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"Cinema Paradiso"

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domingo, 5 de noviembre de 2017

ESPECIAL DEL 5 DE NOVIEMBRE: V DE VENDETTA (2005) de James McTeigue. Por Doug Valverde


FICHA TÉCNICA:
País: Estados Unidos, Inglaterra, Alemania
Reparto: Natalie Portman, Hugo Weaving, Stephen Rea, Stephen Fry, John Hurt
Género: Sci Fi, Acción, Adaptación de Comic, Distopía
Dirección: James McTeigue
Guión: Wachoski Brothers


SINOPSIS:
En Gran Bretaña durante un futuro distópico, tras una guerra nuclear parcial, con gran parte del mundo destruido. En este futuro, un partido fascista llamado Norsefire (Fuego nórdico) ostenta el poder en el Reino Unido. Un misterioso anarquista revolucionario apodado “V”, oculto tras una máscara de Guy Fawkes, empieza una elaborada y violenta campaña con el fin de derrocar el gobierno e incitar a la población a adoptar una sociedad anarquista. Evey Hammond (Portman) es una joven que trabaja en la cadena gubernamental de televisión, un día al andar por las calles durante las horas del toque de queda es atacada por un par de maleantes que intentan abusar de ella y en este justo momento es rescatada por V, quien influirá fuerte mente en ella y los ideales del resto del pueblo.

EL 5 DE NOVIEMBRE
Guy Fawkes (York, 13 de abril 1570 – 31 de enero de 1606) fue un conspirador católico inglés, hijo de un notario de York, que sirvió en el Ejército Español de los Países Bajos. Al volver a su país formó parte de una conspiración dirigida por Robert Catesby y Percy, con el objetivo de hacer volar el Parlamento mediante explosivos situados en la base del edificio, y que Fawkes debía hacer explotar cuando los parlamentarios estuviesen reunidos. Arrestado el 5 de noviembre de 1605, declaró que quería volar el Parlamento para acabar con las persecuciones religiosas. Se negó a denunciar a sus cómplices y fue ejecutado. Desde entonces, el 5 de noviembre, se rememora en Inglaterra la Bonfire Night (La noche de las hogueras) donde se simula que se quema en la hoguera a Guy Fawkes. La organización de Hackers antisistema “Anonimous” ha tomado la imagen de la mascara de Guy Fawkes para identificarse ante los medios seguramente a partir de esta película y el gran mensaje que este personaje transmite para su causa.


DEL COMIC AL LIVE ACTION
Alan Moore, plantea que al escribir el comic V de Vendetta, Inglaterra se encontraba en una situación donde un futuro como el descrito en esta historia podría ser real, claro esta que sin haber tomado en cuenta cuan devastador podría ser el impacto que un apocalipsis nuclear podría causar, ya que la vida en la tierra seria poco probable tras desatarse un ataque mundial con estas armas de destrucción masiva, lo cual el autor admite, pero también resalta que la conducta política dictatorial en diversos países fue casi predicha en el planteamiento de esta obra que también se apoya en planteamientos distópicos como el de “1984” o “Fahrenheit 451” que sugieren un control total y distracción del pueblo por todos los medios posibles para los fines que los lideres gobernantes juzguen necesarios. Como es de esperar tal como paso con Watchmen, a Alan Moore no le gustó la adaptación al cine, ya que juzga que siempre que su obra es llevada a otro formato pierde su escencia o el punto de vista de lo que quizo transmitir al ser interpretada por un director, guionista o actor, en cambio David Lloyd apoyó la decisión del film, y en lo particular como espectador puedo decir que un gran trabajo de guion por parte de los Wachoski logro guardar en escencia el mensaje del comic, aunque algunos factores en la producción fallaron en hacer mas notable el estado de restricción en que debió reflejarse a esta sociedad en el film para acercarse mas a la realidad que sugiere el comic. Las actuaciones son muy destacables por parte de Natalie Portman y Hugo Weaving quien dio voz a "V" pero compartió la mascara con James Purefoy quien habia sido el primer elegido para el papel pero Purefoy se retiro al grabar algunas escenas y darse cuenta que no mostraria el rostro en toda la pelicula.


ANARQUIA

Alan Moore se ha presentado como simpatizante de la doctrina anarquista de la sociedad, habiéndolo planteado genialmente en novelas graficas como “V de Vendetta” y “Watchmen”, algo que también Frank Miller realizó destacablemente en “Dark Knight returns” todas ya obras clásicas y de culto en el comic. Generalmente se nos plantea la Anarquia como un caos social y político y no asi como el fin que perseguia en los planteamientos de la filosofía moralista griega donde tuvo sus orígenes y se proponía como una sociedad organizada políticamente sin estado o gobernantes en si, ya que este viola las libertades de los individuos al restringirlo ante la ideología política de moda, argumentando que cada persona debe y puede aprender a gobernarse a si mismo respetando a sus semejantes de manera ética, en una sociedad ideal, lo cual es su punto fuerte y a la vez su debilidad al eliminar el factor de la coerción (policía, ejercito) vital para mantener en relativo orden a los que falten al orden en la misma comunidad. Lo mas adecuado siempre seria un híbrido entre este modelo y el de gobierno de modo que se pueda dar con mayor facilidad respuesta a la voluntad del pueblo para poder conseguir un gobierno mas eficiente lo cual es limitado por la lenta y anticuada estructura del estado. V, nuestro personaje central se manifiesta como la exigencia de dar esa respuesta a la solicitud de los que no están en el poder, tal como una de sus frases mas acertadas resalta “El pueblo no debería temer a sus gobernantes, los gobernantes deberían temer al pueblo”.

miércoles, 19 de octubre de 2016

RESEÑA CINEFILA PRESENTA: "LA TRILOGÍA DEL SEÑOR DE LOS ANILLOS" (parte 2 y final) DIRIGIDA POR PETER JACKSON (2001-2003) - Por Rommel Vásquez Caro


En la ocasión anterior comencé la reseña de la Trilogía del Señor de los Anillos pero se extendió, hablé de las novelas infilmables, de cómo le surgió la idea a Peter Jackson de hacer la trilogía, los premios que ganaron las películas y las escenas eliminadas que ni siquiera salieron en la versión extendida. Hoy cierro con el tema de las reacciones sobre la adaptación de los libros en sí, lo que incluyeron o lo que dejaron por fuera en esta maravillosa trilogía.

Aún cuando la trilogía fue muy bien recibida por el público y la crítica en general, hubo muchos fanáticos de los libros que se quejaron a viva voz sobre los personajes o las exclusiones que consideraron vitales. Como por ejemplo la eliminación por completo del penúltimo capítulo del libro "El saneamiento de la Comarca" el cual es un evento que tuvo lugar en la Comarca durante el fin de la Guerra del Anillo, así como el único momento en la Comarca fue atacada durante los grandes años.


Algunos seguidores de la novela que se han manifestado en desacuerdo con tales cambios han producido versiones editadas no oficiales de los filmes, en donde removieron muchas de las modificaciones para así mantener el contexto lo más cercano al material original. El resultado es una versión de 8 horas de duración en su totalidad denominada "The Lord of the Rings: The Purist Edition"

Muchos de los que participaron en el film son fanáticos de la literatura de Tolkien y estuvieron muy de acuerdo con las modificaciones del mismo, incluso Cristopher Lee quien interpretó a Saruman, conoció a Tolkien en persona. Otros indican que las películas son una especie de tributo e invitan a la gente a leer los libros y meterse de lleno en la literatura fantástica de Tolkien.


Otros cambios que se hicieron entre muchos fue la exclusión del personaje misterioso Tom Bombadill, el cual también fue excluido de las versiones animadas. También resultó controvertido que Arwen sustituyera al personaje de Glorfindel, en la escena del vado de Bruinen, que le habría correspondido interpretar rescatando a Frodo de la estocada del Rey de los Nazgul y llevado a Rivendel posteriormente.

Los cierto es que muchos indican que una película que adaptara fielmente los libros tendría una duración de unas 40 horas como para hacer más bien una serie de Tv al más puro estilo de juegos de Tronos!



martes, 18 de octubre de 2016

ADAPTACIONES LITERARIAS: "LA TRILOGÍA DEL SEÑOR DE LOS ANILLOS" DIRIGIDA POR PETER JACKSON ENTRE LOS AÑOS 2001 Y 2003. - Por Rommel Vásquez Caro.


La verdad es que por tratarse de un reseña de tres películas mientras escribía se me tornó larguísima! escribí sobre los actores, aspectos técnicos, montaje, premios, etc., etc., etc., pero noté que ya la cosa se estaba extendiendo mucho!! así que recorté todo y dejé lo que leerán aquí, referente a la adaptación del los libros al cine y la receptividad que tuvo el público y la crítica para esta tremenda trilogía. También les hablaré un poco sobre las novelas que se consideran "infilmables". A partir del lunes comenzaremos con un nuevo tema en cuestión del cual sabrán prontamente.

Pues bien, existe una cantidad de libros que se consideran imposibles de llevar a la pantalla grande, bien sea por su complejidad, ambientación, por la extensión o sencillamente los autores no desean ver sus libros en la pantalla grande. Entre esos libros estaban dos que ya fueron llevados al cine , uno de ellos es "El Almuerzo Desnudo" que dirigió David Cronenberg y los libros de Tolkien en general, aún el Silmarillion está en esa lista de libros infilmables junto con otros títulos de renombre como "Cien años de soledad" o "El caballo de Troya"

La trilogía del Señor de los Anillos, fue llevada a cabo por un equipo enorme de personas que trabajaron casi por una década entera, para poder llevar al cine esta magnífica trilogía la cual considero una de mis favoritas de todos los tiempos. Peter Jackson es un director de Nueva Zelanda que se inició haciendo películas de corte bastante gore, muchos litros de sangre y escatología extrema en sus primeras películas ya lo tenían como un director de cine de culto ya que tenía una estética bastante personal.


Jackson no solo dirigió, también escribió los guiones y produjo las tres películas! y también hizo varios cameos en ellas con papeles muy pequeños y de muy corta aparición. Cabe destacar que además de los libros, Jackson tomó muchas influencias de las animaciones que se hicieron del Señor de los Anillos durante 1977 y 1980 y ya reseñados por mi persona en días pasados.

La trilogía tuvo una receptividad enorme, recibiendo muchos premios de todo tipo, resaltando los 17 Premios Oscar que se ganó entre las tres películas.

La primera vez que Peter Jackson tuvo conocimiento del libro El señor de los anillos ocurrió a sus 17 años de edad después de ver la película homónima de 1978, dirigida por Ralph Bakshi. En 1995, durante la producción de The Frighteners, Jackson consideró dirigir una adaptación de El señor de los anillos, ya que decía que nadie se atrevía a realizar algo sobre los libros de Tolkien. Su primera idea era adaptar El Hobbit, pero la productora New Line Cinema le pidió directamente la adaptación de "El Señor de los Anillos" en una sola película, la idea de la trilogía fue de él desde un comienzo.

Una vez que obtuvo los derechos legales comenzó su rodaje que en su gran mayoría fue filmada en su país natal, Nueva Zelanda y comenzó a depurar lo referentes al casting y los personajes que incluiría en la película y cuales dejaría por fuera bien sea por falta de tiempo, complejidad o simplemente no los consideraba necesarios para la narración de la historia.


En cuanto al montaje fue bien complejo teniendo que recortar subtramas del film para el formato cine que luego fueron incluidas en las versiones extendidas en DVD, lo cual hace que las tres películas juntas superen las 9 horas! igual hubo muchas escenas que ni siquiera fueron incluidas en esta versión extendida las cuales son:

-La Batalla de la Última Alianza, presentada en el prólogo de La Comunidad del Anillo
-El diálogo del Concilio Blanco, en el que Gandalf explicaba cómo Sauron forjó el Anillo Único.
-El intento de Boromir de hacerse con el Anillo.
-Las visiones de la Tierra Media que tiene Frodo al ponerse el Anillo. 
-La batalla en Parth Galen.
- Una visión de Faramir en la que se imagina a Frodo transformándose en una criatura similar a Gollum.
-Un combate entre Sauron y Aragorn en la Puerta Negra. En contra de lo aparente, la escena sí se incluyó en El retorno del Rey, pero con un troll generado por ordenador ocultando la imagen de Sauron y sustituyéndole en la acción, pues Jackson pensó que la escena con Sauron era inapropiada. En ella se ve también a Sauron bajo la apariencia maravillosa de Annatar, el Señor de los Dones.

Creo que aún recortando mucho material de la reseña se sigue tornando larga jejeje así que haré una excepción y continuaré con el final de la misma, estén atentos si les interesa el tema saludos cinéfilos y espero que la información les sea útil y de su agrado. Como los posters de las películas son muy conocidos les dejaré ilustraciones de los personajes sacados del libro como Sauron sin su casco o todos los magos que salen en los libros de Tolkien, espero les gusten!


lunes, 17 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": "EL PARQUE GORKI" 1983 DIRIGIDA POR MICHAEL APTE SOBRE UNA NOVELA DE MARTIN CRUZ SMITH ESCRITA EN 1981- Por Christian Dorian.


Tercer libro de una serie de cinco protagonizada por el investigador Arcady Renco, sin duda una de las mejores novelas de triller político de la era de guerra fría entre Rusia y Estados Unidos, Gorbachov -Reagan escrita con un ritmo cinematográfico y una gran cantidad de recursos literarios, asunto difícil de conseguir correctamente cuando no hay arrojo y oficio artístico. 


Tres cadáveres aparecen en el famoso parque Gorki congelados en la nieve el inspector moscovita Renko Arkady, inicia una investigación rutinaria que lo va llevando a esferas del soviet gubernamental que ocultan todo tipo de corrupción y tratos ilegales con un siniestro comerciante americano llamado Jack Osbourne, en el camino aparecen un montón de personajes oscuros e inocentes muy bien perfilados que arman sin duda la trama mas ingeniosa y llena de crítica e iconoclastia (este libro tiene uno de los mejores finales que se puedan leer en la literatura moderna).

La película es dirigida por el gran Michael Apte un director curtido en historias adultas y con una visión contestataria, protagonizada por William Hurt (que luego ganaría un Óscar por El Beso de la Mujer Araña), Lee Marvin "El clásico actor duro de films de vaqueros" y Johana Pacula es una aproximación mínima pero decente a la portentosidad del escrito. 


Moscú y su arquitectura zarista sumados a las nieves perpetuas, los estudios de cine clásicos donde transcurre parte de la acción, los autos rusos de mediocre rendimiento, el estado omnisciente que control, vigila y tiene informantes en todos lados, los callejones escarchados donde espera el peligro, las dachas o haciendas privadas donde funcionan empresas ilegales de cultivo de pieles lujosas, el comercio de armas ilegales, el día azaroso en las oficinas, todo este aparataje de violencia y carga visual son protagonistas del rompecabezas argumental que esta filmado en tomas amplias clásicas, ecos de tecnicolor, homenajes inequívocos al Doctor Zhivago y al Acorazado Potemkin, a las heroínas rusas de ojos grandes y mirada triste mientras mendigan una ración de comida y luchan todos los días por no ser violadas por algún oficial corrupto. 


Es difícil plasmar una idea compleja y precisa de más de doscientas páginas en una cinta de dos horas. Sin embargo la película consigue algunos pasajes tan tensionantes como el libro aunque los actores no fuesen para nada el ideal correcto de los personajes originales. Una película obligada para los amantes de esa etapa histórica de la guerra entre las dos naciones antes de la caída del muro.


viernes, 14 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": "THE SHAWSHANK REDEMPTION"(1994)- Por Rosario Sosa Castillo.


Dirección: Frank Darabont

País: Estados Unidos

Año: 1994

Duración: 142 min.

Género: Drama

Reparto: : Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler, Clancy Brown, Gil Bellows, Mark Rolston, James Whitmore, Jeffrey DeMunn, Larry Brandenburg.

“The Shawshank Redemption” es una adaptación del relato de Stephen King, "Rita Hayworth y la Redención de Shawshank", aparecido en 1982. Esta mini novela de King fue ampliamente alabada y marcó su reconocimiento no sólo como escritor de terror, sino también como dramático.


Esta hermosa película conocida también en Latinoamérica como "Sueños de libertad" "Sueños de fuga" o "Cadena perpetua" fue la primera cinta de Frank Darabont. Y qué tal debut..! Aunque con seguridad la película no es perfecta, definitivamente es una de las más hermosas que nos ha regalado el séptimo arte.

Aunque en las taquillas paso sin pena ni gloria, recibió merecidas nominaciones al Oscar:

Mejor Película 
Mejor Actor (Morgan Freeman) 
Mejor Guión Adaptado (Frank Darabont) 
Mejor Banda Sonora (Thomas Newman)
Mejor Fotografía (Roger Deakins) 
Mejor Montaje (Richard Francis-Bruce) Candidato
Mejor Sonido (Robert J. Litt,Elliot Tyson, Michael Herbick, Willie Burton)

Sabido es que no ganó ninguno...el tiempo le hizo justicia y actualmente es considerada una de las mejores películas en la historia del cine...Pero qué es lo genial en esta película ¿?


La trama nos presenta al vicepresidente de un banco, Andy Dufresne (Tim Robbins), a quien un tribunal con jurado lo considera culpable del asesinato de su esposa y del amante de ésta. A pesar de que insiste una y otra vez en su inocencia, los indicios son suficientes como para condenarle a dos cadenas perpetuas. Y es así como es sentenciado a cadena perpetua en una cárcel de mala fama "Shawshank". Ni bien pone un pie en ella, el director de la cárcel, Samuel Norton (Bob Gunton) le hace saber del terror y maltratos del que son víctimas los internos, sobre todo por parte del Capitán Byron Hadley (Clancy Brown). Por la nobleza y sensibilidad de su carácter, Andy captará la atención de los demás internos, y en especial de "Red" (Morgan Freeman) "El hombre que consigue las cosas". Con el paso del tiempo se ganará la confianza de los carceleros y del Capitan Hadley, hecho que conlleva a la posibilidad de hacer realidad su objetivo: Escapar del penal de Shawshank y vivir tranquilamente en Zihuatanejo, México.

A medida que se desarrolla la historia, podemos observar una de las genialidades de esta cinta: Su guión. Durante 142 minutos, Darabont logra mantener nuestra atención sin descuidar sus personajes, narrando de manera magistral veinte años en los que estos irán envejeciendo entre los muros de la prisión. Un guión lleno de grandes frases y bellas metáforas sobre la libertad, la esperanza, hacen de esta película un canto a la vida. Para mí, una de las partes más resaltantes de este guión es la conmovedora carta de "Brooks" (El anciano que se encarga de la biblioteca) cuya imagen volveré a compartir en esta publicación (Si viste la película, no la leas: Spoiler)


Otro punto importante, son las actuaciones: más que buenas, elegantes. Si bien es cierto la actuación de Freeman es notable y es su voz la que le da ese toque especial a la historia, (ya que todo es narrado desde la perspectiva de su personaje) considero que la de Robbins es la que le da el toque magistral a la película.
Como dato curioso... para el papel de Andy Dufresne fueron tenidos en cuenta los actores Tom Cruise, Johnny Depp, Nicolas Cage, Charlie Sheen, Tom Hanks y Kevin Costner. Y para ser sincera creo que ninguno hubiera podido darle la personificación y el corazón que él le dio.

A estos aspectos no podemos dejar de lado la dirección de Darabont, que con escenas realmente tristes y profundamente conmovedoras, envueltas en un aire de melancolía; logra hacer uno de los mejores Debut que un "Principiante" pueda tener.


Sumado a ello, el montaje de Richard Francis, que hace maravillas en cuestiones de tiempo...la brillante fotografía de Roger Deakins, (que según leí, hizo aquí uno de sus mejores trabajos)… y la hermosa música de Thomas Newman, aspecto que le pone escencia a esta bella historia...tenemos como resultado una cinta que si bien no será perfecta, está contada con el alma y es imposible no ser cautivados por este canto a la esperanza,la libertad, la integridad y la vida. Un recordatorio de que se pueden ser inmutables antes las adversidades de nuestro camino.

“La esperanza es una cosa buena, y las cosas buenas nunca mueren”

jueves, 13 de octubre de 2016

“ADAPTACIONES LITERARIAS”: “LA CIUDAD Y LOS PERROS” DE FRANCISCO LOMBARDI (1985) - Por Paul Torres.


Ficha técnica:
Titulo original: La Ciudad y Los Perros

Duración: 135 min

Director: Francisco Lombardi

Guion: Jose Watanabe

Reparto: Gustavo Bueno, Pablo Serra, Juan Manuel Ochoa, Luis Álvarez, Eduardo Adrianzen, Liliana Navarro, Miguel Iza, Aristóteles Picho, Toño Vega, Isabel Duval, Alberto Isola, Jorge Rodríguez Paz

SINOPSIS

En el Leoncio Prado de Lima, colegio militar de la capital de Perú, las condiciones de vida son tremendamente duras, tanto por la obligación y observancia del código castrense como por la asunción de otro código no escrito impuesto por los cadetes, alumnos del internado, que no es otro que el de la ley de la selva: devorar para no ser devorado. El sistema genera un universo de traiciones y lealtades donde el machismo y la brutalidad surgen como valores principales. (FILMAFFINITY)


LA NOVELA

“La Ciudad y los Perros” es la adaptación a la pantalla grande de la novela del premio nobel de literatura Mario Vargas Llosa, quien en 1963 publicara su novela. Fue dirigida por Francisco Lombardi, el cual fue premiado como mejor director en el festival de San Sebastián en 1985.

Hablar de ella se me torna difícil, hay mucho sentimiento encontrado tanto por la película como la novela. Vargas Llosa siempre fue uno de mis escritores peruanos favoritos y su literatura ha estado siempre presente a lo largo de mi vida. Tratare, por un momento intentare de dejar a un lado todo ese cumulo de sentimientos que me embargan, para poder proseguir con estas líneas.

La Ciudad y Los Perros - una de las obras literarias que dio inicio al boom latinoamericano- fue de las primeras novelas que leí del ilustre hijo de Arequipa, y ha de confesar que me resulto algo difícil, si uno no está acostumbrado, cuesta mucho leerlo por la compleja manera de escribir del autor, hay un cambio constante de los personajes, el cual cuesta darnos cuenta en qué momento ocurre ello, no es una historia lineal, el uso recurrente de técnicas como flashback, vasos comunicantes, entre otros, son los que lo llenan de cierta complejidad al lector.

La historia, para el momento de su publicación fue muy desgarradora, nos cuenta las vivencias de un grupo de jóvenes en un colegia militar, sus peleas, sus amores, los castigos infundidos por sus profesores, las palomilladas de los chiquillos. Es muy fácil poder identificarse con uno de los personajes o al menos con sus accionares. La novela permite darnos cuenta lo dura que puede resultar ser la vida militar, y de los ideales erróneos que muchas veces se defienden, específicamente a lo que significa ser hombre.


SOBRE LA PELÍCULA

El 18 de julio de 1985 en la cartelera limeña se estrenaban las películas “Amadeus” – ganadora de varios premios Oscar, “Testigo en peligro” de Harrison Ford y “La ciudad y los Perros” de Francisco Lombardi.
En esos años la producción de cine local era muy escasa. Por ello su estreno causó gran interés del público que hizo largas colas en los cines Pacífico de Miraflores, Diamante de la avenida Brasil, Colmena y Metro en el Centro de Lima.

El génesis de esta película se remonta a la adolescencia de su director Francisco Lombardi quien, al leer la novela de Mario Vargas Llosa, quedó impresionado y cimentó su pasión por la literatura. En 1984 inició conversaciones con el escritor para convertir su libro en una película. Al año siguiente junto al poeta y guionista José Watanabe recrearon las intrigas, las traiciones, los enfrentamientos y los abusos que ocurrían al interior de la Escuela Militar (Lilia Cordova- El Comercio)


El elenco estaba encabezado por: Pablo Serra (el poeta), Gustavo Bueno (el teniente), Juan Manuel Ochoa (el jaguar), Luis Álvarez (el coronel), Eduardo Adrianzén (el esclavo), Liliana Navarro (Teresa) y Miguel Iza (Arróspide). En los roles especiales figuraban: Alberto Ísola (mayor Garrido), Ramón García (teniente Huarina), Lourdes Mindreau (Pies dorados) y Jorge Rodríguez Paz (padre del esclavo).

“La ciudad y los perros” obtuvo galardones en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana, el Festival Mannheim-Heildelberg, San Sebastián y fue exhibida en Cannes.

En una conferencia realizada en la Universidad de Lima, el director comento algunas pasajes del cómo fue la producción de la recordada cinta. Sobre el guion dijo: 

“Fue un trabajo que se realizó sin mayores inconvenientes. Procuramos seguir las líneas de acción de la novela que ocurren en el presente y evitamos los saltos al pasado. Por su parte, Vargas Llosa no se metió en la escritura del guion. Él solo pidió una revisión al guion terminado. Luego de leerlo, nos contó que el guion le gustó y que era fiel al espíritu de la novela, aunque sugirió que sacáramos una escena en la que se produce un sueño. Vargas Llosa argumentó que esa escena onírica se salía de la lógica realista y urbana del relato. A José y a mí nos pareció válida su observación y le hicimos caso”.


Sobre la elección de los actores:

“Es grato ver que muchos actores que participaron en el filme, como Miguel Iza, Alberto Ísola o Gustavo Bueno, sean hoy sumamente reconocidos y respetados. Del mismo modo, que el público siga asociando a Juan Manuel Ochoa con el Jaguar o a Gustavo Bueno con el teniente Gamboa es otro indicio de que la película logró permanecer en el tiempo”.

Además, Lombardi se refirió a la célebre frase “No me mire cadete, ¿quiere que le regale una fotografía mía calato?”, que es declamada por el teniente Gamboa en la película. El cineasta detalló:

“La frase no está en la novela y muchos creen que fue dicha gracias a la inspiración de Gustavo Bueno. Pero la persona que soltó la idea fue el actor Ramón García, quien fue alumno del Leoncio Prado y nos contó que uno de sus profesores usaba una frase parecida. Entonces la corregimos y quedó en la película la frase que todos conocemos”.


"ADAPTACIONES LITERARIAS": “EL DÍA DEL CHACAL” DE FRED ZINNEMANN (1973) - Por Frank Binueza



“The Day of the Jackal / El Día del Chacal” es una película británico francesa de 1973, dirigida por Fred Zinnemann, y protagonizada por Edward Fox y Michael Lonsdale. Está basada en la novela homónima de Frederick Forsyth. Este thriller político se basa en un intento de homicidio del presidente francés Charles de Gaulle.


Tras un fallido intento de matar al General Charles de Gaulle, presidente de Francia, el grupo terrorista de ultraderecha OAS (Organización del Ejército Secreto por sus siglas en francés), decide contratar a un asesino internacional de élite, cuyo nombre clave es “Chacal” (Edward Fox), para realizar un arriesgado atentado en pleno París durante una ceremonia pública. Pese a que el gobierno francés consigue enterarse rápidamente de la nueva operación desconoce la identidad del sicario. De igual modo Chacal, que ha desplegado un complejo plan partiendo desde Inglaterra y pasando por Italia con diferentes identidades falsas, está determinado a finalizar su misión. Se inicia una lucha contrarreloj entre el profesional y el Inspector Lebel (Michael Lonsdale), encargado por el Ministerio del Interior francés para frenar sus intenciones.


Con hermosas locaciones en Italia, Austria, Inglaterra y Francia, Zinnemann nos introduce en un agobiante y frenético thriller político, que sin embargo se desarrolla con completa naturalidad, y que nos lleva por la mayoría de Europa Occidental sin perder el hilo de la narración. Fred Zinnemann, famoso en la época dorada de Hollywood por títulos como “Solo ante el Peligro” (1952), “De Aquí a la Eternidad” (1953) y “Un Hombre para la Eternidad” (1966); regresa triunfante luego de una temporada como productor cinematográfico, llevando a la gran pantalla la exitosa novela de Frederick Forsyth. Aunque el relato es pura ficción, posee aires de veracidad, la OAS existió así como también los atentados contra la vida de Charles de Gaulle. 



En las actuaciones se destaca a un carismático y poco reconocido en esa época, Edward Fox, como el implacable “Chacal”, quien logra conseguir la complicidad del espectador con un perfecto retrato de un asesino profesional, alguien sin nacionalidad ni identidad, camaleónico, un hombre cuyo negocio es la muerte, capaz de variar su personalidad eficazmente, de permanecer escondido ante 100.000 policías que lo buscan, de ganarse la confianza de sus víctimas, de ser despiadado sin despeinarse, de ser desafiante y todo ello en la sombra, en la práctica inexistencia social. Lo mejor es, que tales habilidades resultan absolutamente creíbles al amparo de la narración que realiza Zinnemann. En pocas palabra, “Chacal” es una amenaza peligrosa no porque sea el villano maligno, sino porque en definitiva la vida o la muerte de una persona le importa un bledo. Si bien al igual que la novela, existen muchas inexactitudes históricas con respecto a los acontecimientos presentados y al obvio final de la película, la trama se compensa por la astucia de “Chacal” para llevar a cabo su complicado plan aprovechando cualquier variable para llevarlo a cabo. 



En 1997, se filmó “The Jackal / Chacal”, una película estadounidense inspirada en ésta, protagonizada por Richard Gere, Bruce Willis y Sidney Poitier, sin embargo a parte del nombre del asesino, tiene poco en común con la historia original. Incluso el escritor Frederick Forsyth negó que su nombre fuera asociado con dicha producción, y el director Fred Zinnemann luchó con el estudio para asegurar que la nueva película no compartiera el título de la película de 1973.


miércoles, 12 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": "EL RETORNO DEL REY" 1980 DIRIGIDA POR RANKIN/BASS - Por Rommel Vásquez Caro


Esta animación musical fue producida directamente para la televisión y es la continuación directa de "EL HOBBIT" de 1977 dirigida por los mismos Rankin y Bass.

La Película no sigue justo donde la dejó la animación de Ralph Bakshi sino que se empata con la de 1977 la cual tiene una estética de animación y narración musical exactamente igual. Solo se presenta un mega resumen del señor de los anillos y las Dos Torres que no explica mucho y deja con bastantes dudas si no se ha visto al menos la animación del Señor de los anillos de Ralph Bakshi.


Lo cierto es que esta película fue comercializada como la tercera parte y final de la trilogía animada de "El Señor de los Anillos" aún cuando en ambas peliculas de Rankin/Bass se omiten situaciones o personajes claves, como la pelea contra Ella/La araña en las Dos Torres o los personajes de Gimli, Legolas y Saruman. Aragorn aparece en la parte final del Retorno del Rey pero con muy poca participación y diálogos.


Importante mencionar que Sauron es representado por un ojo gigante, de la misma forma que lo hace Peter Jackson en su trilogía Live Action. En 1980 se representó así por cuestiones de presupuesto, imagino que Peter Jackson lo hizo igual para rendirle tributo a la animación.

La Película en líneas generales es muy divertida y con mucha música, ideal para los niños o por pura nostalgia de quien la vio en su época. 


martes, 11 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": “LA LEY DE LA CALLE” DE FRANCIS FORD COPPOLA (1983) - Por Paul Torres


Título original: “Rumble Fish”

Duración: 94 min

Guion: Francis Ford Coppola

Reparto: Mickey Rourke, Matt Dillon, Diane Lane, Dennis Hopper, Nicolas Cage, Vincent Spano, Diana Scarwid, Chris Penn, Tom Waits, Laurence Fishburne, Sofía Coppola, William Smith.


“La Ley de La Calle” es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Susan E. Hilton la cual fue dirigida por Coppola, el cual rodo esta película el mismo año que “Rebeldes”” (ambas adaptaciones de los libros de Susan Hilton), apenas con cinco meses de diferencia. Si bien “Rebeldes” encaja perfectamente en las cintas de dramas juveniles, “La ley de la calle” es un film algo más complicado el cual no podríamos encasillarlo en un solo género. Para tener una idea más clara, debemos preguntarnos ¿En qué época está ambientada?, pues en la cinta vemos chaquetas de cuero, vaqueros y ceñidas camiseta que nos sugieren la década del 50’, pero también observamos las motocicletas más actuales. Coppola entonces recurre a elementos del género pandillero, haciendo de la película un fiel reflejo de la época ochentera, sino una especie de “Metapelícula” del género, en la cual apreciamos elementos clásicos como las peleas entre bandas, disputas por el liderazgo y ciertos tipos de clichés.

Esta es una de las películas más subjetivas del director, llena de planos de transición magistralmente configurados y estéticos, la cinta está toda en Blanco y Negro e intencionalmente enmarca el pesimismo del argumento. La tristeza y la poética están en cada escena. Es imposible no notar semejanzas en el cine de autor como Godard o Wim Wenders. El director de fotografía Stephen H. Burum es el gran pilar del relato de Coppola.


La metáfora de la hermandad y la enseñanza están marcadas durante toda la narración. La pareja de hermanos que caracterizan Mat Dillon y Mickey Rourke, hacen de estas actuaciones de las mejores de los dos actores. Este filme está dedicado a su hermano mayor August (padre de Nicolas Cage) entonces, es difícil desligar el sentimiento autobiográfico que se destaca en la estética sentimental.

El lenguaje visual de la “La Ley de la Calle” es poco convencional y se aparta de los convencionalismos, de la dramaturgia del género. Coppola y su director de fotografía S.H. Burum, crearon imágenes de impresionante belleza, estupendas composiciones trabajadas hasta los más mínimos detalles, eran los años que a Coppola le gustaba jugar, jugar con la cámara y las nubes en el cielo, o las sombras de una simple escalera. En un nivel narrativo simbólico y visual, el tiempo es una presencia constante.


También, en esta oportunidad, para el elenco configuró otro de los Brat Pack (pandilla de mocosos) que se volvieron íconos de los 80′s en el nuevo Hollywood (Nicolas Cage, Mat Dillon, Chris Penn, Diane Lane, Laurence Fishburne), un elenco de veinteañeros en el que Coppola confiaba y que encarnaban perfectamente la rebeldía, la clase obrera y la lucha de la generación en transición. Aunque el filme no logró una amplia taquilla, hoy en día es considerado una de las grandes obras de este director ícono.

En palabras de Francis Ford Coppola: “Corazonada era sin duda una especie de pecado por el que iba a tener que pagar durante años. Tras la película mi cámara estaba a la baja y además pasaba la mayor parte del tiempo tratando de cancelar las deudas de esa última película. También me di cuenta que mis películas más recientes como ‘Tucker’, ‘Rumble Fish’ o ‘Cotton Club’ no conseguían los favores del público y por entonces me interesaban estilos muy diferentes unos de otros. Tenía constantemente en la cabeza el ejemplo de Welles que, al tratar de hacer lo que quería, había perdido el poder que tenía en Hollywood, no supo conservar sus apoyos. Quise sacar de ello una conclusión y a pesar de todas las tentativas y de mis películas experimentales, me esforcé siempre por conservar sólidas bases en Hollywood. En ‘Tucker’ recurrí a un estilo diferente. Pero me gusta que una película sea acorde con su tema. Como en ‘Tucker’... ¿Conoce la palabra inglesa? Es un aparato, como un coche... quería que la película se pareciese al coche y en ‘Apocalipse Now’ quise que se pareciese a un ‘Trip’ de ácido. Siempre trato de hacer films que parezcan a los temas que tratan Cine americano actual” (“Conversaciones con Francis Ford Coppola y otros directores”,1995).



SINOPSIS:
Rusty James (Matt Dillon), es un adolescente cuyo prestigio en las calles ha crecido bajo la sombra de la legendaria reputación de su hermano mayor, el enigmático y carismático «Chico de la Moto» (Mickey Rourke). Rusty James sueña con ser como su hermano y volver a la época en donde las pandillas lo eran todo y donde el “Chico de la Moto” reinaba. Después de dos meses de ausencia el “Chico de la Moto” regresa. Luego de revelar algunos secretos familiares sobre su madre, los hermanos deciden cambiar sus vidas para siempre o morir en el intento.

"PELICULAS MALDITAS": El Exorcista (W. Friedkin, 1973) - Por Ernesto Soltero -


Antes de leer esta reseña toma dos cosas en cuenta:

1) El diablo no me permitió entregar a tiempo

2) Léela a medianoche mientras escuchas Tubular Bells, de Mike Olfield



¿Que se puede decir de nuevo acerca de El Exorcista? Más que un clásico del cine, es una referencia de la cultura pop. Quién no la ha visto, sabe algo sobre su trama, y tiene, probablemente, la imagen mental de Regan con su horroroso rostro verde dando vueltas y disparando vómito a diestra y siniestra Sigue siendo una referencia obligada en el cine de terror. Nadie olvida tampoco el tema musical “Tubular Bells” de Mike Olfied, paradójico pionero del new age cuya pieza más conocida asociamos inconcientemente al mismísimo Satanás, gracias a su aparición en la banda sonora.
 
Como toda buena película, El Exorcista no sólo cuenta una historia a través de su guión, sino que tiene cientos de historias fuera del film. La niña pre-adolescente poseída por Lucifer, tratada de forma errática, no necesariamente nos trata de convencer de la existencia del demonio. Nos habla de los límites de la ciencia, que a pesar de sus avances, aun no encuentra todas las explicaciones a nuestras preguntas. El creer que lo sabemos todo puede hacer el mismo daño que una niña poseída tratada equivocadamente con psicotrópicos. Por supuesto, no es ese detalle el que causa terror en el espectador, sino sus propias creencias o superticiones. Bastante se ha escrito acerca de hechos inexplicables, algunos muy siniestros, asociados a esta película de 1973. Con sólo buscar “El Exorcista” en google, encontramos artículos y documentales hablando, por ejemplo, del comportamiento obsesivo del Director, William Friedkin, quién a semejanza de otros realizadores como Hitchcock, impuso un régimen dictatorial, casi sádico, en el set de filmación. Se habla de ruidos extraños en el estudio, de voces de ultratumba causando miedo en el personal técnico, de cachetadas infringidas por el director a los actores para aprovechar sus espontáneas emociones, o de un escenario (el cuarto de Regan) que se encontraba casi bajo cero en la vida real, y que bien pudo haber matado de neumonía a la mismísima Linda Blair. Aparte de todo lo anterior, por si fuera poco, hay que sumar una serie de accidentes inexplicables en el set de rodaje, como caídas de focos o rollos velados, y el peor de todos: la fractura de cóxis sufrida por la actriz Ellen Burstyn (la madre de la protagonista dentro del filme) en una de las escenas con arnés. Una serie de sucesos desafortunados que pueden ser contemplados con escepticismo, pero a los cuáles se suman la muerte de varios actores (incluyendo Mary Ure, quién representó a Regan en la versión teatral de la historia) o la caída del techo en una sala de cine española. También hubo numerosos casos de espectadores desmayandose o vomitando, aunque para el espectador actual, acostumbrado a ver cosas más fuertes, quizás no sea para tanto.
¿Podemos decir, al tomar en consideración esta serie de hechos, que El Exorcista es una película maldita? Suponiendo que tanto la filmación como la proyección de El Exorcista hayan sido saboteadas por nada más y nada menos que Satán, hay algunas cosas que no pudo evitar el conocido Rey de las Tinieblas. El filme fue éxito de crítica y de taquilla. Obtuvo dos premios de la Academia y cuatro Globos de Oro, incluyendo el galardón de guión adaptado otorgado a William Peter Blatty, autor de la novela original, quién vio como su libro, el cual ya era bestseller, disparó sus ventas nuevamente. También hubo un impulso en las ventas del álbum Tubular Bells de Mike Oldfield, un álbum utilizado en el soundtrack de la película, el cual constaba de dos piezas instrumentales de más de 20 minutos, y que logró a su vez catapultar a la entonces novel disquera Virgin Records, llegando al #1 en las listas inglesas y al #3 en Norteamérica.


Linda Blair, es decir, Regan, tuvo posteriormente una carrera poco exitosa, y experimentó una étapa fuerte de adicción a las drogas pero se recuperó y supo reirse de ella misma en la parodia “Reposeída” (1990) junto a Leslie Nielsen mucho mejor que las últimas entregas de “Scary Movie”. Hoy en día firma autógrafos en convenciones ligadas al cine de terror,es decir, un “one hit wonder” que le ha dado bastantes beneficios. ¿Película maldita?¿Mera promoción de un producto mediante el escándalo? ¿o acaso una película cuyo éxito responde a un pacto hecho con El Diablo? Mejor no respondas, pon el DVD cuándo estés solo en tu casa cualquier día a medianoche, mientras degustas tus palomitas.

lunes, 10 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": “LOS CUENTOS DE CANTERBURY” DE PIER PAOLO PASOLINI (1972). - Por Frank Binueza


“I racconti di Canterbury / Los cuentos de Canterbury” es una película italiana de 1972, dirigida por Pier Paolo Pasolini, y basada en “Los cuentos de Canterbury” del escritor inglés Geoffrey Chaucer.  Está protagonizada por un amplio reparto coral, en el que destaca el propio Pier Paolo Pasolini como “Geoffrey Chaucer” a suerte de mudo espectador y narrador.


Un grupo de peregrinos, entre los cuales se incluye Geoffrey Chaucer (Pier Paolo Pasolini), se dirige con ansiosa fe a la catedral de Canterbury, Inglaterra, por sugerencia de su guía se dedican a relatar cuentos, para entretenerse en las largas noches de descanso y en los días de fatigoso caminar. El joven Nicolás logra conquistar a la mujer de un adinerado carpintero, aprovechándose de una superstición; dos estudiantes se vengan de un molinero que vive de robarles harina a sus clientes; un fraile recibe su castigo en el infierno por su codicia, son algunas de las historias que se cuentan, todas aderezadas con la visión satírica de Pasolini, y que sirven de medios para tratar el lado más mundano de la gente de la Edad Media europea.


“Los Cuentos de Canterbury” es la segunda película de la llamada “Trilogía de la Vida”, iniciada en 1971 con “El Decameron” y finalizada con “Las Mil y Una Noches” de 1974, las cuales le traerían a Pasolini un gran éxito tanto en con la crítica como con el público, triunfando en los festivales de cine de Cannes, Berlín y Venecia. El director nos ofrece un cuadro de personajes de distintas clases sociales en su lucha y anhelo por la vida, adaptando las historias a los problemas sociales que predominaban en los años setenta. Más allá de las clásicas representaciones de la Edad Media, nos muestra la voz del pueblo, ofreciéndonos sus pasiones y deseos, tema recurrente de la filmografía de Pasolini.


Tal como su nombre lo dice la “Trilogía de la Vida”, muestra la percepción de Pasolini sobre la vida, en donde tienen un lugar importante las relaciones humanas, los actos de pasión y de fiesta, los momentos íntimos, de procreación y de gozo sexual. En cada escena de la película se observa la sexualidad a flor de piel, todos los personajes está movidos por sus instintos básicos y en busca de satisfacer sus propias perversiones, en un perfecto balance erótico sin caer en lo estrictamente vulgar pero sin utilizar la autocensura. Además se utilizan tanto elementos paganos como “El Jardín de la Delicias”, como también referencias religiosas como “El Diluvio” y “El Infierno”.





viernes, 7 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS": “007: CASINO ROYALE” de Martin Campbell (2006) - Por Agador Spartacus


Basada en la primera novela de Ian Fleming (3era adaptación) se trata de la película #21 de la enorme saga del espía británico, hace una década llego a las pantallas una nueva aventura del seductor y peligroso James Bond (Daniel Craig), en donde fuimos testigos de sus comienzos como agente secreto, así como de su romance con la bellísima Vesper Lynd (Eva Green).


Pierce Brosnan, quien se había hecho cargo hasta aquel entonces de cuatro cintas sobre el agente con licencia para matar, abandona la franquicia para dejar el paso a un nuevo Bond. En un principio la elección del rubio Daniel Craig no fue muy bien recibida por los fans, que llegaron incluso a boicotear la película, se había pensado en Henry Cavill (Man of Steel) para el papel. Sin embargo la cinta se estrena en Noviembre de 2006 siendo un éxito tanto en taquilla como en critica para la MGM.


Con un estilo bastante ágil, buenas escenas de acción, dosis de romance, suspenso, vodka Martini y un villano para la posteridad, Casino Royale fue una fresca reinterpretación del espía al mostrar a un Bond inexperto e incluso vulnerable (no recuerdo haberlo visto sangrar antes), el villano Le Chiffre de Mads Mikkelsen (Hannibal) dejo el listón muy alto incluso para Bardem (Skyfall), y el tema de Chris Cornell, "You Know My Name" es uno de mis favoritos de toda la saga.




jueves, 6 de octubre de 2016

"ADAPTACIONES LITERARIAS" EL SEÑOR DE LOS ANILLOS ANIMACIÓN DE 1978 DIRIGIDA POR RALPH BAKSHI - Por Rommel Vasquez Caro.


Esta es la primera adaptación oficial de la novela de fantasía del escritor J.R.R Tolkien que compone las dos primeras partes del libro "La comunidad del anillo" y "Las dos torres" dejando por fuera a "El retorno del Rey" Se pensaba realizar una segunda parte con la historia del Retorno del Rey pero jamás se llevó a cabo. La animación es bastante adelantada a su época pues usa recursos poco comunes a lo largo del filme, como el uso del rotoscópio para capturar personas reales y luego llevarlas a la animación a manera de "calqueo" queda muy cool y lo usó Bakshi durante toda la película.

En la época de su lanzamiento, la película tuvo mucho éxito, pero a su vez le llovieron numerosas críticas negativas y además se suma el hecho que como quedó con un final abierto para poder realizar el segundo filme conclusivo, la obra queda bastante desubicada y con ganas de seguir la continuación, aún así peca de ser muy larga pues su duración supera las dos horas. La película tiene muchas referencias al libro, pues el director quiso ser lo más fiel posible pero si omitió muchas cosas como el personaje de Glorfindel, el cual sustituyó por Legolas y tampoco incluyó al personaje enigmático de Tom Bombadill.


Con esto en referencia es inevitable reconocer a simple vista que Peter Jackson se valió enormemente de esta película para hacer la suya, muchas tomas y escenas son prácticamente iguales, pongo como ejemplo dos de ellas: la escena de introducción donde habla de los anillos que le tocaron a cada raza y como Sauron los engaño, es exactamente igual en esta animación de 1978, y la escena donde los hobbits se esconden bajo un árbol del nazgul a caballo está perfectamente igual en la animación de Bakshi. También cabe resaltar que Peter Jackson tampoco incluyó a Tom Bombadill en su película y de igual manera sustituyó a Glorfindel por Legolas... todo tal cual como lo hizo Baskhi en su film animado.


La banda sonora es muy buena pero va muy unida a los hechos de la historia, por ende resulta algo complicado de escuchar por separado pues está llena de metales y sonidos bastante abstractos. ¿Donde conseguir esta genial película? pues es difícil, ya no se comercializa como antes pero si salió tanto en VHS como en DVD, en Blue Ray también debe estar, por Youtube solo se consiguen extractos, pero... En Daily Motion si está completica en HD pero en ingles, tendrían que descargarla con el programa ATUBECATCHER y luego montarle los subtítulos de la página SUBDIVIX así hice yo.