el legado místico religioso y promover su canonización ante el papa. Lucas se lo toma todo a broma y se niega a continuar la obra del NIÑO despotricando y desacralizando sus acciones, confesando la verdadera naturaleza de viejo verde y embaucador del difunto. La oralidad exuberante de los personajes, sus diálogos picarescos salpicados de sátira y mordacidad, en los duelos verbales en donde hay invencionismo de un idioma nuevo es el punto pintoresco y disfrutable en el guion de la cinta. La narración es ágil está hecha a retazos de flashbacks que crean esa tensión narrativa flashback uno dentro del otro y así hasta tejer una ensoñación atractiva que narra en voz en off el tal Lucas lucatero. 

En el cuento de ANACLETO MORONES los personajes son narrados desde su interioridad sin hacer casi ninguna descripción física pero acá en la versión fílmica quedan muy bien encarnados. El apartado dentro de la cinta que corresponde a el relato EL DIA DEL DERRUMBE encaja en la narración global simplemente es un esketche donde el gobernador del estado de Jalisco es atendido por los pueblerinos en una monumental comilona y lanza el típico discurso inentendible pero satisfactorio burocráticamente y acaece un terremoto, tan comunes en centro América. 

Es lógico que la película recurre a estirar la trama para llenar metraje pero de ninguna manera se resiente la trama original por el contrario los que somos amantes de Rulfo “en donde desde luego hay excepciones respetables “disfrutamos de una adaptación suculenta actoral y rítmicamente. También es lógico que el humor de la película no es bufo o está ahí buscando la risa fácil, es simplemente una consecuencia de la malicia de una cultura furiosamente doble moralista que produce muchas de estas historias y personajes aun hoy en día. 


Siempre se ha discutido de cómo las adaptaciones cinematográficas en su mayoría traicionan el mundo de Rulfo parodiándolo banalizándolo a niveles insignificante de entretenimiento onírico que no aportan nada nuevo ni develan lo ya conocido, es decir que igual que García Márquez o Vargas Llosa solo por nombrar un par de prolíficos creadores adaptados al cine su obra es anulada. La película no es solo una sátira del fanatismo religioso que en México como en algunas regiones de Latinoamérica es un asunto endémico, también es un repaso a la demagogia política y falsa moral del latino de a pie. 

El machismo cotidiano reductor de la mujer a concubina del poderoso y la sumisión del borrego religioso son condimentos sabrosamente cocinados en este atole fílmico. En su momento la película tuvo una recepción masiva, gano algunos premios resaltables y genero mucha discusión artística en torno a la obra de Juan Rulfo. Es posible que EL RINCÓN DE LAS VÍRGENES califique como una crítica social pero también curiosamente es un entretenimiento cómico afectivo y conjugar las dos cosas logrando un producto sui generis y totalmente disfrutable por todos. En ese sentido el mensaje a triunfado porque ha logrado traspasar la barrera del gueto artístico.



viernes, 28 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: “BAJO LA PIEL” (PERÚ 1996) DE FRANCISCO LOMBARDI - Por Marco Masama


Director:
Francisco J. Lombardi

Reparto:
José Luis Ruiz
Ana Risueño
Diego Bertie
Gianfranco Brero
Gilberto Torres
Jorge Rodríguez Paz

Año / País:
1996 / Perú Perú

Título original: Bajo la piel

Duración
110 min.

Guión
Augusto Cabada

Música
Bingen Mendizábal

Fotografía
Teo Delgado

“La belleza y el horror pueden existir dentro de una misma cosa”


Bajo la Piel es una cinta del celebrado director peruano Pancho Lombardi, filmando una atípica cinta de género—también para los estándares nacionales—, que mezcla el “Filme Noir”, el drama amoroso, el cine introspectivo y la imaginería precolombina.


El pueblo de Palle viene sufriendo la sucesión de unos asesinatos atribuidos a un asesino serial, dejando un reguero de cabezas cercenadas sin ojos, extraídos de sus ocasionales victimas con obvias connotaciones rituales y sacrificios humanos, lo que lleva al capitán Corso —probo oficial del pequeño pueblo, aunque inmensamente solitario— a investigar a un ilustre antropólogo, de quien se tiene serias sospechas de ser el autor material de los hechos ( Así, con el estilo de “Parte Policial” de comisaria de barrio...). Es en estas circunstancias que Corso conoce a Marina: enigmática médico forense de una belleza en apariencia frágil, pero infernal entraña; con quien empiezan a vivir una tórrida relación, sazonada por la ambivalente personalidad de la española. Así, al igual que una espiral descendente, nos introduciremos en la angustiante realidad “debajo de la piel” de unos personajes que escoden unos universos: demasiado oscuros, vastos y terribles, aunque muy familiares, como dijera el ayudante del capitán Corso:

—“Cuidado comandante, cuando uno se enamora, termina haciendo huevadas…”


Bajo la Piel, no solo es una cinta de suspenso criminal, también es un “tour de force” por la inescrutable intimidad humana, capaz de los mas abyectos actos, separados por milímetros de espacio, que es lo que podemos apreciar en la confesión de Marina, en ese permanente estado de mentiras perpetuas, de no saber donde estamos ni en que miasma se meten nuestros dedos. Solo el personaje de Gino Leiva, con todas sus defectos, resulta ser el mas honesto de todos.

—“Eso soy para ti ¿no?, ¿un par de buenos polvos?
—¿buenos…?”
(¡Eso es honestidad!)


Es una de los diálogos mas celebres de la cinta, pero que ejemplifican el grado de patetismo en el que Corso ha caído.

Las actuaciones son geniales, de las mejores que he visto: empezando por Gian Franco Brero, en el rol del Profesor Pinto, un papel que refleja todo lo triste y solitario que resulta una persona que a perdido el respeto del mundo, la deliciosa Ana Risueño como Marina, el personaje mejor perfilado de todos, tan misterioso e impredecible como terrible y sobre todos Diego Bertie en su mejor papel, no existe un personaje mas entrañable, participando en una de las escenas mas memorables de la cinta: cuando Corso y Gino tienen una charla entre copas sobre Marina, simplemente desternillante.


Un punto aparte que quizás merecía ser mejor explotado son toda las referencias a la iconografía Moche, el esplendor del siglo IV, la visita al complejo “El Brujo”, la imagen y la mención del Dios degollador “Ai Apaec” (futuro tatuaje en ciernes!!), los crímenes como un “maguffin” que pudieron ser mejor aprovechados gracias a la rica fuente a la que refieren. En fin, detalles que se pudieron pulir. Pancho Lombardi en los extras, reconoce que su intención al filmar “Bajo la Piel” fue la de recrear un film “noir”, donde el objetivo de los personajes es ganar a toda costa, no importando las consecuencias.

Quisiera aportar algo para concluir:
El amor verdadero a veces necesita no solo de ser regado constantemente, también de un par de cadáveres debajo del jardín. No hay duda que el amor requiere de “muchos sacrificios”.


jueves, 27 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: ÁNIMAS TRUJANO (EL HOMBRE IMPORTANTE) DE ISMAEL RODRÍGUEZ (1961) - Por Marco Masama


Reparto:
Toshirô Mifune
Columba Domínguez
Flor Silvestre
Pepe Romay
Titina Romay
Amado Zumaya


Año / País:
1961 / México México

“Tanto tienes, tanto vales”


Cuando me entere que uno de mis actores favoritos, filmo en México y para variar hizo un papel tan ajeno al que nos tenía acostumbrados y al otro lado del charco, pues no pare hasta conseguir tamaña joyita, lo encontré en el portal de Claro Video y así disfrutar —no sin una dosis de resquemor— como la solvencia de Toshiro Mifune, es capaz de meterse en cualquier piel, un actor completo, capaz de aprenderse sus diálogos sin necesariamente comprenderlos y adquirir un acento típico, no es exagerar si afirmo que es el mejor actor de todos los tiempos.


Animas Trujano es la historia de un tipo esperpéntico: Borracho, “pegalon”, mentiroso, ladino, apostador, mujeriego, flojo. Todo lo que un suegro quisiera para su hijita o el perfecto cuñado... Aún así este lacayo de sus instintos, desea algo más que nada en el mundo: Respeto y sobre todo el de su hijo a quien maltrata mientras repite: “Su madre los engríe y yo les pego, porque los quiero más”. Una forma de acceder a tan esquivo valor es conseguir la Mayordomía del pueblo “La fiesta es tuya, pero el muertito es mío” así repite Animas, cuando observa con los dientes apretados de fervorosa envidia, como otros son elegidos como mayordomos y justo en el velorio de otro de sus hijos, van sucediéndose los acontecimientos hasta lo impredecible.


Animas Trujano es esa clase de cine enfocado en denunciar ese machismo “matonesco” de ciertos “varoncitos” y al mismo tiempo, demostrar que a pesar de la horrenda persona que es, anhela una cosa: “respeto”


CINE LATINOAMERICANO: “EL ROSTRO” DE ALEJANDRO COTTO (1961) - Por Frank Binueza


“El Rostro” es una película salvadoreña de 1961, dirigida y escrita por Alejandro Cotto, y protagonizada por los actores Julián Hernández y Tina. Contó con la narración del escritor Waldo Chávez Velasco, y las participaciones musicales de la Marimba Cuscatlán y el coro del Instituto Salesiano Don Rua.

De forma introspectiva, la historia hace una reflexión acerca de la íntima relación entre el hombre y la naturaleza, utilizando a un campesino (Julián Hernández), como mudo testigo de lo que sucede en su realidad, las tradiciones que lo rodean, y el curso de la vida. El director nos muestra una paráfrasis entre el rostro del hombre y el rostro de la tierra, y una pregunta fundamental: ¿Quién posee a quién?, ¿La tierra al hombre o el hombre a la tierra?"


Considerado una leyenda en el cine de El Salvador, Alejandro Cotto, empezó su carrera con cortometrajes sobre Suchitoto, su ciudad natal, ubicada a 44 Km. al norte de San Salvador, la capital salvadoreña. En los años 50’s recibió una beca para estudiar cine en México, en donde trabajó al lado de grandes figuras del cine mexicano como Emilio “El Indio” Fernández, Julio Bracho y el español Luis Buñuel. 

Al regresar a El Salvador, graba su primer documental, “El Camino de la Esperanza” de 1959, una denuncia sobre la irresponsabilidad paternal, que fue estrenada en el Festival de Mar de Plata en Argentina. Esta película hace que los productores alemanes de “Kaiser Films” se interesen por el joven cineasta, ofreciendo la producción para su próxima película. Con el financiamiento alemán, produce “El Rostro”, una reflexiva mirada al lugar del hombre dentro de la creación.


Aunque “El Rostro”, llamada “Das Antlitz” en Alemania, recibió una mención honorífica en el Festival de Cine de Berlín, en El Salvador recibió pésimas críticas, debido a su carácter experimental. Con el tiempo esta percepción cambió, y Alejandro Cotto es reconocido como el pionero en realizar “cine de arte” en el país. Con una estética que ronda entre el neorrealismo italiano y el cine indigenista mexicano de la época de oro, “El Rostro” es película que muestra una parte desconocida del cine salvadoreño, y que deja una sensación extraña y desesperanzadora al espectador, mostrando de manera artística la realidad de El Salvador.


miércoles, 26 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: "GÜEROS" (2014) DE ALONSO RUIZ PALACIOS - por Abril Galván



En 1999, después de causar una broma Tomás es enviado por su madre a la Ciudad de México a quedarse con su hermano Federico (alias El Sombra). Sombra, quien sufre de ataques de pánico, es un estudiante en la Universidad Autónoma de México (UNAM) que se encuentra bajo huelga estudiantil. Sombra vive con su mejor amigo “Santos” en un barrio decaído cerca de la universidad. 

Ninguno de ellos tiene trabajo o estudia, pasan sus días en el departamento, fumando y viendo televisión, robando la luz de sus vecinos. Tomás escucha constantemente una canción de un artista a quien admiraba su padre llamado Epigmenio Cruz. Esta canción trae al dúo curiosidad por encontrar a Epigmenio, ya que este se encuentra hospitalizado por problemas de alcoholismo y los tres se embarcan en una aventura que los lleva por diferentes partes de la ciudad. 


En un viaje a la Ciudad Universitaria en el sur de México se reúnen con Ana, una estudiante que fervientemente participa en las actividades de la huelga y por quien Sombra siente cariño. La huelga estudiantil está en contra de una modificación de pagos que obligara a la comunidad universitaria a realizar pagos de inscripción, cuotas semestrales y otros servicios. Los estudiantes tomaron la universidad y la huelga no terminó hasta más de un año después.


Durante la noche el grupo se encuentra vagando sin rumbo por la enorme ciudad. Vemos un México vulnerable a la pobreza, soledad y corrupción. La cinta esta filmada a blanco y negro con un ratio poco común de 1. 37 :1 que le da una vista bastante original. La cámara nos enseña una ciudad llena de contradicciones, inconformidad, reformas políticas y el comienzo de movimientos sociales que esperan cambiar el estado del país. Sombra y Santos están en medio de todo pero sin escoger bandos, están en “huelga de la huelga” pero sin darse cuenta poco a poco están a punto de aceptarse a ellos mismos.


Vemos a Ciudad Universitaria en un estado caótico y desordenado, con una fiebre de rebelión y ansía por democracia. Pasamos por calles sucias y solitarias, tiendas de conveniencia, mercados durmientes, barrios peligrosos y el famoso zoológico de Chapultepec. 

Vemos Tlatelolco, que fue afectado severamente en el terremoto del ’85, y que además representa el movimiento estudiantil de 1968 que sacudió a todo el país tras la matanza de estudiantes por el gobierno federal. Vemos una ciudad dormida pero que nunca descansa.



La Ciudad de México, fundada en 1325 como México Tenochtitlan, está llena de colores, palacios, barreras sociales, cultura, racismo, miedo y belleza. Cuenta con casi 9 millones de habitantes, todos corriendo y buscando algo por lo que vivir, y con un deseo insaciable de encontrarnos a nosotros mismos. Güeros no le hace justicia a la belleza y complejidad de esta maravillosa ciudad pero logra evocar el sentimiento que experimentamos al recorrer la ciudad de noche en un coche con amigos.


martes, 25 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: "PANDEMONIUM, LA CAPITAL DEL INFIERNO" DIRIGIDA POR ROMÁN CHALBAUD (VENEZUELA 1997) -Por Rommel Vasquez Caro-


"PANDEMONIUM" fue escrita y dirigida por Román Chalbaud y protagonizada por Orlando Urdaneta, Amalia Pérez Díaz, Miguelángel Landa, José Luis Márquez y Elaiza Gil. Está basada en la obra de teatro "Vesícula de nácar", escrita por el mismo director.

Inspirada de igual forma en los textos del escritor inglés John Milton, El director Venezolano Román Chalbaud crea una Ciudad entre la Realidad y la ficción, una Caracas/Pandemomium enmarcada en una Venezuela/Infierno donde el realismo mágico Latinoamericano se pone en manifiesto por medio de sus personajes, la historia y el marco histórico en el que se desarrolla la historia.

La realidad del día a día, situaciones muy trágicas y elementos de fantasía están presentes durante toda la película, desde salvarle la vida a una persona por medio de una literal masturbación hasta una rebelión contra un sistema opresor y subyugante, todo situado en la Caracas de 1989 (27 y 28 de Febrero) durante los saqueos y manifiestaciones dadas en el llamado "Caracazo".


Adonai, (uno de los nombres dado a Dios en el Antiguo testamento) es un hombre pobre totalmente marginado, que no tiene piernas y vive en un barrio muy pobre donde transmite por medio de una señal de radio improvisada sus poemas y reflexiones, hasta que el poder, la corrupción y la violencia tocan a su puerta volviéndole la vida más miserable de la que la tenía antes.

La historia comienza precisamente allí en una de las alocusiones de Adonai en su llamada "Radio Pandemoniun" La emisora en un país en pleno desarrollo... desarrollo de su propia destrucción claro! Allí se presenta como un poeta desgastado por la vida, frustrado y algo amargado por lo que le tocó vivir, junto con su madre y su amante Demetria, en un rancho miserable lleno de muchas carencias.

Radamés, el hermano de Adonai, está preso por corrupción y le deja a su madre un maletín lleno de dólares para que se lo guarde mientras pasa su proceso. Demetria se entera y convence a dos muchachos (Onésimo y Hermes) de robarlo. Radamés se entera de esto y contrata a unos matones para que acaben con la vida de los ladrones, llevando todo esto a situaciones que amenazan constantemente la vida y la integridad del pobre Adonai.


La película fue seleccionada para competir en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 1997. Algunas escenas son adornadas con la Música Clásica de Chopin y Vivaldi, mientras que otras escenas son acompañadas con la Billo´s Caracas Boys.

Durante toda la película se encuentran referencias literarias de la vanguardia Latinoamérica, dadas por Adonai en su programa radial, donde cita a escritores como Julio Cortázar, Gabriel García Márquez, Rómulo Gallegos, etc… enmarcando la ficción de la película en el mismo realismo mágico latinoamericano que estos escritores estuvieron tan acostumbrados a hacer en sus novelas. Incluso uno de los personajes secundarios hace una referencia a La vuelta al mundo en 80 días del escritor Julio Verne.

Al final de la película se hace una referencia al saqueo de Caracas durante el Caracazo, y al acontecer sociopolítico del momento, posteriormente Chalbaud filmó el Caracazo en 2005.

Lamentablemente la película no se encuentra completa en Youtube y es muy difícil de conseguir, yo la vi hace mucho tiempo y directa de VHS, luego de eso no la he vuelto a ver más, online puede que esté en alguna página.

Sin más que agregar, recomiendo la película altamente por el toque teatral que está presente en todo el film y sobre todo el carisma de los personajes muy bien llevada por cada uno de los actores, desde los héroes hasta los villanos.


lunes, 24 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: "UNA FAMILIA DE TANTAS" DE ALEJANDRO GALINDO AMEZCUA (1948)- Por Jonathan A. RodriGuez


'Una familia de tantas' es una cinta Mexicana del año 1948 producida y dirigida en México, y representa la película número 11 dirigida en la carrera del cineasta mexicano Alejandro Galindo.

Sinopsis: 

"Una Familia de tantas" es una película dramática que transcurre en una época dura, donde la represión en las familias era principalmente hacia las mujeres con una diaria y continúa sumisión, debido a los mandatos y régimen de la época, para esto el director 'Alejandro Galindo' nos pone en escena a una familia de la clase media compuesta por el padre Rodrigo Cataño (Fernando Soler), madre doña Gracia, los hijos Héctor, Estela, Maru, Lupita y el hijo menor. Un día un vendedor de aspiradoras Roberto del Hierro (David Silva), quien tocará a la puerta de la casa de la familia para intentar dejarles a prueba una de sus novedosas aspiradoras, es ahí cuando el orden de la familia Cataño será quebrantado y debido a esto la adolescente Maru (Martha Roth), próxima a cumplir los 15 años intentará romper las cadenas que la atan a su conservadora familia y entorno.


Antes de hacer un análisis crítico del filme y/o leer esta revisión (más que nada para los 'Cinefilos' lectores que no son de México), hay que abordar dos conceptos primordiales de la época como lo son: el "Porfiriato" y el "Alemanismo", ambos llevados a cabo por presidentes de México Porfirio Díaz y Miguel Aleman respectivamente, su definición sería:

Porfiriato - etapa comprendida de 1877 a 1911 se caracteriza por una larga y cruel dictadura militar de corte personalista en la figura del presidente de esa época Porfirio Díaz. En esta etapa México experimentó un gran crecimiento económico a costa de la miseria y explotación del pueblo trabajador, en donde sólo las capas altas de la sociedad se beneficiaron del tan nombrado progreso que necesitaba la nación.

Alemanismo - Caracterizado por las Modernizaciones que hizo al país continuar con la industrialización de su antecesor (Miguel Ávila Camacho) brindar a México una nueva imagen ante el mundo de un país moderno y el indudable crecimiento económico que se suscito durante su sexenio.


Es esta una película donde se observa el modelo patriarcal porfirista conservador de familia en un proceso de transformación hacia la modernidad dentro del proceso propio del alemanismo.

Estamos ante un film que nos muestra como una familia conservadora, de clase media poco a poco se va tergiversando, debido a que cuentan con un "régimen" autoritario, básicamente impuesto por el padre 'influenciado' por las épocas que corrían en México, aunque cabría mencionar que esos tiempos ya eran los últimos suspiros del llamado "Porfiriato", principalmente a a finales de los años 40s y principios de los años 50s cuando México estaba al borde del cambio de ideologías conservadoras para dar paso a la modernidad dentro del proceso del "Alemanismo".

El melodrama de la película está enfocado una de las hijas; Maru (Martha Roth), que se podría sentir que desde el momento que ve cruzar la puerta al "vendedor" de aspiradoras siente que hay algo especial en el, ignorando por completo que su padre tiene estrictamente prohibido darle paso a cualquier hombre que sea ajeno a la casa o la familia, esto desencadenaría que el padre de enterara por conducto de la madre, esto haría que el padre de la familia cuestionara severamente a su hija dándole a entender que de ninguna manera tiene justificación de haber dejado pasar al vendedor. Aclarar también que está próxima a cumplir 15 años y que por esta razón su madre le enseñara como debe ser una señorita de sociedad, en todos los aspectos qué consistirían desde los deberes y quehaceres del hogar, ser atenta y servicial con sus hijos y futuro esposo, quien por su próxima edad ya tendrá la facultad para elegirlo, hasta como debe vestir sobriamente, todo esto para poder llegar a tener una familia ideal. También habría que destacar que es en ella en en la que recae la mayor parte de la ideología de un padre tan duro.


También nos muestran en escena a un gran David Silva que metafóricamente representa la salida de la opresión de la época, aunado a esto da una cátedra de cómo ser un vendedor efectivo y exitoso a pesar de las adversas circunstancias, por qué en verdad no es ningún trabajo fácil tratar con de acomodar artículos a una familia encabezada por un padre tan conservador idealista y hasta cierto punto machista ya que él tiene la idea que el trabajo de la mujer común, es el que tendría la aspiradora, aunque aún con todos esto impedimentos lograría algo importante.

Contextualizando, la cinta esta muy bien construida tanto técnica como argumentalmente y está llena de mensajes de la época en la que ya se volvía algo pesado estar siguiendo la educación en las familias y nos deja un claro mensaje por el final de esta, una gran obra del cine mexicano, para tomarse muy en cuenta a la hora de querer ver cine de oro mexicano de calidad.



sábado, 22 de octubre de 2016

"CINE LATINOAMERICANO": EL PEZ QUE FUMA. Dirección: ROMÁN CHALBAUD (Venezuela 1977) - Por Rommel Vásquez -

Una de las películas más taquilleras del cine venezolano de los años 70 y la más representativa del director Venezolano Román Chalbaud en su época dorada. Considerada entre las 5 mejores películas del cine venezolano. 

 

 Todo se desarrolla en un bar-prostíbulo llamado "El Pez que Fuma", su dueña "La Garza" se llena de dinero todas las noches gracias a su negocio y lo comparte con su amante llamado Dimas quien se encarga además de depositar las altas sumas de dinero en el banco. Pero este en vez de eso se gasta todo el dinero en puras apuestas, alcohol y mujeres. 

 

Tratando de buscar una excusa de como perdió el dinero y poder salirse del aprieto, lo asaltan unos malechores en un auto y resulta que son enviados por el antiguo amante de la Garza llamado Tobías que intenta tomar acciones violentas contra Dimas pero este escapa. 

Para quedar bien con la Garza, Dimas decide contraatacar a Tobías, pero en medio de ese conflicto aparece otro personaje clave en la película llamado Jairo, quien fue enviado por Tobías al bar para que la Garza le diera trabajo, pero Dimas desconfía plenamente de Jairo.

 

Con el tiempo, Jairo se entera que el Bar también funciona como expendio de drogas, asi que decide jugar sus cartas ganándose la confianza de Dimas, luego terminar traicionándolo quitándole el cargo de administrador del bar y convirtiéndose en el nuevo amante de La garza....todo para volver a producirse el circulo vicioso y desembocar en una tragedía donde solo uno queda ganando.

Intrigas, critíca social, acción, algo de humor, y un poco del realismo mágico que se encuentra en las películas de este director, un película altamente recomendada y la pueden conseguir en Youtube completa! no se la pierdan.





CINE LATINOAMERICANO: “CRONOS” GUILLERMO DEL TORO (MEXICO 1993) - Por Valentina Valentino


Conocida también como la invención del Cronos y Cronos la invención del tiempo es una película mexicana de terror, suspenso y fantasía, escrita y dirigida por Guillermo del Toro. Cronos está protagonizado por Federico Luppi, Ron Perlman, Claudio Brook y Tamara Shanath.

Durante miles de año la humanidad ha soñado con la inmortalidad, desde niños hemos escuchado de seres inmortales, que pesé a que son considerados monstruos tienen un regalo divino, el regalo de la inmortalidad. Y seamos honestos, los envidiamos aunque sólo sean viejos cuentos. Pero que pasaría sí no se tratará solo de un viejo cuento.


¿Qué seremos capaces de hacer al estar frente a ella? ¿Será que los viejos cuentos son reales?

Hacia 1536 un viejo alquimista, Uberto Fucanelli es el relojero oficial del virrey en la Nueva España, Lleva años perfeccionando un artefacto diseñado por el mismo, el “cronos”, con la esperanza de alcanzar la vida eterna. 400 años más tarde un edificio se derrumba y entre los escombros se encuentra un hombre con la piel color mármol, con la piel color de Luna, expira sus últimas palabras “Sue tempure”. Tras una investigación se determina que se trataba del alquimista y todos sus bienes son subastados.

60 años más tarde Jesús Gris un veterano anticuario adquiere un pequeño arcángel, que durante los traslados se fracturó, al intentar repararlo se da cuenta de que hay algo dentro y lo saca, es un pequeño artefacto mecánico dorado, mientras intenta abrirlo en presencia de su adorable nieta Aurora, del artefacto salen unas extrañas patas similares a las de una araña y se clavan en su mano, el extraño artefacto extrae sangre de nuestro anticuario, pero al día siguiente se percata que tiene mucho vigor y se siente muy saludable, incluso rejuvenece. Desarrollando por ende una adicción a este artefacto, pero poco a poco también va desarrollando una sed de sangre.


Por otro lado Dieter de la Guardia un rico y agonizante empresario europeo tiene en su poder el diario del alquimista y cree fervientemente que si encuentra el “cronos” alcanzará la inmortalidad. Con el tiempo en contra, sigue la pista del artefacto hasta el anticuario quien tras su dependencia al cronos no lo cederá fácilmente.

Mi personaje favorito es la pequeña Aurora, la testigo silenciosa de la transformación de su abuelo, su cómplice, la única que más allá de lo que se ha convertido sigue siendo su lazarilla, la que lo cuidará eternamente y lo seguirá en esta nueva aventura más allá de la muerte.


¿Pero hasta donde llegara Jesús Gris para conservar la inmortalidad? ¿Los recursos de Dieter de la Guardia lograrán su cometido? ¿Cuál es el precio de la inmortalidad?



viernes, 21 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: "PURA SANGRE" DE COLOMBIA DIRIGIDA POR LUIS OSPINA EN 1982. - Por Christian Dorian


La historia está basada en hechos realmente sangrientos que ocurrieron en la ciudad de Cali Colombia “SIN DUDA LA CIUDAD COLOMBIANA MAS ACTIVA EN CREACIÓN CINEMATOGRÁFICA” en los años sesenta y que sumieron a la ciudad en crecimiento en un clima de horror y confusión general. 

Niños de estrato popular en realidad casi todos fueron niños callejeros desaparecían y luego sus cuerpos eran encontrados en los grandes terrenos baldíos o lotes urbanos en donde empezaba a construirse barrios, asesinados con extraños rastros de ataque corto punzante a la altura del corazón. Los lotes eran llamados por los lugareños mangones de ahí el nombre que se le da al supuesto asesino EL MONSTRUO DE LOS MANGONES, decimos supuesto asesino porque nunca se atrapo a nadie en el acto o se llegó a judicializar sospechoso alguno. Los cuerpos eran encontrados sin sangre lo cual dio lugar a muchas especulaciones entre ellas la de vampirismo. 


Siendo así el director de esta cinta Luis Ospina muy inteligentemente utiliza una hipótesis que se hizo fuerte en el boca a boca de la comunidad sobre el posible autor intelectual de estos crímenes un comerciante llamado Adolfo Aristizabal quien sufría una rara enfermedad que le obligaba a efectuarse transfusiones de sangre constantemente razón por la cual utilizo algunos de sus trabajadores más cercanos como secuestradores que convencían a los jovencitos para irse con ellos a cambio de algún dulce o comestible y luego de reducirlos por la fuerza drogándolos los llevaban a algún lugar secreto donde se les efectuaba la extracción de la sangre y luego sin vida eran abandonados en parajes solitarios. Esta teoría tuvo lógicas contradicciones debido a la incompatibilidad de grupos sanguíneos que hacían esta empresa algo infructuosa para los asesinos. 


Sin embargo esto no es impedimento para que la trama de la película adquiera una atmósfera de organización mafiosa conformada por unos trabajadores supuestamente honestos, padres de familia comunes que de día llevan sus hijos al colegio y juegan con ellos y al caer la noche además de secuestrar niños para alimentar a su siniestro patrón, acostumbran frecuentar los bares y clubs nocturnos buscando jóvenes para someterles sexualmente para alcoholizarlos, doparlos y hacerlos participes de sus pasiones más lubricas.


El director Luis Ospina, un narrador de historias que han sido catalogadas de gótico tropicales debido a la corriente a que pertenecía, corriente de algunos directores de esta ciudad de Cali, Colombia que se hicieron llamar el CALLYWOOD (a modo de comparación con el HOLLYWOOD americano) y utilizaron cierta estética vaporosa y pesadillesca inspiradas en el cine de terror clásico de la HAMMER inglesa o del giallo italiano de los cuales eran fanáticos. Otro acierto en la cinta es mostrar al posible millonario al que le inoculan la sangre de los niños como un anciano singular que desde una habitación equipada con todos los beneficios médicos maneja su industria de caña de azúcar y ve películas clásicas proyectadas en la pared.


En PURA SANGRE Hay un tono a denuncia social incuestionable que se muestra en las características arribistas y racistas de los criminales los cuales confieren a sus disipaciones un supuesto plus en la selección de sus víctimas rechazando a los negros por considerarlos impuros. 

La película logra momentos de tensión destacables con escenas que explotan las autopistas de la ciudad de Cali siendo amenazadas por una van siniestra que se tragara por sus puertas a los jóvenes indefensos. 


Otra hipótesis que Se baraja en la vida real y que se argumenta en la película es la aparición de un vagabundo llamado Frank Peña que fue acusado de pertenecer a una red de violadores de niños en barrios pobres y que en PURA SANGRE es caracterizado como un lunático sudorosos y despelucado que balbucea incoherencias. PURA SANGRE es un esbozo oscuro de una ciudad llamada Cali que tiene cierto acento oral malicioso a mitos populares y leyendas urbanas y que acá hacen un caldo cinematográfico agradable que se matiza con humor negro. Es posible que PURA SANGRE sea la primera película colombiana de vampiros y una de las primeras que causo cierta confusión mediática en Colombia debido a su carga de perversión iconoclasta y subversiva para la región. 

En alguna sala de proyección el público enfurecido y causo daños y vandalismo y gran parte de la prensa crítica se dedicó a destruirla con argumentos moralistas que no vienen a lugar en el arte. Una cinta altamente recomendada para los amantes de joyas no tan reconocidas, para los inquietos dispuestos a abandonar el esnobismo eterno de las mismas corrientes comentadas mil veces hasta el bostezo. PURA SANGRE es una un triunfo del esfuerzo independiente .Una cinta latinoamericana completamente disfrutable.



jueves, 20 de octubre de 2016

CINE LATINOAMERICANO: “CAÍDOS DEL CIELO” DEL DIRECTOR FRANCISCO LOMBARDI (1990) - Por Paul Torres


A diario estamos en contacto con la ciudad, nos movemos sobre ella, realizamos nuestras actividades sobre ella. Si bien la definir la ciudad es un tema algo complejo, ya que abarca distintos puntos de vista, diferentes enfoques y corrientes de pensamiento. Esto lleva a pensar en una definición más apropiada para ella. La ciudad debe ser vista como un ente viviente dinámico, el cual se encuentra en constante cambio. El Geógrafo y Urbanista David Harvey basado en el libro de Henry Lefevre nos plantea sobre “El Derecho a la Ciudad” una especie de manifiesto en contraposición a los impactos negativos sufrido por las ciudades en los países de economía capitalista. Se buscaba con esto pues, devolverle el protagonismo a las ciudades y sobre todo a que nosotros, los habitantes volvamos a ser dueña de ella.

Personalmente considero a Francisco Lombardi como uno de mis directores latinoamericanos favoritos, y actualmente es sin duda uno de los más respetados. Sus trabajos siempre han estado ligado a la literatura en general, algunas con obras peruanas, otras no. “Caídos del Cielo” es pues una de ellas, representa el sexto trabajo del peruano y fue una coproducción peruano-española.


Lombardi nos muestra entrecruce de tres historias, por una parte la de los ancianos Lizandro y Cucha, los cuales sobrellevan una terrible perdida como la de su hijo, la del locutor Humberto y una depresiva Verónica, ambos personajes solitarios que presentan deformaciones corporales. También tenemos una abuela ciega la cual maltrata a sus dos nietos. Así estas historias prosiguen y se interrelacionaran y donde la tragedia social, comedia y el apunte amoroso conformaran una mirada a través de tres generaciones sobre la convulsionada década de los 80 en la ciudad limeña.


Existen muchas referencias entre las obras de Lombardi con los escritos de Julio Ramón Ribeyro, que por cierto es de mis escritores peruanos que más admiro, Ribeyro notable cuentista y escritor siempre ha abordado sus temas desde una perspectiva algo pesimista, sus personajes son claros ejemplos de ellos, casi todos perdedores. Lombardi entonces se inspira para este trabajo del cuento Los Gallinazos Sin Plumas de Ribeyro, cuento ubicado en el libro “La Palabra del Mudo”.

La forma como se nos muestra la ciudad limeña es cruda y real, para los que tuvieron que vivir en esa convulsionada década que fue los 80, darán fe de ello. Vemos una Lima sucia, pobre y miserable, es tal vez pues una ¿Lima Horrible?, creo que sí, pero esta denominación es muy conocida, se le atribuye a Salazar Bondy, pero esta “horrible” es más para denotar una condición estética y no ética como la de Bondy. Se escuchan ecos literarios, metafóricos y dramáticos. El director opto por una realización muy clásica quizás impulsada por las influencias de otros directores, lo cual en ciertos pasajes de película opaca un poco la excelente historia que se nos cuenta.


El pilar que sostiene a toda esta maravillosa película es sin duda el guion, elaborado notablemente por el señor Cavada y Giovanna Pollarollo, los cuales crearon con gran acierto a todos los personajes. Algo que debemos destacar también, es el notable elenco que forma parte de la historia, destacando los actores Gustavo Bueno, el cual ya había trabajado anteriormente con Lombardi, Marisol Palacios y Gian Franco Brero.

“Caídos Del Cielo” es uno de los títulos peruanos que exigen si o si su revisión y donde queda evidenciado una vez más el gran talento de Francisco Lombardi.