Buscar este blog

"Cinema Paradiso"

"Cinema Paradiso"

martes, 28 de febrero de 2017

CALIGULA

CALIGULA, Tinto Brass, 1979.
 
Concebida por Bob Guccione mandamás de Penthouse como el “Ben Hur” de las películas para adultos con un presupuesto absurdamente inflado para la época (más de 17 millones de dólares), 2 años de rodaje, un elenco multiestelar (Malcom McDowell como Calígula, Peter O’toole como Tiberio, John Gielgud como Nerva, Helen Mirren como Caesonia y Teresa Ann Savoy reemplazando a María Schneider en el papel de Drusila), un director con aires de genio erotómano, un guionista enojadísimo porque no se respetó su escrito y en los créditos hacían constar como basado en un guión original de Gore Vidal, un montaje postproducción que añadía escenas porno con las muñequitas de la empresa y un montón de peleas físicas y verbales entre todos los involucrados dieron como resultado una infame cinta en la que prima el morbo sobre el espectáculo.


La historia de CALÍGULA ( 12 al 41 D.C.) tercer emperador del imperio romano asciende al poder luego de dar muerte a Tiberio, lleva una relación incestuosa con su hermana Drusila quien le aconseja que tiene que casarse para tener descendencia y escogen a una mujer divorciada llamada Caesonia de moral muy dudosa y pronto el poder empieza a desequilibrar la mente imperial haciéndole proclamarse Dios, nombrar senador a su caballo, asesinar y torturar a sus opositores y establecer un burdel donde los clientes podrán disponer de las esposas e hijas de los patricios. El senado y el ejército indignados por los continuos oprobios deciden darle muerte poniendo a Claudio, un oligofrénico (hay quien dice que fingía a propósito) en su lugar.



Peplum descaradamente provocador que con el pretexto de la época servía para mostrar los excesos del poder y que según cuentan en el original de Vidal subyacía una carga crítica similar a SALÓ de Pasolini pero que ni Brass y peor Guccione compartían esa visión así que reemplazaron la utilización del sexo como instrumento de poder por devaneos carnales más fútiles. Sin embargo Giccione quería más y despidió al realizador italiano para añadir metraje pornográfico en unas cuantas escenas en particular aquella de la orgía en el burdel. McDowell se quejó constantemente que su personaje era tan afectado que solo concluyó el rodaje por su contrato. John Gielgud con total sorna afirmó que a sus 75 años había hecho su primer porno y Peter O’toole se la pasó borracho todo el tiempo que duró su participación. Así que del metraje filmado se manipuló tantas veces que nadie sabía el metraje real, incluso en 1984 la Penthouse la reestrenó sin cortes. Ahora con las restauraciones digitales tenemos en Bluray el disco con las dos versiones, la “normal” de cerca de 2 horas de duración y la porno con 40 minutos más.


Tras su exhibición y conociéndose los entretelones de su filmación algún periodista inquirió a Gore Vidal si no había pensado en el suicidio a ver tan maltratado su prestigio a lo que el escritor respondió: En el suicidio no, pero en el asesinato a menudo. Sea quien haya sido el responsable del resultado final lo que se suponía iba a ser una epopeya sobre la orgía del poder terminó siendo la PELICULA, sí con mayúsculas , del poder de la orgía (sic).
Película de romanos no apta para la Semana Santa.

lunes, 27 de febrero de 2017

CINE BASADO EN UN CÓMIC, 30 Días de Oscuridad (USA 2007)

Producida por San Raimi y basado en un cómic publicado en el año 2002, 30 Days Of Night es una historia que bebe de las mejores historias de terror, con un humor añejo y efectivo, el impactante arte digital de Ben Templesmith en simétrica pared con el autor Steve Niles recrean una atmósfera fría, lúgubre hasta lo indecible, esta dupla es capaz de trasmitir, con unos trazos tan elementales que parecen salidos de la pluma de un infante, lo que refuerza ese horror primigenio ante el acecho de un cazador que lo avasalla y supera con creces. 


El cómic, como es común en estos casos, se diferencia mucho de la encarnación en pantalla, quizás se extrañe esa simpleza en sus dos primeras partes y esa narrativa muy descriptiva en la transformación clave al final del relato, que se ve torpemente retratada en el filme.


 estamos ante una clase de cine de vampiros que, junto a “Vampiros de Carpenter”, se sacuden de toda la idiota tendencia de hadas de luz, que buscan consuelo en adolescentes aburridas y de poca autoestima, simplemente se las comen sin mucho tramite (y cuando hablamos de devorar a sus víctimas, pues es así…) otro de los aspectos significativos de la trama es el entorno en el que los acontecimientos de la cinta se suceden: ese escenario en la parte mas septentrional de Alaska, el poblado de Barrow, donde existen 30 días de luz solar y otros 30 de noche al año.


Se prepara el escenario con una tranquilidad y mesura agobiante, desde la manera como se proceden a cortar las comunicaciones, asesinar a los perros del pueblo, durante el primer tramo de la cinta ya estamos al tanto de que algo va a ocurrir, el guion no está para sorprendernos con un falso suspenso y ese guiño desalmado hacia el espectador es solo la confirmación de lo que va a ocurrir en el segundo tramo. Los vampiros no están para ejercicios de seducción, tampoco para jugar con sus victimas, vienen a alimentarse y tienen que aprovechar todo la oscuridad que puedan, visten de negro y revelan sus fauces sangrantes con un evidente orgullo, como si el carmesí chorreante en la ropa y su piel se convirtieran en una marca prestigiosa, tampoco son unas criaturas bestiales y torpes, dialogan en un arcano idioma de los países bálticos pero solo para comunicar lo indispensable de la cena.


Aquí vemos a los protagonistas que no son héroes ni mucho menos, asumen su rol en este “survival horror”,  al menos están dispuestos a no ser unas presas tan fáciles de servir.
El tramo final de la cinta quizás sea el mas flojo de todos, con un “deux machina” poco logrado, precisamente por la poca pericia del director, ya que la descripción del cómic adquiere una calidad literaria que no logra replicarse en la cinta, al contrario se ve torpe e ilógica, esto lamentablemente es uno de esos factores que lastran de alguna Manera el relato, aunque no le quita méritos a la bonita escena final (que fue copiada en otra cinta también basada en un cómic de vampiros).




Con sus defectos: la atmósfera, el diseño, el original argumento. Es una cinta muy recomendable que tuvo una precuela directa para el mercado casero.



Año: 2007
Duración: 113 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos
Director: David Slade
Guion: Steve Niles, Stuart Beattie, Brian Nelson (Cómic: Steve Niles, Ben Templesmith)
Música: Brian Reitzell
Fotografía: Jo Willems
Reparto: Josh Hartnett, Melissa George, Ben Foster, Danny Huston, Manu Bennett, Kate O'Rourke, Mark Boone Junior, Craig Hall, Joel Tobeck
Productora: Coproducción USA-Nueva Zelanda
Género: Terror. Thriller | Vampiros. Cómic.



Marco Masama

viernes, 24 de febrero de 2017

TEMPORADA DE PREMIOS: "KUBO AND THE TWO STRINGS" (2016). Por Doug Valverde




Ganadora del BAFTA a Mejor Película Animada
Nominada al OSCAR a Mejor Película Animada y Mejores Efectos Visuales.


FICHA TÉCNICA:
 
País: Estados Unidos.
Reparto: Charlize Theron, Art Parkinson, Ralph Fiennes, Rooney Mara, George Takei, Mathew McConaughey.
Productora: Laika
Género: Animación, Fantasía.
Dirección: Travis Knight.
Guión: Mar Haimes, Chris Butler, Shannon Tindle

SINOPSIS:
Kubo es un pequeño con habilidades mágicas que le confieren la facultad de manipular objetos a través de la música de su shamisen, en especial moldeando papel en origami, habilidad que usa para ganarse la vida contando historias que ha conocido a través de su madre que se encuentra gravemente enferma y le cuenta las aventuras que tuvo su padre como un legendario Samurái que consiguió portar completa la armadura mágica, enfrentándose al mal en diversas ocasiones en que surgió vencedor, hasta cierto punto en que aún es un misterio para el mismo Kubo.
Siendo de una estirpe de hechiceros mitológicos es perseguido por las hermanas malvadas de su madre lo que obligara a este joven héroe a emprender un viaje trascendental en la búsqueda de la Armadura Mágica para vencer las terribles acechanzas que tienen como objetivo dominar a la humanidad en compañía de dos místicos compañeros.


ESTUDIO LAIKA Y SU TÉCNICA VISUAL
Laika nos ha traído grandes animaciones entre las que figuran Coraline, ParaNorman y Boxtrols, en las que ha demostrado un buen nivel técnico en el stop-motion, tienen sus origines en Nike como proyecto de publicidad para sus productos de lo cual ha venido creciendo y presentándonos los destacados trabajos antes señalados, lo más agradable es enterarse que no tienen intenciones de realizar secuelas de sus obras ya que da han decidido centrarse en realizar producciones originales para enriquecer la magia del cine de este género. 
Para la edición número 89 de los Oscars se encuentra nominada en las categorías de Mejor película animada y Efectos Visuales, lo que dice mucho del trabajo realizado para llevarla a la pantalla, siendo la única película de animación nominada en ambas categorías para esta gala de premios, haciendo esfuerzos hasta el día de hoy experimentales como la creación de la primera marioneta por medio de impresoras 3D hasta las técnicas más clásicas y artesanales para la creación de escenarios y la marioneta mas grande creada por esta compañía y talvez la mas grande para estos propósitos (5 metros, 180 Kg.) en términos de animación Stop-motion, además contando con expertos en el arte visual como David Horsley (Life of Pi) y actores de la talla de Charlize Theron, Ralph Fiennes, Rooney Mara y Mathew McConaughey hacen a Kubo una propuesta atractiva con demasía.


 LA CULTURA JAPONESA EN EL CINE DE ANIMACION
El presidente de Laika y director de esta película, Travis Knight, quedo fascinado en su infancia al visitar Japón y siempre tuvo la ilusión de compartir esta impresión que dejo en el esta cultura y al aparecer la idea propuesta por el diseñador de personajes Shannon Tindle de hacer la historia de un samurái en su viaje a la madurez supo que su hora para debutar como director había llegado.

Sabiendo que reflejar la cultura oriental ha sido un tema complejo de adaptar a una obra de animación de origen occidental ha sido muy difícil para esta industria, cosa que tiene talvez sus únicos precedentes exitosos en “Kung fu Panda” de DreamWorks y “Mulan” de Disney, se recurre al apoyo de los expertos en el tema como el Museo Japonés, así como a las influencias de Kurosawa y Miyazaki. En esta obra se hace referencia a la mitología oriental en las figuras del Rey Simio, así como al Emperador a quien se le da la atribución de mediador entre la divinidad y los hombres.
 
LAS 2 CUERDAS.
El mensaje de la familia como el soporte de la integridad de las nuevas generaciones es el verdadero centro de la historia. No es de extrañar encontrarnos con un joven huérfano como héroe principal en una historia con trasfondo japonés, siendo una isla tan azotada por terremotos o tsunamis en la actualidad y a través de su historia llena de grandes guerras que siempre dejan como saldo miles y millones de niños creciendo en el desamparo, es irónicamente la historia familiar la que muchas veces ayuda a que estos niños a superar la falta de sus progenitores, llenándoles de orgullo por los logros y tradiciones de la familia, caso similar con nuestro héroe de quien se hace una relación de sus propios ojos y la visión del mundo, Kubo aprende a través de las historias a que su madre cuenta sobre la casta familiar, y se llena de valor para honrar la memoria de sus padres que son su soporte, su fuerza, el punto de partida presente o ausente de su destino en este recorrido épico de su incierto pero siempre amenazador futuro, ¡no parpadeen, ni siquiera respiren! que si dejan de prestar el mínimo de atención a esta historia, nuestro héroe corre el riesgo de morir!!!

jueves, 23 de febrero de 2017

TEMPORADA DE PREMIOS: “A MAN CALLED OVE” DE HANNES HOLM (2015) - Por Frank Binueza.



Título Original: “En Man Som Heter Ove”.

País: Suecia.

Guión: Hannes Holm, basado en el libro homónimo de Fredrik Backman.

Reparto: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll, Tobias Almborg, Klas Wiljergård, Chatarina Larsson, Börje Lundberg, Stefan Gödicke, Johan Widerberg.

Género: Comedia, Drama.

Nominaciones y Premios: 
Premios Oscar: Nominada a Mejor Película Extranjera y Mejor Maquillaje y Peinado.
Premios del Cine Europeo: Mejor Comedia (Ganadora).



SINOPSIS

Ove Lindahl (Rolf Lassgård) es un amargado anciano de 59 años, quien rige con puño de hierro el complejo de condominios donde vive. Él tiene principios firmes, estrictas rutinas y un carácter explosivo. Sin embargo tras su dura coraza, se esconde un hombre triste debido a las recientes y duras pérdidas en su vida. Un día, una mujer de ascendencia iraní llamada Parvaneh (Bahar Pars) y su familia, se mudan a la casa al otro lado de la calle. Cuando por accidente derriban el buzón de Ove con su coche, se inicia una amistad inesperada y un cambio en la vida de un hombre que ha perdido la fe en todo el mundo, incluido en él mismo…



MÁS QUE UN HOMBRE AMARGADO

¿Quién no ha tenido un “vecino del infierno”?, aquél que señala a diestra y siniestra lo que no le parece, que se toma atribuciones para el “bien de la comunidad”, esa persona que detesta a los animales, los autos de sus vecinos, las cosas tiradas en el suelo, a los niños… Todo esto y más es Ove Lindahl, nuestro poco simpático protagonista. La representación de todos aquellos vecinos que generan miedo a niños y adultos por igual, aquella persona que piensa tener la razón en todo y se muestra intransigente con los que no piensan igual a él.

Pero como en la vida, Ove no es un personaje unidimensional, hay una razón para su comportamiento, en este caso varias razones, unas más fuertes que otras. En algún tiempo él fue el presidente de la asociación de vecinos, y aunque fue depuesto de su cargo, todavía se siente en la “obligación” de velar por su comunidad.



UN HALO DE TRISTEZA

Ove recientemente ha enviudado y acaba de ser despedido de su trabajo, lo único que lo mantenía atado a este mundo. Tal como se lo había prometido a su amada Sonja, llegado el tiempo, él la acompañaría en su viaje. Es así como vemos el primer intento de suicidio de Ove, y la primera mirada al pasado de un hombre quien perdió a corta edad a su madre, y se quedó viviendo con su padre, un hombre de pocas palabras y con dificultad para mostrar sus sentimientos, a quién Ove se parece demasiado.

Luego de este conmovedor recuerdo, Ove es interrumpido por sus nuevos vecinos, Parvaneh una mujer embarazada y ascendencia iraní, su inútil esposo Patrick y sus parlanchinas hijas. La familia representa todo lo que odia Ove, manejan un auto extranjero, hablan demasiado y no acatan las reglas de la comunidad. Sin embarga Parvaneh es una mujer obstinada, y aún con el rechazo mostrado por Ove, decide interactuar con él, involucrándolo en situaciones incómodas como regalarle comida, obligarlo a llevarla al hospital por un accidente de su esposo, encargarle a sus hijas y hacerlo que adopte a un gato callejero.


NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA

Aunque Ove está desesperado por la aparente imposibilidad de consumar su cometido, los recuerdos de efímeros mejores tiempos le dan un alivio en medio de su crisis existencial, y por medio de la insistencia de su vecina, empieza a reconciliarse con su pasado, y aceptar su futuro.

Poco a poco la historia, hace cambiar nuestra opinión hacia este “vecino del infierno”; mostrándonos que en esta vida, todo  depende del lado desde donde se ven las cosas.

 “A man Called Ove” es un cuento agridulce de amor, arrepentimiento y libertad, a la vez desgarrador como reconfortante...



martes, 21 de febrero de 2017

TEMPORADA DE PREMIOS: “ELLE” DE PAUL VERHOEVEN (2016) - Por Frank Binueza.


Ficha Técnica.

País: Francia, Alemania, Bélgica.

Guión: David Birke, basada en la novela “Ohh…” de Philippe Djian.

Reparto: Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira, Judith Magre, Christian Berkel, Jonas Bloquet, Alice Isaaz, Vimala Pons y Raphaël Lenglet. 

Género: Drama, Thriller Psicológico.

Nominaciones y Premios:

Festival de Cannes 2016: Nominada a la Palma de Oro.

Premios Goya: Mejor Película Europea (Ganadora)

Globos de Oro: Mejor actriz (ganado por Isabelle Huppert), Mejor película de habla no inglesa (ganadora).

Premios César 2017: Mejor actriz (Isabelle Huppert).  Mejor actriz de reparto (Anne Consigny). Mejor actor de reparto (Laurent Lafitte). Mejor actor-Revelación (Jonas Bloquet). Mejor Música. Mejor Fotografía. Mejor Adaptación. Mejor Montaje. Mejor Sonido. Mejor Director (Paul Verhoeven) y Mejor Película.

Premios Oscar: Mejor actriz (Isabelle Huppert).


Sinopsis.

Michèle LeBlanc (Isabelle Huppert), es una implacable y exitosa ejecutiva de una empresa de videojuegos, que es asaltada y violada en su propia casa. Tras el ataque decide no involucrar a la policía debido a un suceso traumático de la infancia. Pero cuando el atacante empieza a acosarla, Michèle empieza a sospechar de los hombres que existen en su vida, enredándose en un peligroso juego…



Comentarios.

Esta sería el primer filme dirigido por el holandés Paul Verhoeven en casi 10 años, y además el primero hablado completamente en francés. Luego de su participación en el festival de Cannes de 2016, obtuvo una respuesta positiva tanto de la crítica como del público en general, por el elegante manejo de la violencia y el sexo, tópicos que ayudaron al holandés durante su etapa en Hollywood con títulos tan dispares como “Robocop”, “Total Recall” o “Basic Instinct”,  y por la fantástica atmósfera de suspenso e ironía que supo dotar a la historia.


El peso de la historia recae en “Michèle LeBlanc” interpretada por una fantástica Isabelle Huppert, que logra dotar de gran naturalidad a un personaje tan complejo como interesante. Una mujer práctica y llena de poder, que a los pocos segundos de la película es víctima de un cobarde ataque de parte de un desconocido enmascarado; pero tan rápido como sucede el ataque, toma en “control” su vida nuevamente, limpia el desastre, se da un baño y recibe la visita de su inútil hijo, como si no hubiera pasado nada. No es la clásica “víctima” que nos venden los edulcorados dramas hollywoodenses, es una mujer impredecible, mucho más fuerte que los hombres que la rodean, y a la vez provista de una naturaleza ambigua producto de su cruda infancia; déspota y hasta cierto punto antipática, pero con un sentido claro de la vida. Ella sigue siendo una víctima, pero no es una caricatura ni de la mujer común ni de la mujer con poder, y aunque roza ese delicado límite, no dejará que un hombre domine o arruine su vida.


Si bien la historia tiene como eje central la violación de la protagonista, logra conectar de forma natural todos los problemas que aquejan en su vida, desde los problemas por el retraso en el lanzamiento del último videojuego de su empresa; la aventura que mantiene con el esposo de su mejor amiga y socia; las nuevas parejas de su ex esposo y de su madre; los problemas con su hijo y su novia embarazada; y la reciente notoriedad que ha cobrado su padre, un asesino serial, y el papel que Michèle, siendo una niña desempeño en los asesinatos. Poco a poco vamos entendiendo el origen de la personalidad de la protagonista, pero sin sentimentalismos ni atisbos de compasión, ya que ella no es una mujer perfecta. Eso nos queda claro, en la revelación del atacante, y la reacción de ella.


Los elegantes decorados y la excelente musicalización, dan un perfecto acompañamiento para cada una de las escenas, que a pesar de su largo metraje no decae en ningún momento, brindándonos instantes de diversión como de intensidad, impotencia y estremecimiento. Aun así el tratamiento de un tema tan delicado como la violación, ha generado cierta polémica en diversos círculos. Sin embargo “Elle” es una muestra que Paul Verhoeven aún mantiene su talento para contar buenas historias, y posiciona a  Isabelle Huppert como a una de las actrices francesas más talentosas y versátiles de los últimos años.