Sebas, o el secreto que muchos quieren callar

El 18 de enero se estrenó en Caracas lo más reciente del realizador José G.Hernández. El filme, en palabras de su propio director “dice lo que muchos quieren callar”. Reseñas Cinéfilas estuvo en su lanzamiento.

Ernesto Soltero

Una de las primeras cosas que nos aclara José Gregorio Hernández, realizador de la película El Secreto de mi Amigo Sebas, es su precaución al co-escribir el guión y contar la historia. Al igual que otras películas venezolanas, “Mi amigo Sebas” se basa en una historia real, cuidándose de utilizar nombres o lugares reales, o al menos cambiándolos sutilmente, tal como se hizo en el pasado con filmes ya clásicos como Cangrejo (Chalbaud, 1984) evitando, de esta manera, percances legales como el de la película El Inca (Castillo, 2016) censurada el año pasado por una orden judicial.

La historia, sórdida, sin embargo, no es contada por simple capricho. Es cercana al director (quién además produce, y hace dos papeles) no sólo por la cercanía geográfica (se desarrolla en Zulia, tierra natal del cineasta) sino porque la familia del involucrado (no del actor, sino de la persona que inspiró a uno de los personajes protagónicos) es allegada a la familia del director.

El Secreto de mi amigo Sebas es además una cinta hecha con presupuesto privado, algo digno de admirar en un país como Venezuela. El mismo realizador ha invertido su propio dinero, arriesgándose con una producción poco convencional, aunque no por ello difícil de entender. Entre sus referencias están Gaspar Noe y John Cameron Mitchell, conocidos por sus controvertidas obras. La carrera paralela del director, quién es además, médico cirujano, ha servido para conseguir los fondos necesarios.

Realidad grotesca, pero intencional

“El Secreto” es una película chocante. Si bien, desde hace algunos años, el tema de la identidad de género ha sido una constante en el cine veneco, con cintas galardonadas en festivales como Cannes o en certámenes como los Goya, aquí el tema es abordado desde una perspectiva poco digerible, incluso para el público homosexual. Hay un momento en el cual presenciamos sexo heterosexual, y sin embargo, no es algo que se vea con beneplácito. No necesariamente se tratan de escenas grotescas, es que hay mucha realidad.

El film está entre lo masivo y lo experimental. Tiene un estilo narrativo no líneal, al cual nos hemos ido acostumbrando desde los ´90 gracias a directores como Tarantino y Noe. José G. Hernández está, sin embargo, más cerca de este último. No hay nada de humor negro en su propuesta. Todo ello se adereza con movimientos bruscos de cámara y una música incidental a veces perturbadora, elementos estos que no son colocados al azar.



En cuanto al score del film, éste pertenece a Alejandro Silva, un autor que sigue un poco la línea de compositores como Miguel Angel Fuster, quienes añadieron algo de música progresiva al cine venezolano durante los años ´70/80. Hay además una influencia digamos “Almodovaresca”, al incluir piezas musicales de cantantes como Yuri e Isabel Pantoja, quienes nos ubican no sólo en la década de los ´80, sino también en el ambiente gay.

De las actuaciones, la más destacable, sin duda es la de William Goite, conocido por sus papeles en otros films exitosos como Azul y no tan Rosa o Las Carasdel Diablo. Se desdobla en el personaje hasta volverse irreconocible. El joven Favio Nayid por otra parte, representa bien la nueva camada de actores nacionales, aunque el tiempo nos dirá cuan versátil es como artista histriónico. En cuanto al director cumple bien su rol en los dos papeles a su cargo, aunque como hijo de Sebastián Toledo, el personaje que le da nombre al film, logra un acento más neutro que castellano.

Una película interesante desde el punto de vista artístico, la cual, posiblemente, generará taquilla al tratar un tema tabú, poniendo el dedo en la yaga al resucitar un caso que conmocionó a la sociedad marabina a principios de los años ´80. Tal como ocurrió con películas como Irreversible (la comparación no es casualidad) seguramente obtendrá algunas críticas negativas basadas no en la calidad del film, sino en su uso poco amigable del sexo y la violencia. Recomendable para quienes necesitan historias e imágenes duras para hacer catarsis.

Sobre el Director

José Gregorio Hernández no es ningún santo ni venerable. Es un cineasta y médico cirujano zuliano que en ocasiones ha mezclado el área audiovisual con la medicina, particularmente a través de programas televisivos como Medicarte. Nada de eso se ve en la película, salvo en la profesión del protagonista y los análisis forenses. Su filmografía incluye dos cintas, Intimo Relato (su ópera prima) y Ámbar, ésta última a estrenarse a finales de año, con la actuación de Caridad Canelón.

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: “HANDS OF STONE” DE JONATHAN JAKUBOWICZ. Por Doug Valverde

 

FICHA TÉCNICA:
País: Estados Unidos, Panamá
Reparto: Edgard Ramírez, Robert De Niro, Ana de Armas, Usher Raymond IV, Rubén Blades, Jonh Turturro, Eller Barkin, Oscar Jaenada.
Dirección: Jonathan Jakubowicz
Género: Drama, Acción, Biografía.

SINOPSIS:
Basada en la vida del Campeón Mundial de Boxeo Roberto “Manos de Piedra” Durán, catalogado como uno de los mejores libra por libra del mundo en la historia, recorriendo algunos eventos resaltantes de su vida junto al proceso de ocupación de Estados Unidos en el canal de Panamá y el conflicto interno que Durán tendría como mayor gloria de su país en ese momento y sus grandes peleas en las que se resaltan 2 de las 3 peleas que tuvo versus #SugarRayLeonard quien fuese considerado en esos tiempos la principal figura boxística luego del retiro de Mohammed Ali.

 

TREMENDO REPARTO.
Un reparto a nivel de un campeón! 

 

Donde figuran actores como #EdgardRamírez… …y quien es ese? Ramiréz es un actor de origen Venezolano que ha tenido una carrera que viene en ascenso, y ya desde 2012 se le veía en papeles menores como en la reconocida “Zero Dark Thirty”, más recientemente en “The Girl on The Train” o en la nominada al Oscar y al Golden Globe “Joy” donde ya compartía créditos junto a De Niro, Ramírez interpreta al Campeón de modo que llega a ser reconocible con parlamentos en español, pero también haciendo uso de un mal acento en inglés que el (Ramírez) no posee (recurso que se inventa la producción ya que Durán habla poco o nada de inglés, Pero gracias a ello se puede enganchar mejor las líneas con Robert De Niro), #DeNiro interpreta a #RayArcel primer entrenador en entrar al Salón de la Fama del Boxeo, de quien se dice entrenó cerca de 2000 boxeadores y entre ellos 20 campeones mundiales, los cuales generalmente no llegaban a ser gravemente lastimados en sus peleas. #AnadeArmas que se ve fabulosa de rubia interpreta a la fiel esposa del campeón #FelicidadDuran, (si, Felicidad por si no la conocían) #Usher que se ve igualito a Sugar Ray haciendo un papel convincente respetando la sencilles y el carisma del personaje en cuestión y un Ruben Blades que me agrado verlo en una película representando a Carlos Eleta promotor apoderado de Durán, también interpreta uno de los soundtracks finales.

 

Roberto “Manos de Piedra” Duran declara ser un cinéfilo empedernido siendo su película favorita “Casa Blanca” la que es parte de su colección de películas originales.

 

La película hace cierta apología del personaje de Durán como un luchador por el pueblo, en cierto momento de crisis en la historia, las peleas de “El Ciclón del Istmo” representaban para los Panameños una alegría para las clases menos favorecidas ya que era un personaje que también surgió desde abajo y actualmente sigue siendo reconocido por sus obras benéficas en su país, apela a la nostalgia de las glorias del boxeo no mostrándonos un Rocky sino más bien a un ganador orgulloso, (como si el personaje solo hubiera perdido una vez en su carrera), pero jugándosela por este medio para el argumento y la temática del juego psicológico que se aplica entre púgiles ya sea para efectos de marketing o de estresar al oponente para que su propuesta de pelea sea más visceral y desequilibrada. La película cuenta con ciertos errores técnicos, pero siendo muy disfrutable, ya sea por las interpretaciones o talvez por cierto factor de nostalgia que le imprime el personaje principal en cuestión, siendo un buen tributo a este grande de la historia del boxeo.

SUNSHINE (2007) DE DANNY BOYLE. Por Marco Masama

Director:Danny Boyle
Reparto: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Troy Garity
Año / País:,
2007 / Reino Unido Reino Unido
Título original: Sunshine
Duración 107 min.

El romance con la ciencia ficción “hard” tan en boga en estos tiempos, tiene algunos referentes interesantes. Directores bastante noveles a cargo de operas primas interesantes, sofisticadas y lo mejor de todo originales como por ejemplo: Moon, Europe o el próximo estreno de la cinta de Denis Villeneuve The Arrival. Pero también estan viejos zorros de los 35 mm, acostumbrados a moverse a sus anchas en cualquier escenario como el horror, reinventando un subgénero tan marginal como el de zombis con 28 Days Later o un -en apariencia infilmable- best seller, convirtiéndolo en todo un símbolo para una generación: Transpotting. 

 

Dany boyle, es capaz de crear delicadas obras a partir de barro reseco, piezas de estilo y reconocible lenguaje muy, pero muy personal, aunque también considerar sus tropiezos, La Isla podría ser un ejemplo.

TÓPICOS MANOSEADOS.
Es así como en el 2007 recicla uno de los mas absurdos y manidos argumentos de la serie B palomitera rompe taquillas, muy en boga en aquella época: el cine de desastres y para mayor “plus ultra” un argumento que olía a desastre: “En un plazo de cinco años el Sol se apagará, y con él se extinguirá la raza humana. La última esperanza de los hombres es el Ícarus II, una nave espacial tripulada por seis hombres y dos mujeres, cuya misión consiste en llevar una gigantesca carga explosiva que insuflaría nueva vida a la estrella y le permitiría volver a brillar, salvándose así la población de la Tierra.” 

 

Semejante premisa podría ser mucho mas aberrante que todas las cintas de Emmerich juntas: todos los armagedones, Impactos Profundos, Dias después del mañana Núcleos y demás mierdas apretujadas.
¿Pero que encontramos,? una elegante maquinaria de ciencia ficción muy bien estructurada y científicamente aceptable (El conocido físico Brian Cox participó como asesor de la cinta)

 

"TAITA INTI"
Sunshine, además de una película, parece funcionar como un tributo al gigante amarillo, las escenas donde dos tripulantes, ambos de nacionalidades Latina y Japonesa; culturalmente fascinados por el sol, reciben literalmente baños de luz calcinando sus pieles y reventado sus corneas hasta lo minimamente tolerable, son el primer acercamiento a una psique alterada (motor importante de los acontecimientos a ocurrir en la nave… o las naves), no por un mágico influjo propio de una deidad ígnea, si no la noción de realizar lo imposible, romper el maleficio de Prometeo.

 

LOS DESIGNIOS DE DÍOS.
Algunas mentes lo consideraran un sacrilegio, lo impedirán y solo buscaran dejarse arrastrar hacia la cómoda oscuridad.
“Si estamos destinados a extinguirnos, ¿quienes somos nosotros para contradecir los designios de Dios?”

 

LA MÚSICA.
Mientras las imágenes transitan por nuestra mente, al mismo tiempo suena una de las melodías mas preciosas del genero: El “Adagio in D Minor de Jhon Murphy”, acompañando dos de los momentos álgidos e hipnóticos de la cinta: al fundirse con la luz, esta que adquiere un protagonismo absoluto, para transformar toda la carne en cenizas, en polvo, así en una comunión estelar. Es propio de las mejores cintas del genero, elevar de esa manera la valla argumental, en un nivel de espiritualidad inusual.

Así es como Dany Boyle recoge un poco de mierda, la comprime y nos presenta una joya como Sunshine, tan llena de tópicos y referencias: hacia 2001 Space Odissey, solaris, Alien, Slasher Movies y hasta una pelicula menor pero considerada de culto como “Event Horizont”.

Marco Masama.

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: NOCTURNAL ANIMALS DE TOM FORD. Por Avril Galván

Guión: Tom Ford, Austin Wright (Novela)
País: Estados Unidos
Género: Drama, Thriller
Escrito por Abril Galván Ferrera

Nocturnal Animals se encuentra en la carrera hacia los premios de la Academia. Está nominada a 9 premios BAFTA (British Academy of Film and Television Arts). Tom Ford como Mejor Director, Jake Gyllenhaal como Mejor Actor Principal, Aaron Taylor-Johnson como Mejor Actor de Reparto, Mejor Guión Adaptado, Mejor Cinematografía, Mejor Edición, Mejor Música Original, Mejor Cabello y Maquillaje, y Mejor Producción de Diseño.

Tom Ford ha alcanzado fama y reconocimiento critico y comercial como diseñador de moda, desde su trabajo como director creativo en Gucci y Yves Saint Laurent ahora cuenta con su propia casa de moda bajo su nombre que gana alrededor de 1 mil millones de dólares al año con 122 tiendas en todo el mundo. Su ópera prima A Single Man (2009) recibió nominaciones en festivales internacionales de cine y reconocimiento de la crítica. Ahora regresa al cine con su segunda cinta Nocturnal Animals, una “historia dentro de una historia” de venganza, violencia, crueldad, redención y amor.

 

Susan (Amy Adams) es la dueña de una galería de arte moderno en Los Angeles. Un fin de semana , mientras su esposo sale de viaje, recibe el manuscrito de una violenta y perturbadora novela escrita por su ex esposo Edward (Jake Gyllenhaal). Mientras Susan lee se ve plagada con sentimientos de culpa y comienza a sentir que la novela es una amenaza hacia ella de parte de Edward. En las páginas del mundo ficticio dentro del manuscrito observamos un relato tenso y violento que perturba a Susan y a la audiencia. El mundo de Susan es frío, excesivo, lujoso y triste. Está atrapada y casi sofocada en su propia creación: una vida lujosa pero sin sustancia y sobretodo sin amor.

El estilo y la elegancia están presentes en toda la película. Indiscutiblemente está llena de visuales hermosos y el trabajo de Ford en la industria de la moda es evidente, con impecable atención a los detalles desde la iluminación hasta el vestuario en un ambiente de perfección. Nocturnal Animals comprueba, por segunda vez, el talento y visión artística de Tom Ford. Pero es también obvio en que cuenta con un equipo de trabajo talentoso y que es una de las razones por las que la cinta funciona tan bien. La música de Abel Korzeniowski (A Single Man, Penny Dreadful) es poderosa, triste, delicada e inquietante. La cinematografía de Seamus McGarvey (Atonement y The Hours) es obscura, siniestra pero con paisajes hermosos.

El mundo del arte como telón de fondo es distante, confuso y frío, justo como toda la cinta. La película es meticulosa en todos sus detalles, incluso las pinturas y piezas de arte están conectadas con la historia. El elenco resalta con el siempre brillante Michael Shannon (quien debería ser nominado por este papel) y Laura Linney brillan en papeles secundarios que requieren de brutalidad y fuerza. Aaron Taylor-Johnson, quien acaba de ganar un Globo de Oro como Mejor Actor Secundario, sorprende y está casi irreconocible en lo que podría ser su mejor trabajo hasta ahora. Amy Adams interpreta a una mujer que es el producto en carne y hueso de la presión cultural y familiar con tristeza, elegancia y crudeza. Jake Gyllenhaal es un actor que siempre demuestra su capacidad de establecer empatía con la audiencia y comprueba, al igual que Adams, que es uno de los mejores actores de su generación.

Nocturnal Animals explora la desolación de un divorcio, de la muerte, la culpa por falta de fuerza, la tragedia y la venganza. Muestra el peligro en la obsesión del materialismo y consumismo, tomando en cuenta que la propia marca Tom Ford vende bolsas en casi 20,000 dólares. El remordimiento y la culpa parecen ser temas importantes en la historia. El mundo de Susan, el mundo del arte, es vacío y banal; repleto de cosas bonitas que sirven solo para crear más vanidad. La película puede interpretarse como un crítica de la cultura moderna. Una cultura en donde podemos satisfacer nuestros vacíos y esconder nuestra tristeza en cosas materiales. El dinero y el poder son las cosas más importantes y la vida es la búsqueda por una felicidad inalcanzable. La felicidad en lo cotidiano, en el amor y en la confianza se convierten solo en una fantasía, en un fragmento de debilidad. Nocturnal Animals a pesar del simbolismo, alegorías y metáforas se mantiene como aterradora y alucinante. Es una experiencia de tensión, ansiedad y terror bajo los hermosos cielos texanos.

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: “HUNT FOR THE WILDERPEOPLE” DE TAIKA WAITITI. Por Frank Binueza

País: Nueva Zelanda.
Guión: Taika Waititi, basado en el libro “Wild Pork and Watercrees” de Barry Crump.
Reparto: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Rhys Darby, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Troy Kingi y Taika Waititi.
Género: Aventura, Comedia, Drama.

Ricky (Julian Dennison), es un conflictivo y huérfano adolescente citadino, que encuentra un nuevo comienzo en una zona rural de Nueva Zelanda, gracias a su nueva familia de acogida, formada por la encantadora Tía Bella (Rima Te Wiata) y el irascible tío Hec (Sam Neill). Pero tras una tragedia familiar, las autoridades deciden que Ricky tiene que irse a otro lugar. Ante esta situación el chico decide escaparse al bosque, y Hec irá en su búsqueda; sin embargo cuando Hec se lastima un pie, ambos quedan aislados en el bosque. Las autoridades consideran que Hec ha secuestrado a Ricky, por lo cual inicia una verdadera cacería humana… 

 

Escrita y dirigida por el neozelandés Taika Waititi, reconocido por ser el co-director del hilarante mockumentary, “What We Do in the Shadows” de 2010; “Hunt for the Wilderpeople” fue estrenada durante el Festival de Cine de Sundance de 2016, obteniendo muy buenas críticas, debido a su interesante mezcla de drama, humor negro y acción. 

La premisa de la historia es básica y bastante utilizada, dos personajes opuestos tienen que poner de lado sus diferencias para trabajar juntos, y terminan descubriendo que no son tan diferentes como creían. Aunque suena poco original, es el tratamiento de la relación entre Tío Hec y Ricky, los diálogos y el excelente manejo de la cámara lo que dota de personalidad propia a toda la historia. 

 

El poco amigable y amargado “Hector Faulkner / Tío Hec”, es un personaje entrañable, lleno de conocimientos pero completamente antisocial. Mientras que en contraposición, “Ricky Baker” el niño maorí de 13 años, con aspiraciones de volverse “pandillero” cuando sea mayor, es una persona sensible que tras su dura apariencia de la calle, muestra grandes dotes para la poesía y guarda muchos resentimientos contra las personas que lo han abandonado, entre ellas su propia madre. Ambos son unos marginados de la sociedad, personas a las que la Tía Bella, trata de salvar.

 

Además de los protagonistas, la mayoría de personajes secundarios aportan bastante humor a la historia: la Tía Bella, una mujer muy amable y orgullosa de su herencia cultural, y en busca de dar amor a aquellos que no han tenido la oportunidad de tenerlo; Paula, la agente de bienestar infantil, una “Terminator” completa como ella misma lo dice, implacable en la búsqueda de Ricky, al lado de un incompetente y algo infantil policía llamado Andy; un trío de inútiles cazadores que son el blanco de las travesuras de Hec y Ricky; un ermitaño conspiranoico autonombrado “Psycho Sam”, los hermanos Kahu y T.K., e incluso la breve aparición del director de la película, Taika Waititi como un excéntrico sacerdote.

 

Uno de los puntos más fuertes de la película es presentar la belleza natural de Nueva Zelanda, “The Bush (El Arbusto)”, nombre con el que coloquialmente son conocidas las áreas naturales remotas y vírgenes de las islas de Nueva Zelanda, que forman parte de la identidad cultural de los pueblos de la zona y constituyen el perfecto escondite para los protagonistas; este exótico paraje natural es realzado por el magistral manejo de la cámara a través de planos amplios y secuencias rotatorias, que dotan a la película de un aire místico, apoyado en una increíble banda sonora que mezcla música electrónica, sonidos maoríes, música clásica, rock y pop, una montaña rusa de emociones que sirven de perfecto trasfondo para la historia.

EL CINE DEL ESTUDIO GHIBLI: PORCO ROSSO DE HAYAO MIYAZAKI (1992) Por. Marco Antonio Masama

 

Porco Rosso (1992)

Ficha:
Director: Hayao Miyazaki
Reparto: Animation
Año / País:
1992 / Japón Japón
Título original: 紅の豚 Kurenai no buta
Duración: 94 min.
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Fotografía Atsushi Okui
Productora: Studio Ghibli / Japan Airlines / Nibariki / Nippon Television Network Corporation (NTV) / TNNG / Toho Company / Tokuma Shoten

 

La libertad entendida como un valor intrínseco del hombre, mas allá de obliteraciones de corte ideológico representadas en ese avión de madera colorado. Al mismo tiempo, una criatura tan “antipodica” como el cerdo, un animal con el hocico siempre enterrado en el lodo, es nuestro compañero de aventuras y el piloto de ese ingenio. El autor nos quiere contar como se sintió en un momento clave de su vida: Eran finales de los años ochentas y Hayao Miyazaki siempre estuvo relacionado con los movimientos sindicalistas y marxistas de la epoca, hasta que llego el éxito y vivió como se estaba convirtiendo en alguien que bebía de las mieles del individualismo, a la par que el mundo cambiaba, los muros caían y la unión soviética se convertía en un símbolo de los sueños rotos de toda una generación. Miyazaki se sintió como un cerdo. Es así, que desencantado de aquellos viejos preceptos, tiene la necesidad de plasmar aquellos sentimientos en una obra que contenga todos los detalles de aquella generación.

 

PREFIERO SER UN CERDO A UN FASCISTA.
Marco Rosso es un cerdo antropomórfico, un Truhan romántico, un as del aire dedicado a los placeres de la vida: El buen vino, las buenas mujeres, surcar los cielos en su hidroavión por el mediterráneo y en tierra descansar en su pequeña isla privada o departiendo con la preciosa Gina en el Hotel Adriano. Como caza recompensas se dedica a asaltar a la federación de piratas aéreos, quienes contratan a Donald Curtis, otro as de la aviación Norteamérica para darle caza, todo esto en el marco del periodo de entreguerras de la Italia fascista. Es así como Porco pierde su hidroavión gracias a un descuido tonto y recurre al taller de su amigo Piccolo para el mantenimiento, donde conoce a la juvenil Fio quien lo acompañara como ingeniera, después de saldar unas enormes deudas.

 

UN CERDO QUE NO VUELA, ES SOLO UN CERDO.
La película tiene un grupo de escenas magistrales y de la mas pura expresión de cine arte, como el rapto de las niñas por los piratas “Mamayute”: es de una estética y perfección cinematográfica que bebe del mejor Chaplin o la maravilla hiperkinetica de Buster Keaton. El trabajo en equipo de las mujeres del taller de Piccolo, como uno de los valores y fundamentos que componen el trabajo del estudio Ghibli, el amor al trabajo. La secuencia Onírica del cementerio de aviones, referenciando otro de los pilares del estudio: El Tokoyo o el mundo animista.

 

Mucho se a criticado a la cinta respecto la falta de información del hechizo que Marco lleva a cuestas, pero estamos ante una fabula y una representación de la situación que Hayao Miyazaki venia experimentando durante ese tiempo, quizas sea la obra mas intimista de autor y una magnífica declaración de principios en clave de fábula.

CICLO DEL TERROR PRESENTA: THE NEON DEMON/DEMONIO DE NEÓN DE NICOLAS WINDING REFN. Por Marco Antonio Masama

 

The Neon Demon (2016)

Director: Nicolas Winding Refn
Reparto: Elle Fanning, Jena Malone, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Bella Heathcote
Año / País:
2016 / Francia Francia
Título original:The Neon Demon
Duración 117 min.
Estreno 25 de noviembre de 2016
Guión Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham
Música Cliff Martinez
Fotografía Natasha Braier
 

 

“La belleza no lo es todo es lo único”

Así empieza una de las cintas mas interesantes que nos dejo este año a punto de extinguirse, pero para empezar una reseña tenemos que colocarnos sobre el lienzo en el que Nicolas Winding Refn extiende el rojo, el violeta revueltos sobre satín y “apastelados” grumos de pintura. Los referentes de su paleta los podemos encontrar en obras icónicas como The Hunger y el cine de Dario Argento, sobre todo la “plus cuanperfección” visual de Suspiria. 

 

“VENUS ILLEGITIMA”
Jesse es la representación de la belleza en botón: la juventud, la inocencia, en fin el arquetipo de lo sublime. Es un personaje sumamente interesante porque esta consciente del elevado poder de su esplendor, adosado a su virginal condición. Es la Venus ilegitima, una Eva que coincide con los mortales en ese cadalso brutal que son las pasarelas y el espectáculo, donde la crueldad “saturnina” esta presta a devorar vivas a sus criaturas mas débiles, representadas en Jesse.

 

“ERES COMIDA O ERES SEXO”
Winding Ref es tan contundente y cruel en su puesta en escena que no idealiza a nadie, observamos a estos depredadores con las fauces babeantes y urgencias en la entrepierna, dispuestos a beber del pistilo fulgurante en roció de la pequeña Jesse. Pero no nos confundamos, esta no es la historia de otra “Justine” ni otra obra inspirada en el buen Marques, nuestra heroína es tan consiente de su belleza que en una exquisita escena, emulando curvas fractales con la mas hedonista música tecno ochentera (si, me encanta!) observamos la asunción y la consolidación de afrodita como representación del todo y el absoluto amor y lo exquisito. Pero recordemos que como un perfecto clímax, esto no tendría razón de ser sin la también peligrosa necesidad de la caída.

 

HACERLE EL AMOR A LOS MUERTOS.
Los depredadores tanto arriba como abajo acechan y cuando la presa se resiste su destino y el hambre corroe, estos se convierten en dos cosas: Caníbales o carroñeros, una forma de asimilar la belleza como en un antiguo aquelarre, donde las brujas trituraban infantes hasta los huesos para luego cubrirse con esa crema primigenia.

Al final solo algunos victimarios podrán digerir sin problemas el horror y las consecuencias de sus actos y aquellos preparados para sobrevivir, quizás puedan frustrarle el paso a la aborrecible vejez, ya que con 21 años se es demasiado viejo para sobrevivir entre lo glamoroso, salvaje y cruel del medio.
Una maravilla de sensaciones: música, color, fotografía junto a un argumento en apariencia muy básico pero cargado de unas lecturas intimidantes y al mismo tiempo seductoras. 

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: AU NOM DE MA FILLE /EN EL NOMBRE DE MI HIJA /EL SECRETO DE KALINKA . Dir VINCENT GARENQ. Por Valentina Valentino

Año: 2016
Duración: 87 min.
País: Francia
Director: Vincent Garenq
Guión: Vincent Garenq, Julien Rappeneau
Fotografía: Renaud Chassaing
Reparto: Marie-Josée Croze, Sebastian Koch, Daniel Auteuil, Audrey Quoturi, Johannes Oliver Hamm
Productora: Black Mask Productions / LGM Productions

Sinopsis:

El 10 de julio de 1982 Kalinka Bamberski, una chica francesa de 14 años, fue encontrada muerta en la casa de su madre y su padrastro el Dr. Dieter Krombach en Alemania. Lo que en un principio parecía un accidente entró luego en una zona de duda y fue el padre André Bamberski quien dedicó 30 años de su vida a luchar para que se hiciera justicia.

 

El secreto de Kalinka es una historia llena del hambre de justicia, la lucha de Bamberski contra su propia familia, contra sus propios amigos, contra la burocracia, una lucha que se convierte en una guerra contra el mismo sistema legal de Francia y Alemania, una fe cegadora que lo lleva al umbral de una oscura obsesión, que lo lleva al límite de la cordura, una obsesión que ocupará cada segundo de su tiempo, durante los próximos 30 años. ¿A caso el dolor no lo deja ver la verdad?, ¿A caso la verdad es tan dura de enfrentar que se ha inventado toda esta historia para sobrevivir?

 

Cabe destacar que la actuación de Daniel Auteuil nos envuelve en su dolor, en su desesperación,  en su frustración, en esa hambre de justicia que no logra alcanzar, nos envuelve en esa lucha constante contra sus propios demonios, y porque no decirlo en esa sed insaciable de venganza. 

Vicent Garenq nos muestra una satírica crítica contra el sistema judicial que prevalece en dos de las más respetadas naciones de Europa en materia de derechos humanos, democracia e impartición la justicia. Bamberski pasó más de tres décadas en la búsqueda de una legalidad sumida en las entrañas de los juzgados y el orgullo nacionalista, lo que lo llevo al borde de la decadencia de su propia existencia, no sólo en el aspecto económico sino en el psicológico donde casi pierde la cordura. Y es que siendo realistas fue una pavorosa batalla, que muy  pocas personas serían capaces de enfrentar sin salir ilesos. Después de todo la justicia tiene un precio. ¿Eres capaz de pagarlo?

 

Desde niña siempre he escuchado la frase “El tiempo lo cura todo” y es que en este film, vemos a un padre que después de 30 años no ha podido alcanzarla, ni la cura, ni la paz, ni siquiera la resignación.  La búsqueda de esta cura se convierte en una verdadera cacería, que me recuerda mucho a la emprendida por Renée Le Roux (Catherine Denueve) en L’homme qu’on amait trop (Riviera Francesa 2014) de André Techiné, quien lucho durante tres décadas para encontrar al responsable de la desaparición y presunta muerte de su hija, que por tecnicismos legales como la falta de un cuerpo, presumían la inocencia del asesino.  En fin dos filmes que denuncian que los sistemas legales son falibles y corruptos, dos búsquedas desesperadas por alcanzar la justicia, dos padres que tras tres décadas de luchas individuales contra este sistema corrompido alcanzaron la anhelada justicia para sus hijos. 

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: LA DELGADA LINEA AMARILLA. Dir. CELSO R. GARCÍA. Por Carlos Fernando Carrion Q.

Con auspicio de Guillermo del Toro ( y otros) aparece esta pequeña película, digo pequeña no solo porque parece de bajo presupuesto sino también porque su tema sencillo aunque reforzado por grandes actuaciones no es grandilocuente ni aspira revelarnos grandes realidades sino la simple condición humana de 5 personas que por esos azares de la vida deben compartir un trabajo y un período de 2 semanas que dura aquel.

 

Toño sobrevive como velador de un deshuesadero de coches hasta que es reemplazado por un perro, debe entonces encontrar otro medio para sobrevivir llevándolo a empleos varios y mal pagados hasta terminar como empleado en una gasolinera donde cierto día se reencuentra con un antiguo jefe suyo, un ingeniero que le ofrece una mejor chamba como líder de una cuadrilla que debe pintar a lo largo de 200 kilómetros entre 2 pueblos mexicanos la línea amarilla intermitente que divide la carretera de asfalto. Los otros cuatro componentes son Gabriel, un ex conductor de trailers que está quedándose ciego; Atayde, un veterano cirquero, que le mete a lo que sea para salir adelante; Mario, un expresidiario con un gran remordimiento y Pablo, un muchacho, que quiere reunir dinero para poder cruzar la frontera y encontrase con su hermano al otro lado del río Grande.

 

Un trayecto en el que vivirán a veces en la interperie o dentro de una destartalada camioneta bajo un sol sofocante en las mañanas del desierto o en el frío de sus noches, noches en las cuales compartirán sus historias y sus sueños. Son personas distintas entre sí, pero la forzada convivencia hará que cada uno se cuestione su vida y hacia donde están dirigiéndose. Una película amable, con aires de buddy movie y sobre todo de road movie, por que el camino que comparten les llevará hacia un destino físico pero renovados espiritualmente.

 

Celso R. García debuta en este largometraje, haciendo también de escritor, luego de haber dirigido unos pocos cortos, guionizado otros cuantos y haciendo de asistente de dirección en otros. En el presente, utiliza el paisaje como elemento fundamental en el accionar de los protagonistas, conjugando efectivamente los grandes planos con acercamientos minimalistas apoyándose en la excelente fotografía de su camarógrafo Emiliano Villanueva. Al momento, ya este largo, ha sido estrenado en 39 festivales, ganado 21 premios y va con 14 nominaciones a los Ariel, nada mal para una ópera prima.

 

Damián Alcázar, coleccionista de premios y muy conocido internacionalmente por películas como LA LEY DE HERODES, LA DICTADURA PERFECTA, etc, da vida a Toño. Joaquín Cosío, el inolvidable “Mascarita” de MATANDO CABOS y el “Cochiloco” de EL INFIERNO es Gabriel. Silverio Palacios, los secunda con Martín “Atayde” , conocido también por su rol de “el caníbal” en MATANDO CABOS, que le confirió el premio MTV en el 2005 en la categoría de sexo bizarro, jajaja. Gustavo Sánchez Parra, conocido por AMORES PERROS y RABIA (del ecuatoriano Sebastián Cordero) hace de Mario, un ladrón arrepentido. Y finalmente Américo Hollander, luego de LA VIDA DESPUES, interpreta a Pablo, un jovencito de buen corazón y de ideas muy claras que exaspera a Toño (como cuando se hace de una perrita abandonada, Canela, que acompañará al grupo), pero que termina ganándose su confianza y un afecto casi paternal.

Muy disfrutable, sin pretensiones.