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"Cinema Paradiso"

"Cinema Paradiso"

domingo, 24 de febrero de 2019

"The Insider / El Dilema" de Michael Mann (1999) - Por Paul Torres

LA CORRUPCIÓN EN EL CINE

THE INSIDER / EL DILEMA (1999)

Dirección: Michael Mann



Sinopsis: Jeffrey Wigand, científico y directivo de la famosa tabacalera norteamericana Brown & Williamson, descubre el secreto que la industria del tabaco oculta celosamente: las sustancias que crean adicción en los fumadores. Lowell Bergman, un productor televisivo, arriesga su carrera al invitar a su programa a Wigand, que ve cómo su vida se desmorona tras revelar la verdad a la opinión pública; pero nadie saldrá indemne de esta batalla contra las tabacaleras. (FILMAFFINITY)



‘El dilema’ es el culmen del estilo de Mann, obsesionado por los formulismos más vacuos en films precedentes no exentos de ideas muy interesantes que luego se ahogaban en un esteticismo que era insuficiente, tal es el caso de ‘El torreón’ (‘The Kept’ 1983), por ejemplo. La presente nos ofrece de nuevo una de esas historias de un hombre, normal y corriente, enfrentado a una poderosa empresa que le hará la vida imposible si viola su contrato de confidencialidad, y que para su lucha contará con el apoyo del productor de uno de los programas de televisión de mayor audiencia del país, en el que le invitará a relevar toda la verdad que descubrió cuando trabajaba para la tabacalera. 



Con la cámara siempre pegada a sus personajes, sobre todo al cogote cuando decide enfocarlos desde atrás, una fotografía obra de Dante Spinoti en su mejor colaboración con Mann —y dicho sea de paso, sin duda el mejor trabajo de fotografía de su carrera, marcando una conexión, obra del Mann, of course, con la psique de los personajes y su estado de ánimo—, y una música más que acertada de Lisa Gerrard y Pieter Bourke, Mann se centra sobre todo en la relación entre los dos personajes centrales, un hombre que debe ponerse a trabajar como profesor —un trabajo muy por debajo de sus posibilidades, pero que le acerca a la humildad más llana—, y un productor televisivo que ve cómo su palabra, que es ley allá a donde va, se rompe por intereses económicos. Dos historia en una, la de Wingad (Crowe), que se queda literalmente solo ante el peligro, ante la vida —impagable secuencia en el hotel, en la que todo alrededor de Crowe se distorsiona para dar paso a una visión de sus dos hijas, despidiéndose.


“El Reino” de Rodrigo Sorogoyen (2018) - por Frank Binueza



Manuel López Vidal (Antonio de la Torre) es un influyente político de una comunidad autónoma, que tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional. Sin embargo su perfecta vida se desmorona, cuando sale a la luz una trama de corrupción en la que está involucrado. Traicionado por su partido que trata de hacerlo completamente responsable del asunto, Manuel hará todo lo necesario para no caer sólo, enfrentándose contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada, y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan.



“Cuídate de tus enemigos, pero sobre todo de tus compañeros de partido…”


Inspirada en los múltiples escándalos de corrupción que han llenado los titulares españoles en años recientes, “El Reino” es un vertiginoso y denso viaje a través de las alcantarillas que componen la vida política española, una guía a través de este mundo de arribismos, compra de voluntades, sobornos, extorsiones y puñaladas en la espalda.



En apenas su tercer largometraje en solitario, Rodrigo Sorogoyen brinda una interesante mezcla de géneros, para lanzarnos en primera fila al enmarañado submundo de la política, mientras vemos el descenso a los infiernos de un ambicioso político, que hará todo lo posible para mantener su estatus y vengarse de quienes lo han traicionado. Pero no se dejen engañar por su porte fino y rostro impenetrable, “Manuel” es un manipulador, capaz de todo para salir bien librado, en pocas palabras un “político”…


Con un ambiente de tensión de principio a fin, y temblorosos movimientos de cámara que nos dan la sensación de estar dentro de las locaciones donde se genera este frenético escándalo, en donde la intriga, la desesperación y el asco que genera el relato, sirven para dibujar las oscuras prácticas de la clase política, sus ansias de supremacía y la podredumbre inherente a ella…



FICHA TÉCNICA:
Nombre: “El Reino” (2018)
Director: Rodrigo Sorogoyen
Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen.
Reparto: Antonio de la Torre, Josep Maria Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Mónica López, Bárbara Lennie, Luis Zahera, Francisco Reyes II, María de Nati, Paco Revilla, Sonia Almarcha.
Género: Thriller Político, Drama.
País: España.


"All the King's Men" de Robert Rossen (1949) - Por Jonathan A. Rodríguez



Sinopsis: Willie Stark (Broderick Crawford), un hombre honrado y valiente, sufre una transformación el día que decide entrar en política y descubre que todo es juego sucio. Tras ser elegido gobernador, olvidando sus principios, lo primero que hace es apoderarse de la prensa y la radio. Convertido en un ser corrupto hará cuanto esté en su mano para permanecer en el poder.


Cinta ganadora del oscar a mejor película (1949) dirigida por Robert Rossen que toma como base la novela de Robert Penn Warren para elaborar el guion de la misma.



El film en un principio nos muestra a un hombre humilde, dedicado, quien lucha por sus principios y valores, que son puestos a prueba a lo largo de su ascenso para ser candidato a gobernador y después de su elección. A lo largo de la trama transcurren hechos realmente inverosímiles, que dejan al espectador pensando en si el fin justifica los medios, en si cualquier persona por más común que sea o aparentemente “buena” pueda ser corrompida para llevar a cabo sus propósitos, en si lo que plantea el cineasta Rossen muestra en cada escena que el poder puede cambiar hasta las personas más impensadas, y el protagonista Willie Stark (Broderick Crawford), lo deja claro con sus múltiples apologías.


Todas las críticas los diálogos y las frases hacia la política y la corrupción son de analizar, los acontecimientos transcurren de manera ágil y continua, hay quien dice que la película pueda llegar a ser sofocante o algo rápida, a mi parecer no lo es tanto, ya que en ningún momento se pierde el hilo argumental y que si bien si pienso que quizá le haya hecho falta profundizar más en el perfil psicológico del Willie Stark, aunque el mismo hace el una interpretación sobresaliente con lo que se le da.


En resumen la película tiene un interesante guion, actuaciones creíbles y destacables en general, ganando 2 categorías (mejor actor Broderick Crawford, y mejor actriz secundaria Mercedes McCambridge), así como también buen uso de la cámara, y si bien el final es algo cortante o abrupto no le resta tanto a la buena puesta en escena en general.



“La Ley de Herodes” de Luis Estrada (1999) - Por Frank Binueza




México, 1949. Luego de que el corrupto alcalde de San Pedro de los Saguaros es linchado por los habitantes del lugar, el Licenciado López (Pedro Armendáriz), Secretario de Gobierno, decide nombrar a Juan Vargas (Damián Alcázar), militante de su partido y encargado del basurero, como alcalde interino. El ingenuo Vargas recibe el cargo con entusiasmo y buenas intenciones, con la convicción de cumplir los ideales de su presidente Miguel Alemán y llevar “la modernidad y justicia social” al olvidado pueblo, pero cuando Vargas empieza a probar las mieles del poder, termina siendo mucho peor que su antecesor. 



“¡Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes!”



Un poco de poder puede corromper a cualquiera, y de nada valen las buenas intenciones cuando es más fácil dejarse llevar por un sistema podrido, en el que forman parte todas las instituciones sociales. El desencanto inicial del leal Vargas, quien fuera elegido para el cargo no precisamente por ser el más inteligente o adecuado (es un idiota pues), poco a poco lo orilla a formar parte de esa rancia pero bien aceitada maquinaria de corrupción, donde demuestra un genuino talento.



Rodada en tonos sepias y con una gran banda sonora que incluye ritmos como cumbia, mambo y chachachá, “La Ley de Herodes” hace un gran homenaje (y una parodia inmisericorde) a la Época de Oro del Cine Mexicano, período ampliamente favorecido por la presidencia del mencionado Miguel Alemán, quien veía en el cine un opio para las clases más pobres, mientras él y el PRI (Partido Revolucionario Institucional) se perpetuaban en el poder, en un círculo vicioso de corrupción, que es sarcásticamente criticado en el filme.



Llena de simbolismos sobre la realidad mexicana, el filme es una de las películas insignia del “Nuevo Cine Mexicano”, y la primera en denunciar abiertamente la corrupción del partido en el poder, quien en vano trató de censurar la película, y que irónicamente fue la mejor publicidad para la misma. Una tragicomedia tan realista como absurda, que por desgracia es una constante no sólo en México sino en toda Latinoamérica, en donde un arma y un libro de leyes le da la potestad a cualquier idiota para perpetuarse a costa de todo y todos…



FICHA TÉCNICA:
Nombre: “La Ley de Herodes” (1999)
Director: Luis Estrada
Guion: Luis Estrada, Jaime Sampietro, Vicente Leñero, Fernando León.
Reparto: Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr., Guillermo Gil, Isela Vega, Salvador Sánchez, Eduardo López Rojas, Manuel Ojeda, Ernesto Gómez Cruz, Alex Cox, Leticia Huijara, Juan Carlos Colombo, Delia Casanova.
Género: Comedia, Sátira Política
País: México


"Paris, je t'aime" (2006) - Por Paul Torres



Dirección: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer, Gus Van Sant.


Sinopsis: En París, el amor está por todas partes: en sus bares y cafés, bajo la Torre Eiffel e incluso bajo tierra, en el metro. Algunos de los directores más prestigiosos del mundo fueron invitados a contar una historia ambientada en uno de los barrios de la ciudad. El resultado es un caleidoscopio de imágenes sobre la alegría de vivir, sobre extraños e inesperados encuentros y, especialmente, sobre el amor.



Un proyecto que reúne a algunos de los mejores directores del panorama actual, para que filmen una historia sobre ese extraño y poderoso sentimiento llamado amor, en el marco de una ciudad como París, con un reparto de auténtico lujo, debe llevar, automáticamente, la etiqueta de imprescindible visionado.


Los franceses han sido muy aficionados a hacer films colectivos sobre París. Sin duda el más famoso, hasta ahora, era París visto por... realizado en 1965 por Godard, Rohmer y Chabrol entre sus directores. Casi 20 años después, en 1984, un nuevo grupo de jóvenes realizadores, con Chantal Akerman y Philippe Garrel al frente, rodaron Paris vu par.. vingt ans après. Pues bien, poco más de 20 años más tarde, en el 2005, un colectivo de cineastas agrupados bajo el nombre Génération Amour, decidieron impulsar una especie de continuación de la saga parisina. Pero con algunas diferencias. En este caso, no se trataba de reunir solo a autores franceses, sino de ofrecer la ciudad a la mirada de distintos realizadores internacionales. Además, la idea era que cada episodio durara cinco minutos y fuera una historia de amor. La respuesta de los profesionales convidados a participar en este proyecto colectivo fue entusiasta, y entre junio y noviembre del 2005, y a razón de dos o tres días de rodaje, se filmaron los 20 capítulos de esta geografía urbana del amor parisino.


Una vez acabados, el trabajo de montaje y la música consiguieron dar una unidad estilística al conjunto enlazando los episodios entre sí y dándoles una coherencia en su diversidad. El resultado es una película desigual pero atractiva; a veces pretenciosa pero casi siempre tierna; personal y colectiva a la vez. Un film que nace del amor a una ciudad tanto como del amor al cine y al Amor en general.


6 MAQUILLADORES DE TERROR, CON PELÍCULAS INOLVIDABLES - Por Vicky Núñez Guzmán



Detrás de un gran monstruo, hay unos excelentes maquilladores de terror, profesionales de la caracterización y de los efectos especiales.

Recordamos las películas por las sensaciones que nos produjeron, en esto, los maquilladores de terror son imprescindibles. Ellos se encargan de que los personajes estén perfectamente caracterizados para la película que van a interpretar, en este caso hablaremos de las películas de terror. Grandes maquilladores de la historia del cine han demostrado que su maquillaje puede hacer verdaderos monstruos. Aquí van algunos de los maquilladores que han contribuído a las míticas películas de terror.


Tom Savini


Es el número uno en la sangre y en la verdadera grima. Especialista en maquillaje y efectos especiales para películas de horror. Por sus manos han pasado los personajes más terroríficos, monstruos como los de las películas Viernes 13: el capítulo final, Creepshow; El día de los muertos vivientes o El asesino de Rosemary.


Jack Pierce



Un icono en el mundo de la caracterización. Fue el maquillador de las películas clásicas del cine de terror, de los primeros artistas del maquillaje. Se encargó de dar vida a los monstruos de las películas Drácula y también Frankenstein, de 1931. También estuvo en las películas de terror El Golem y White Zombie.


Rob Bottin



También aprendió la caracterización de horror del maestro Rick Baker, que influyó definitivamente en sus comienzos. Ha trabajado en películas como La cosa, La niebla, Se7en, Deep Rising, Mimic y Robocop entre otros títulos.


Tsuji Kazuhiro


Otro maquillador imparable, cuenta una inmensa experiencia en el mundo de la caracterización para cine, tiene una filmografía de vértigo. Aprendió con el gran Rick Baker, participando en su estudio. Su presencia estuvo detrás del maquillaje en Pactar con el diablo, Men in Black, The Ring, Ángeles y demonios, la caverna maldita, entre otras películas memorables.

Rick Baker


Tiene el mérito de ser el maquillador más galardonado en los Oscar, premiado 7 veces. Entre sus trabajos, destacamos Un hombre lobo americano en Londres y sus trabajos para Michael Jackson Thriller y Ghosts. También se encargó de The Howling, Hombres de Negro y The Ring. Fue ayudante de efectos especiales en El exorcista y La furia. Además tiene una larga lista de películas espeluznantes y no tan espeluznantes


Dick Smith


Un gran artista de los efectos especiales, conocido en su profesión como The Godfather of Make-Up. Entre sus películas más tenebrosas encontramos El exorcista, Scanners, La casa de la colina encantada. Asimismo, tomó partido en las series de televisión Way Out, Dark Shadows.

PELÍCULAS CON TECNOLOGÍAS QUE REVOLUCIONARON EL CINE - Por Vicky Núñez Gúzman




El cine siempre ha sido una de las formas de arte más innovadoras. Pero a lo largo de más de un siglo de historia del cine, ha habido un puñado de directores que se han destacado del resto por impulsar al medio y crear un trabajo que está totalmente adelantado a su tiempo.


A continuación, una selección de títulos que se hicieron célebres por introducir nuevas fórmulas o innovaciones tecnológicas al servicio de buenos argumentos.




"2001: Una odisea del espacio". 

Casi una década completa antes de que Star Wars se convirtiera en el punto de referencia de éxito para el género de ciencia ficción, Stanley Kubrick estaba revolucionando el género por derecho propio con 2001: A Space Odyssey . 


Visualmente impresionante en todos los sentidos, las huellas dactilares de Kubrick se pueden encontrar en cada elemento de la película, hasta el vestuario y el diseño del escenario. También fue un pionero de la proyección frontal y las esteras retrorreflectantes, dos técnicas que fueron precursoras de la creación de películas en pantalla verde.


"El mago de Oz (1939)". 


Uno de los musicales infantiles más famosos de todos los tiempos y también la confirmación de que el color iba a cambiar el cine para siempre. Fue una de las primeras superproducciones en utilizar esta tecnología y los equipos técnicos y de arte hicieron muchos esfuerzos por lucirla a través de la iluminación y los colores de vestuario y decorados.



"The Matrix (1999)". 

Para reflejar el mundo de 2199, donde los experimentos con ADN, las plagas con armas químicas y similares están a la orden del día, los hermanos Wachowski tenían que hacer un alarde tecnológico espectacular. Hasta 412 fotogramas (200 planos) con efectos especiales en los que se utilizaron las últimas técnicas de producción y posproducción digital, en especial la imagen ralentizada con movimientos de cámara extremadamente rápidos.



"Metrópolis" (1927). 

El director Fritz Lang ni siquiera tuvo el beneficio del sonido para contar uno de los cuentos de ciencia ficción más convincentes de la historia, la película que se desarrolla en el futuro y parece que también se filmó allí, fue una de las primeras películas en emplear efectos especiales, incluido el uso del proceso Schüfftan (en el que los espejos ayudan a crear la ilusión de que los actores están interactuando con un conjunto), la película se ha convertido en un punto de referencia para prácticamente todas las películas de ciencia ficción que Lo ha seguido ( 2001 y Star Wars incluido).


"Avatar" (2009). 

James Cameron sabía lo que hacía para recrear el fascinante mundo azul de esta fábula con trasfondo ecologista. Más de tres mil efectos especiales, sofisticados métodos de captura de movimiento e innovadoras cámaras de visión estereoscópica para hacer realidad un mundo fantástico en tres dimensiones.



"Tron" (1982). 

El director Steven Lisberger puede no ser un nombre familiar, pero debería serlo. Ha impulsado la tecnología cinematográfica con el clásico de culto Tron, una de las primeras películas para animación por computadora con acción en vivo. También fue un presagio del movimiento de narración transmedia que seguiría, debido al interés de Lisberger en combinar la tecnología de videojuegos con el cine. Aunque no dirigió el Tron: Legacy de 2010, sí se desempeñó como productor ejecutivo.



"Parque Jurásico" (1993). 

La historia de la clonación de los dinosaurios ya es de por sí emocionante. Pero además Steven Spielberg se esforzó al máximo para que pareciera totalmente real. El resultado fue unos efectos especiales y de animación espectaculares para la época, con utilización de robots, animaciones stop motion (cuadro a cuadro), simuladores de vuelo militares y escenas 100% digitales.



"Star Wars: Attack of the Clones" (2002). 


Hace mucho tiempo, en una galaxia no muy lejana, George Lucas cambió el negocio de Hollywood cuando creó uno de sus primeros grandes éxitos de taquilla, y la franquicia definitiva, con una pequeña película de ciencia ficción conocida como Star Wars, pero la quinta entrega de la archifamosa saga dirigida por George Lucas, segunda según la cronología interna, fue la primera película de la historia del cine en rodarse totalmente en digital.


"Toy Story" (1995). 


Que los juguetes cobran vida en la mano de los niños ya lo sabíamos, que pudiéramos verlo y creerlo con nuestros propios ojos fue obra de la fábrica de sueños que ya es Pixar. La factoría del flexo se estrenaba con la primera cinta animada completamente con efectos digitales.

sábado, 9 de febrero de 2019

"Serpico" de Sidney Lumet (1973) - Por Paul Torres




Dirección: Sidney Lumet
Reparto: Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Tony Roberts.



Sinopsis: Años 70. Relato biográfico sobre Frank Serpico, un policía íntegro de principios incorruptibles que, a diferencia de sus colegas, nunca se dejó sobornar, y precisamente por ello siempre tuvo problemas con sus compañeros de profesión y se vio expuesto a situaciones muy peligrosas. (FILMAFFINITY)



Si bien es cierto que el retrato que se hace de Serpico es, principalmente, hagiográfico también lo es que Lumet no evita mostrar defectos en la persona del protagonista, especialmente en su vida personal, con la intención de humanizarle.



El honesto, decidido, idealista, sincero, responsable personaje que vemos en su trabajo es mostrado por Lumet obstinado, cabezota, obsesivo, poco dado al compromiso en el ámbito sentimental, en su vida privada.


Esas cualidades idealistas de las que hace gala durante toda la película, esa decisión y convicción en sus ideas a las que nunca renuncia, lo emparentan con el Quijote, por eso la referencia al mismo en las clases de español que cursa nuestro protagonista no es nada gratuita. Serpico es un personaje profundamente quijotesco.



La interpretación de Al Pacino es magistral, no en balde estaba en su mejor época y nos dejó trabajos que no se olvidarán jamás, situándole como uno de los mejores actores de su generación e incluso entre los más grandes de todos los tiempos. Pacino nos presenta un Serpico bohemio, desastrado que juega con su físico y su vestuario de forma magistral, un personaje original, vulnerable y firme a la vez. Imperecedero.



El retrato de la corrupción policial es espléndido así como el de época. La claustrofobia que produce ese ambiente de trabajo enrarecido sin saber en quien confiar dota de intensidad a la película, trabajo que se echa por tierra en la segunda parte de la misma por las circunstancias mencionadas, un exceso de elipsis, demasiado marcadas en los saltos temporales que restan la intensidad lograda anteriormente, entre otras cosas.


“Z” de Costa-Gavras (1969) - Por Frank Binueza





En un país regido por una supuesta democracia, pero dominado por las fuerzas policiales y militares, un diputado de la oposición es víctima de un atentado en plena calle cuando acababa de presidir un mitin de carácter pacifista. Mientras el gobierno y los militares tratan de que el incidente sea solucionado de la forma más rápida posible, un joven magistrado es encargado de indagar en el turbio asunto, consciente de que se trata de un crimen político. Al mismo tiempo, un ambicioso periodista emplea métodos poco ortodoxos que servirán para descubrir la amplia red de conspiración que rodea el atentado, cuyas implicaciones empezarán a afectar rápidamente a todos los involucrados.



“Cualquier similitud con personas reales y eventos no es casual. Es intencional”



Basada en la novela homónima escrita por Vassilis Vassilikos, el filme reinventa los acontecimientos que rodearon al atentado que sufrió el político demócrata griego Grigoris Lambrakis en 1963, mostrando una visión satírica y cruda de la clase política griega, capturando la indignación que causó la dictadura militar en Grecia entre 1967 y 1974.



El drama y el suspenso del filme se ve mantenido por la incendiaria atmósfera política que impregna el relato de principio a fin, que solo es superada por la rampante corrupción que demuestran los cuerpos de seguridad pública, para quienes la defensa de la democracia, consiste en “pulverizar” cualquier muestra de pensamiento opuesto a las ideas rancias de sus dirigentes actuales.



La frenética narración muestra tanto los encubrimientos dentro de la sombría burocracia que teme al movimiento liberal, como la desesperación dentro de la propia gente del diputado atacado, que van de la mano con una fantástica banda sonora y rápidos cambios de cámaras para crear un ambiente de constante tensión, mientras los inesperados giros de la historia sólo son superados por la cruda realidad de los eventos que lo inspiraron, demostrando no sólo los peligros de la corrupción a cualquier nivel de los gobiernos, sino también aquella que es permitida por los mismos ciudadanos...




FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Z” (1969)
Director: Costa-Gavras
Guion: Jorge Semprún, basado en la novela “Z” de Vassilis Vassilikos.
Reparto: Yves Montand,  Jean-Louis Trintignant,  Irene Papas,  Jacques Perrin,  François Périer, Pierre Dux,  Charles Denner,  Marcel Bozzuffi,  Magali Noël,  Renato Salvatori, Georges Géret
Género: Thriller político, Drama, Basado en Hechos Reales
País: Argelia, Francia




"Cien Años de Perdón" de Daniel Calparsolo (2016) - Por Fidel Anadón



España (2016)
Género: Crimen- suspenso.
Dirigida por Daniel Calparsolo.
Duración: 1h 41 min.
Reparto: Luis Tosar, Raúl Arévalo, Rodrigo de la Serna, Joaquín Furriel.


SINOPSIS: 
Una lluviosa mañana, un grupo de ladrones profesionales, disfrazados y armados, asaltaron la sede central de un banco en Valencia. 



Lo que al principio parecía ser un robo limpio y fácil, pronto se complica cuando el túnel por el que iban a escapar se inunda debido a la copiosa lluvia, no dejándoles posibilidades más que cambiar de planes de escape, pero se complica aún más cuando la directora de la sucursal festeja un secreto oculto en una de las cajas de seguridad.



El caso del robo, y el terrible descubrimiento que cambiaría todo, pondría en jaque al gobierno del país cuando el jefe de gabinete de la presidencia descubre con sorpresa que el robo es en realidad una operación organizada por una facción del propio partido para hacerse con el contenido de la caja 311, la cuál pertenece a un antiguo miembro del partido del gobierno, que está en coma, y la información es comprometida. Pero la idea era que no salga nadie con vida.


Un thriller de compañerismo, supervivencia, fidelidad, y amistad, mezclada con el suspenso, la acción y corrupción a niveles impensados, que muestra como está la situación de corrupción en el gobierno hoy en día.


"Rambo" de Ted Kotcheff (1982) - Por Paul Torres



Sinopsis: Cuando John Rambo, un veterano boina verde, va a visitar a un viejo compañero de armas, se entera de que ha muerto víctima de las secuelas de la guerra. Algunos días después, la policía lo detiene por vagabundo y se ensaña con él. Entonces recuerda las torturas que sufrió en Vietnam y reacciona violentamente. (FILMAFFINITY)


Viéndola de nuevo, casi tres décadas después de su aparición, resulta que no ha envejecido en absoluto, más bien es sorprendentemente moderna y su discurso y trasfondo aún están vivos hoy día, quizá más aún que en el momento de su estreno. Su vértigo y su trepidación permanecen intactos, y su drama, el de un hombre demolido por la guerra, merece situarse como uno de los relatos de acción más importantes de los ochenta, y, por tanto, una importantísima muestra de cine de aventuras.


Adaptación bastante libre de la más que decente novela de David Morrell, algunos famosos actores fueron considerados para el papel de John Rambo, entre ellos Clint Eastwood, Steve McQueen, John Travolta o Dustin Hoffman. La llegada de Sylvester Stallone, que ya estaba un poco cansado de su Rocky Balboa, al parecer propició algunos cambios en el personaje que a mi modo de ver son muy interesantes, porque añaden un nivel de crítica social que no se encontraba en el original literario y que es uno de los elementos que hacen a este filme tan emocionante.


“Assault on Precinct 13 / Asalto en la Comisaría del Distrito 13” de John Carpenter (1976) - Por Frank Binueza





El Teniente Bishop (Austin Stoker), recibe su primera misión tras un reciente ascenso, hacerse cargo de la Comisaría del Distrito 13 en la calle Anderson, en el sur de Los Ángeles. El lugar actualmente se está trasladando a un nuevo edificio, así que la tarea parece sencilla. Sin embargo las pandillas locales han hecho un pacto de sangre para vengar la muerte de varios de sus miembros la noche anterior. Sin saberlo, Bishop se encuentra en medio de una guerra, contando únicamente con la ayuda de dos criminales y una secretaria para defenderse del asedio de los pandilleros…



“En mi situación los días son como las mujeres, son algo que muy hermoso pero que siempre acaban por abandonarte…”



Escrita, dirigida y musicalizada por John Carpenter, esta película es un original homenaje a los westerns clásicos, y en especial a “Río Bravo” (1959) de Howard Hawks, trasladando la acción a los abandonados barrios marginales de Los Ángeles, con grandes dosis de acción y suspenso, una atmósfera claustrofóbica, y una gran banda sonora, que la convierten en una de las mejores películas serie B de los 70’s.



Temas como las tensiones raciales y las pandillas juveniles, se mezclan con grandes cantidades de violencia explícita y diálogos excepcionales con grandes chispazos de humor negro. Lo que al principio parecen varias historias sin conexión aparente, se verán reunidas por la lucha por sobrevivir al brutal ataque en la decadente comisaría número 13, en donde los personajes menos pensados se unirán por un fin común: salir con vida.



Con un desarrollo “sencillo”, y sin escatimar en imágenes crudas y oscuras, “Asalto en la Comisaría del Distrito 13” es un título obligado dentro de la amplia y variada filmografía de John Carpenter, y que a pesar de su ínfimo presupuesto y corto tiempo de filmación, es sin lugar a dudas un filme de acción imprescindible.




FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Assault on Precinct 13 / Asalto en la Comisaría del Distrito 13” (1976)
Director: John Carpenter
Guion: John Carpenter
Reparto: Austin Stoker,  Darwin Joston,  Laurie Zimmer,  Martin West,  Tony Burton, Charles Cyphers,  Nancy Kyes, Kim Richards.
Género: Acción, Thriller, Serie B
País: Estados Unidos