MEJORES PELÍCULAS DEL 2017: "STRONGER"

Dirección: David Gordon Green

País: Estados unidos

Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson, Frankie Shaw, Clancy Brown, Kristen Annese

Una víctima de los atentados de la maratón de Boston ayuda a la policía a dar con los responsables mientras se recupera del trauma. (FILMAFFINTY)

Hace solo unos meses que Día de patriotas (Peter Berg, 2016) nos ofreció una impactante reconstrucción del atentado de la Maratón de Boston, acontecido el 15 de abril de 2013 y que acabó con la vida de tres personas y causó 282 heridos, centrándose en la investigación policial que se llevó a cabo por toda la ciudad, culminando con la detención de un sospechoso y la muerte de otro. 

Ahora, otro título viene a unirse a esta particular revisión de un triste episodio que dejó consternado a Estados Unidos. Se trata de Stronger (2017), una cinta de carácter mucho más intimista, que, a diferencia de la película de Berg, bastante más enfocada hacia el espectáculo, se centra en mostrar las consecuencias que una tragedia de semejantes dimensiones tuvo sobre sus víctimas. 

Para ello, el director David Gordon Green –un tipo que lo mismo es capaz de facturar una comedia gamberra como Superfumados (2008), que de arrancar del inefable Nicolas Cage su mejor interpretación en muchos años en la excelente Joe (2013)– y el guionista John Pollono, se han puesto al servicio de las memorias de uno de los supervivientes de la explosión de las bombas, Jeff Bauman, coescritas junto a Bret Witter, para contarnos otra de esas inspiradoras historias de superación personal que tanto gustan al público norteamericano. Jake Gyllenhaal, magnífico actor al que el ansiado Oscar, ese que supone el colofón final para cualquier estrella que se precie, se le lleva resistiendo desde que obtuviera su única nominación por Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005), tiene aquí una oportunidad perfecta para entrar en la terna de competidores por el premio de interpretación masculina de 2017, después de que brillantes trabajos suyos como los de Enemy (Denis Villeneuve, 2013), Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014) o Animales nocturnos (Tom Ford, 2016) fuesen injustamente ninguneados por la Academia de Hollywood. Su encarnación de Bauman es, a todas luces, impecable, lo más remarcable de la película.

Para que un vehículo dramático de este calibre funcione, es necesario un personaje protagonista con el que el público se pueda identificar con facilidad y no cabe duda que Stronger lo tiene. El Jeff Bauman de Gyllenhaal es un chico normal y corriente, trabajador y de clase social humilde, con una familia, más que disfuncional, un tanto caótica, en la que todos sus miembros beben, vociferan y son malhablados, pero que, cuando la ocasión lo requiere, funcionan como una auténtica piña. Un tipo cercano y optimista por naturaleza con el que es imposible no empatizar, que no podía imaginar cómo iba a cambiar su vida aquel día en el que asistió como espectador a una maratón en la que corría su novia Erin. 

La explosión de las bombas le arrebató sus dos piernas, por lo que tuvo que comenzar desde cero, adaptándose a su nueva situación de discapacitado físico y lidiando con una condición de héroe nacional –ayudó a la policía con su testimonio sobre las identidades de los terroristas– que le llegó, de la noche a la mañana, convirtiéndole en figura recurrente en todo tipo de eventos deportivos o sociales donde su presencia era aplaudida por millones de estadounidenses que veían en él un ejemplo de superación. La cinta muestra con gran acierto la confusión que esta circunstancia crea en su protagonista, con una visión de la fama efímera (no buscada ni, mucho menos, deseada) lograda a raíz de una experiencia traumática que hermana a este filme con aquella Billy Lynn (Ang Lee, 2016) protagonizada por los jóvenes "héroes" de la guerra de Irak. Jeff no se siente ni heroico ni especial por lo que le sucedió y le cuesta estar a la altura de lo que los demás esperan de él. 

En este sentido, hay que aplaudir al guionista John Pollono por no limitarse a idealizar al personaje, mostrándonos sus luces y sombras; los progresos en su recuperación y superación del trauma y, también, sus momentos de flaqueza, aquellos en los que caía en la autocompasión y apartaba de su lado a las personas que más le querían, entre ellas su abnegada novia. 

(Reseña escrita por José Martín León)

Especial Enero Cine de los 80's Batman - Tim Burton (1989) por Verushka Hueck

Para finales de los ochenta, y luego de que en 1986 se anunciara la realización de un filme sobre Batman, las expectativas estaban en su punto más alto. Con la popularidad de las dos primeras películas de Superman aún latentes, el hecho de que ahora le tocara al Caballero de la Noche era sin duda un suceso histórico. Finalmente, y luego de una campaña de marketing sin precedentes, Batman es estrenada en los cines en 1989, contando con Michael Keaton como Bruce Wayne / Batman, Jack Nicholson como el Joker y Kim Bassinger como Vicki Vale.

Dirigida por Tim Burton, quien ya venía de saborear el éxito con Beetlejuice (también protagonizada por Michael Keaton), Batman mostraba por primera vez al personaje y su entorno en toda su esencia, reflejando de manera fiel las características del cómic, aunque aún así con ciertas libertades por parte de Burton y su peculiar estilo visual.

De esta manera, se nos presenta la mítica Ciudad Gótica (Gotham City) como una oscura y tenebrosa urbe, plagada de criminales y mafiosos. En medio del caos, poderosas bandas organizadas se disputan en territorio, mientras que la policía hace lo posible por detener a los cabecillas. Es allí donde emergen dos personajes diametralmente opuestos entre sí y al mismo tiempo, similares: el enigmático Hombre Murciélago, cuya presencia es poco más que un mito urbano, y un hombre llamado Jack Napier, cuyo destino sería quedaría marcado para siempre tras su encuentro con quien se convertiría en su eterno némesis.

De las características más resaltantes de esta producción destaca sin duda toda la reinvención del mito y la manera en que fue llegado a la gran pantalla, mostrando finalmente al gran público todo el perfil psicológico de Batman y el porqué de sus acciones. Pese a que el mismo admite nunca haber sido un lector asiduo de historietas, Burton toma como fuente de inspiración las novelas gráficas The Killing Joke y The Dark Knight Returns, de la cuales tomó ciertos elementos. El Joker de Nicholson sin duda refleja muchísimo al personaje original, mostrando su lado más oscuro, aunque sin prescindir de cierto aire bufonesco muy al estilo de Cesar Romero (interprete del personaje en la serie de los años sesenta). En cuanto a la musicalización, esta corre por parte de Danny Elfman, quien sin duda logró crear una banda sonora emblemática, tanto así que hoy en día es casi imposible no imaginar el tema central del filme cuando se menciona a Batman. 

Batman pudo ser sin duda el filme definitivo del murciélago. Sin embargo, ciertos detalles hacen que más de uno dude con respecto a este calificativo. Por ejemplo la elección del diseño del traje (totalmente negro en lugar de gris como en los cómics), el hecho de que Billy Dee Williams interpretase a Harvey Dent, la muerte del Joker al final de la película (ya que Tim Burton pensó que sería absurdo incluirlo en una posible secuela) o el que fuese el mismo Joker y no Joe Chill como en la historia original. Sin embargo, lo anterior no resta calidad a una producción que sin duda alguna retrata de manera fiel el espíritu del personaje.

En conclusión, Batman es hoy por hoy uno de los grandes clásicos de los años ochentas, tal vez la que se podría considerar que cerró con broche de oro la cartelera cinematográfica de una década importante para la industria, en la que muchísimos títulos forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones.

Cápsulas del Paredón: Fundamentales de los 80's - Por Christian Dorian

Karen Allen.

Nancy con su kempis militar, interpretada por Karen Allen, quien no sabía que su novio el cachondísimo detective de la policía de San Francisco, Steve Burns (interpretado por Al Pacino), guardaba un oscuro secreto de sadomasoquismo gay en su interior, en la monumental "Cruising" de 1980, dirigida por William Friedkin, el mismo de "El Exorcista". La película fue vapuleada por la crítica, y sector de la comunidad gay la consideró denigrante y peyorativa, pero que con el tiempo ganó estatus de culto.

David Patrick Kelly como "Sully"

Difícilmente se encuentra uno, un personaje de malo más insoportable que el personaje llamado "Sully", interpretado por David Patrick Kelly en la película "Comando" de 1985. Y también difícilmente encuentra uno en el cine de acción, una escena más graciosa que esa en la que Arnold finalmente se deshace de él diciéndole: "Remember, Sully when I promised to kill you last?".

Póster de “The Perils Of Gwendoline In The Land Of The Yik Yak”

“Gwendoline”, (aka “The Perils Of Gwendoline In The Land Of The Yik Yak”) es una cinta francesa de 1984, mezcla caótica de Indiana Jones y los viajes eróticos de Emanuelle basada en el comic homónimo protagonizado por la modelo Tawny Kitaen, famosa en los ochentas por salir en el video “Here I Go Again” de 1987, de la banda de hard rock White Snake. Pues acá es una aventurera joven que junto con un mercenario y su criada van a una selva asiática a buscar a su padre desaparecido mientras estudiaba una extraña mariposa en el reino subterráneo de Yik Yak, una lugar dominado por mujeres guerreras. Dirige Just Jaeckin el mismísimo que ya antes había dirigido los hits eróticos: “Emanuelle” (1974) e “Historia de O” (1975), también “El Amante De Lady Chatterley” (1981) así que la película exuda sexo, cuero y hembras sudadas, caníbales, pirañas, una desmesura palomitera con mujeres encadenadas e insinuaciones sexuales sin descanso. Por instantes políticamente incorrecta, por instantes ingenua, es una referencia ochentera indispensable si lo que desean es ver cine realmente por fuera de los carteles de Hollywood

ESPECIAL CINE DE LOS 80's: "PLATOON" de Oliver Stone, 1986 - Por Marilyn Rodríguez

-"Cuando pienso en lo que pasó allí, creo que no luchábamos contra el enemigo. Luchábamos contra nosotros mismos. El enemigo estaba dentro de nosotros. Ahora la guerra ya ha terminado para mí, pero siempre formará parte de mi vida...".

Realizada por el ex combatiente Oliver Stone, con guion del propio director,en el cual estuvo trabajando durante diez años, narra su experiencia personal en la guerra del Vietnam y la aprovecha para presentar un potente documento antibelicista. Rodada prácticamente en la jungla filipina, relata la odisea de un joven yanqui que, por idealismo y para huir de la monotonía, se enrola como voluntario en un conflicto que le descubrirá aspectos inesperados de la conducta humana y la bajeza moral de los contendientes. El horror y la violencia presiden este film, perfectamente concebidos en imágenes, el cual provoca malestar anímico del público, a la vez que obtendría cuatro Óscar de Hollywood.

Una mirada cruda y bastante salvaje sobre la guerra, a través de los ojos de un joven soldado de diecinueve años, Chris Taylor, un joven de clase media, idealista en el que el horror y el caos diario del frente se encargarán de cambiar su visión del mundo y si vale la pena luchar por aquello que creía fervientemente. De ello se encargarán los dos sargentos antagónicos al mando del pelotón, el hippy Elias Grodin (Willem Dafoe) y el violento Bob Barnes (Tom Berenger). Este antagonismo representa la división que existía entre las filas norteamericanas.

Willem Dafoe como "Elias Grodin"

La cinta fue producida durante la era Reagan, política que condicionó el enfoque ideológico de las temáticas sobre la guerra de Vietnam, con películas de venganza procedentes de una experiencia frustrante, interpretadas por actores que representaban una postura conservadora y neofascista, como por ejemplo la serie Rambo-Stallone (Acorralado, Rambo y Rambo III) y las de Chuck Norris (Desaparecido en Combate I y II); junto a otras películas que ensalzaban la figura de los soldados-héroes americanos que dejaron su vida en la jungla asiática, como “Más allá del valor”(1983) de Ted Kotcheff sobre los prisioneros de guerra, con el violento Gene Hackman como protagonista o “La colina de la Hamburguesa” (1987), de John Irvin.

Aun así, esos films de combate tuvieron su disidencia política, como el propio Ronald Reagan, en dos títulos que asimismo pasarían a la historia: “La chaqueta metálica”• (1987) de Stanley Kubrick, un excelente alegato antimilitarista, la magistral “Senderos de gloria”, y esta misma.

Oliver Stone, traumatizado por su paso por la Guerra de Vietnam, completaría una trilogía sobre el tema con “Nacido el 4 de julio”(1989) biografía del mutilado ex combatiente Ron Kovic, encarnado por Tom Cruise y “El cielo y la tierra” (1993) basado en la doble autobiografía de la vietnamita Le Ly Hayslip.

Cuando se hace mención a esta película es inevitable revocar una de sus secuencias más famosas, la muerte del sargento Elias siendo abatido por fuego enemigo, cayendo de rodillas, alzando los brazos, habiendo sido previamente abandonado por Barnes.

Especial los 80's : "Thundercats" - Rankin-Bass Productions (1985-1989) por Verushka Hueck

El 23 de junio de 1985, ocurre un hito histórico dentro de la televisión americana: se emite el primer episodio de la serie animada Thundercats, la cual se convertiría rápidamente en una de las más exitosas a nivel mundial. Su primera temporada contaría con 65 episodios, y sería tal su impacto que aún hoy es recordada como una de las mejores series animadas de todos los tiempos.

Thundercats fue producida por la legendaria Rankin/Bass Productions, conocida principalmente por sus películas navideñas en stop-motion y por producir clásicos como la adaptación animada de The Hobbit o The Flight of Dragons. Junto a Rankin/Bass, estuvo involucrada la empresa la empresa Pacific Animation Corporation, así como el director japonés Katsuhito Akiyama (Sol Bianca, Bubblegum Crisis, Bastard!!) y la productora Lorimar Productions. Para llamar la atención de la audiencia, se decidió darle un estilo cercano al anime, aunque sin abandonar los diseños originales, dando como resultado una mezcla que logró sentar un precedente dentro del campo de la animación americana y en general.

En su primera temporada, Thundercats nos presenta a una raza de gatos humanoides provenientes del planeta Thundera, el cual está a punto de colapsar, lo que motiva un éxodo masivo de sus habitantes. La acción se enfoca en la nave de los protagonistas, quienes forman parte de la elite de dicho mundo. Allí conocemos al equipo: el aún niño Leon-O, su consejero Snarf, los aguerridos Panthro, Tigro y Chitara, y los jóvenes gemelos Felino y Felina, liderados por su mentor, el anciano Jaga. Durante su travesía por el espacio, la flota es atacada por los mutantes del planeta Plum-Darr, destruyéndola casi en su totalidad y dejando la nave de los Thundercats seriamente dañada. Tras sobrevivir al ataque, son obligados a cambiar el rumbo a un destino más lejano al que habían planeado originalmente, por lo que deberán entrar en cámaras de animación suspendida mientras Jaga se ve obligado a pilotear la nave hasta su destino, muriendo de vejez durante el trayecto. Llegarían así al Tercer Planeta, donde comenzarán sus aventuras. Cabe destacar que tras despertar de la animación suspendida, recibirán la sorpresa de que Leon-O ahora es adulto, pues su cápsula no preservó su edad original sino que aceleró su crecimiento.

En el Tercer Planeta, los Thundercats tendrán que enfrentar a los mutantes, ahora liderados por el antiguo Mumm-Ra, un ser maligno que querrá a toda costa apoderarse del Ojo de Thundera, incrustado en la Espada del Augurio que ahora está en posesión de Leon-O, Señor de los Thundercats.

Tras el éxito de la primera temporada, la serie fue renovada para varias temporadas más. Fue continuada por una película para televisión, Thundercats Ho! en 1986, y las segunda y tercera temporada, de 20 episodios cada una.

Durante su apogeo, Marvel Comics se encargó de la adaptación en papel entre 1984 y 1988, tarea que posteriormente retomaría Wildstorm, filial de DC Comics en el 2003. Por su parte, en 2011 aparecería un remake con mucha más influencia anime producida por Warner Bros con animación a cargo de Studio 4ºC para Cartoon Network. Dicha serie solo contaría con una temporada, recibiendo críticas variadas, algunas elogiando su animación e historia y otras lamentando que no se usara un estilo de dibujo más cercano al anime adulto.

Hoy por hoy, Thundercats es una serie de culto admirada por varias generaciones, la cantidad de material PoP que puede encontrarse en torno a ella es enorme y todavía se pueden escuchar voces clamando por una adaptación cinematográfica. Sin duda Thundercats es junto a SilverHawks –también de Raskin/Bass y con la misma estética- y He-Man and the Masters of the Universe (de Filmation en conjunto con Mattel) una de las series animadas mas emblemáticas del siglo pasado.

ESPECIAL CINE DE LOS 80 EL BESO DE LA MUJER ARAÑA (Kiss of the Spider Woman), Héctor Babenco, 1985 - Por Marilyn Rodríguez

-“¿Pero no se sufre más, después de haber sido feliz y quedarse sin nada?

-Molina, hay una cosa que tener en cuenta. En la vida del hombre, que puede ser corta y puede ser larga, todo es provisional. Nada es para siempre.

-Sí, pero que dure un poquito, por lo menos.

-Es que habría que saber aceptar las cosas como se dan, y apreciar lo bueno que te pase, aunque no dure. Porque nada es para siempre.”

Raúl Juliá y William Hurt

Dos personajes comparten celda en una sórdida prisión brasileña. Valentín Arregui (Raúl Juliá), encarcelado por ser un activista político de izquierdas, y Luis Molina (William Hurt) un homosexual encerrado por delitos de corrupción de menores. 

Molina posee un ideal romántico, posee un alma sensible, y mata su tiempo evocando los recuerdos de una de sus películas favoritas. Se trata de una cinta de propaganda nazi de la Segunda Guerra Mundial; un thriller sobre una cantante francesa que traiciona a su país por amor hacia un soldado alemán y con el que se siente completamente identificado.

Aguirre le escucha, detesta a Molina y a su ideología política, a todo lo que representa, pero le escucha, y poco a poco, va cediendo en su hostilidad, hasta abrirse emocionalmente a él.

William Hurt ganó un Oscar como "Mejor Actor" por este personaje.

En realidad, estos dos personajes no pueden ser más dispares ni más diametralmente opuestos, la sensibilidad y homosexualidad de Molina se opone frontalmente a la tosquedad, violencia y machismo de Arregui. Dos personajes tan antagónicos, pero con un deseo que tienen ambos en común, el deseo de libertad. 

Una libertad que les permita engrasar a ambos el motor de sus vidas, para Molina es el amor, el cual mueve su existencia; para Arregui sus ideales políticos, la libertad individual, y conseguir olvidar el dolor de las torturas sufridas. Ambos, con motivos muy distintos, pero con un mismo fin.

A medida que avanza la historia, se revela al espectador que Molina, a cambio de recibir favores y privilegios como comida y una promesa de libertad condicional, es chantajeado por el director de la prisión a fin de que consiga información acerca del grupo revolucionario al que pertenece. 

Una peculiar amistad se va desarrollando entre ambos reclusos, y Molina va transformando esa amistad en sentimientos románticos hacia su compañero de celda.

Con guion de Leonard Schrader basado en la novela homónima del argentino Manuel Puig, el director brasileño Hector Babenco realizó este drama donde la fuerza reside en las soberbias interpretaciones de ambos actores protagonistas, con el que William Hurt consiguió un Oscar, realizando un sólido film sobre la falta de libertad de expresión y la represión como medida coercitiva, utilizada en ciertos países, para atajarla. Pero también la cinta encierra otros valores como la amistad, el compañerismo, y emociones tales como la soledad, el dolor, y por supuesto, el amor.

Cede la fuerza de su film a sus actores para transmitir las sugerencias que se desprenden del texto original. Esta pequeña obra de cámara, casi circunscrita a un único espacio con dos únicos personajes, una celda con dos presos en una indeterminada prisión brasileña, no esconde su claro aspecto teatral.

En ese ambiente tan claustrofóbico de una celda, salir al mundo de la imaginación es necesario.

TEMPORADA DE PREMIOS 2018. THE DISASTER ARTIST (2017) Por Doug Valverde

FICHA TÉCNICA:

País: Estados Unidos

Reparto: Dave Franco, James Franco, Seth Rogen, Ari Graynor, Josh Hutcherson, Alison Brie.

Género: Comedia Dramática.

Dirección: James Franco.

Guión: Scott Neudstadter, Michael H. Weber

- GANADORA DE LA CONCHA DE ORO A MEJOR PELICULA

- GANADORA DEL GLOBO DE ORO A MEJOR PELICULA EN CATEGORIA DE COMEDIA O MUSICAL

- GANADOR DEL GLOBO DE ORO A MEJOR ACTOR PRINCIPAL EN COMEDIA O MUSICAL PARA        JAMES FRANCO.

SINOPSIS:

Greg Sesteros (Dave Franco) es un joven estudiante de actuación con aspiraciones de mejorar en dicha profesión, tras ser impactado por la peculiaridad artística de Tommy Wiseau (James Franco) descubre que su sueño de ser un reconocido actor no esta tan lejos de ser posible y con el apoyo casi incondicional de su nuevo amigo Tommy será posible lograrlo, de una manera inesperada, ya que no consiguen triunfar en la industria por los medios habituales Wiseau se propone filmar su propio film “The Room”.

UN DESASTRE DE ARTISTA

La película está basada en un el libro de Greg Sesteros, que narra los sucesos por los que pasó junto a su amigo Tommy para filmar su película más famosa.  El titulo describe a Wiseau, que aun siendo ese desastre como interprete logro una azaña increíble que no cualquier película con la mejor producción, reparto y dirección puede lograr como es entrar en la categoría de Culto y durar tantos años dando de qué hablar convirtiéndose en cierta forma en motivo de estudio aunque sea para desentrañar todos las pésimas decisiones tomadas para realizar desde la producción, casting, edición y etc. Por lo que se puede ver lejos de demeritar a Wiseau con el titulo se intenta resaltar la peculiaridad del personaje para aprovechar la oportunidad que la vida le presentó a pesar de su desordenada e inexperta manera de hacer las cosas, como el dato de la compra de equipo de grabación que no fue usado en la película además de que en la industria no se suele comprar el equipo sino mas bien arrendarlo y la clarísima inexperticia actoral que termino siendo la cereza del pastel.

FRANCO COMO WISEAU

Anteriormente en la cinta 127 horas Franco nos ha demostrado de lo que es capaz a nivel histriónico y su interpretación de Tommy Wiseau ha dejado a todos atónitos y no es para menos, al tratar de emular un personaje con muchos recursos para tomar en cuenta, desde la manera de caminar, hablar, moverse y etc, lo mejor de todo en esta actuación es que siendo un personaje que involuntariamente se presta al humor (casi al estilo de Sammy con Derbez) se le trata en un verdadero homenaje, evitando que el público lo vea de la manera en que se aprecia al ver la película “The Room” como alguien que no conoce como se expresa la gente en la vida real y que no comprende lo que pasa a su alrededor, de modo que esto no llega a la categoría de comedia por hacer parodia del personaje, sino interpretándolo de una manera tan correcta que nos deja ver eso que todos reciben como impresión al conocer al verdadero Wiseau, un personaje con cierto carisma y una personalidad agradable a la vez que misteriosa, de la cual emana una gracia extraña por su simple manera de ser, lo cual ha sido el éxito de James Franco al lograr reflejar esto a pesar de el poco parecido físico.

THE ROOM Y EL DESASTRE DE ARTISTA

Si no habías visto “The Room” y te has preguntado cual ver primero en lo personal recomiendo ver la original primero ya que Franco se ha tomado la molestia de hacernos entender el drama detrás de las mas emblemáticas tomas, de donde viene otro gran logro del film Disaster es lograr contarte mas sobre los personajes, sin hacerte sentir que ya lo habias visto todo al visionar el film de Wiseau. Al parecer el estudio del equipo de Desastre de Artista sobre “The Room” llego al nivel de filmar 2 peliculas a la vez, la que se proponían presentar como propia y un remake de la película homenajeada, detalle que podemos apreciar al final de la película donde se comparan cuadros de la original y la versión adaptada de James y compañía, quienes logran convencer a su publico de que no les mintieron en ningún momento sobre este drama pobremente desarrollado vuelto comedia negra e involuntaria. El paralelismo de la grabación de escenas, nos explica muy bien muchas de las incongruencias que hacen a “The Room” una película que tienes que apreciar porque es toda una experiencia. Disaster Artist responde varias de esas interrogantes que nos plantea “The Room” (y vaya que son muchas) pero sin quitarle el sabor, un digno homenaje de una obra de Culto logrado del despropósito involuntario.

Especial Enero Cine de los 80's: "Poltergeist" (1982) por Verushka Hueck

Muy pocas películas dentro del género del terror pueden darse el lujo de ser consideradas como filmes que realmente puedan cumplir su cometido de aterrorizar a la audiencia. Y de hecho, muchas veces es necesario revisar el pasado para poder encontrar dichas joyas. Una de ellas es sin duda alguna Poltergeist, producida por Steven Spielberg y dirigida por Tobe Hooper, quien ya venía de dirigir el filme original de La Masacre en Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974).

Heather O'Rourke como "Carol Anne"

Estrenada en 1982, Poltergeist gira en torno a una casa embrujada, cuya familia es asediada por espíritus llenos de ira, y que irán aumentando su poder a medida que avanza la trama. Todo comenzará cuando la hija menor de la familia Freeling, Carol Anne, interpretada por Heather O'Rourke (1975 – 1988), comienza a entablar contacto con estas entidades a través de la estática de un televisor a media noche. Pensando en un principio que se trata de seres inofensivos, inconscientemente les permite pasar a nuestro plano de existencia, dando inicio a una pesadilla que parecerá no tener fin.

Posteriormente, Carol Anne es secuestrada por las entidades de este plano espiritual, por lo que sus padres deberán contratar a un grupo de investigadores de lo paranormal y posteriormente a una médium espiritual para intentar recuperar a su hija. Pero justo en el momento en que creerán haber pasado lo peor, descubrirán la horrible verdad detrás del intenso disturbio sobrenatural al cual se enfrentan.

Zelda Rubinstein como "Tangina Barrons"

Poltergeist marcó un antes y un después dentro del género de horror, ganando el apoyo de la crítica y la audiencia, así como también varios premios, tales como el Bafta a mejores efectos visuales en 1983 o el premio Saturno a mejor película de horror, mejor maquillaje y mejor actriz de soporte para Zelda Rubinstein en su papel de la médium Tangina Barrons. Ese mismo año tuvo tres nominaciones al Oscar por mejor música (compuesta por el gran Jerry Goldsmith), mejores efectos visuales y mejores efectos sonoros.

Mucho se ha hablado de la denominada “Maldición de Poltergeist”, dados los muchos incidentes durante el rodaje tanto del filme original como de sus secuelas. La actriz que interpretó a la hija mayor de los Freeling, Dominique Dunne, fue asesinada por su novio poco después de finalizar el rodaje, mientras que la pequeña Heather O'Rourke murió en 1988 durante la filmación de Poltergeist III de estenosis intestinal. Julian Beck, quien hizo el papel del Reverendo Kane en Poltergeist II murió en 1985 víctima de un cancer en el estómago, y Will Sampson, quien interpretó al chamán Taylor también en la segunda película, murió en 1987 por complicaciones en un transplante de corazón y pulmón.

Como sea, Poltergeist es un filme legendario y que todavía hoy, 35 años después de su estreno, sigue siendo tan aterrador como lo fue en su momento. Sus efectos visuales, la atmósfera que transmite y los momentos de tensión en muchas de sus escenas la convierten en un clásico imbatible dentro del género, y que ni siquiera su versión moderna estrenada en 2015 logró superar. Realmente vale la pena echarle un ojo a esta gran producción, una de las mejores películas de terror jamás filmadas.

LAS MEJORES PELÍCULAS DE 2017: "BEACH RATS"

Dirección: Eliza Hittman

País: Estados Unidos

Un adolescente de Brooklyn sin objetivos lucha por escapar de su desoladora vida familiar y averiguar cuestiones sobre su identidad, mientras pasa el tiempo con sus amigos delincuentes, una posible nueva novia y hombres mayores que conoce online. (FILMAFFINITY)

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Presentada en Sundance, es el segundo largometraje de la valiente Eliza Hittman, que ya destacó en su ópera prima It Felt Like Love (2013) con un relato sin tapujos sobre el despertar sexual. En esta nueva incursión en la intimidad de un joven personaje, ahora masculino, se desplaza a Brooklyn para contarnos sus peripecias en este terreno, en concreto vía una página de citas online en la que se graban otros hombres desnudos, semidesnudos o deseando estarlo tras lograr el oportuno match. Evidentemente esta actividad la mantiene en secreto, de noche en el ordenador de su cuarto, pues su madre y su hermana que conviven con él no sospechan de esta doble vida, ni tampoco sus tres amigos heterosexuales con los que se droga y deambula para flirtear con chicas. Una de ellas se fija en él, por ser el más agraciado y quizá también por ser el que no pretende lo primero acostarse con ella, rechazo que se confirma cuando la invita a su hogar, entonces para frustración de su acompañante, aunque esto no evitará que se sienten las bases de una relación condenada al fracaso. Establecidos así los cuatro ejes interactuantes del protagonista (familia, amigos y pareja, más el virtual), es casi milagroso que logre mantenerlos independientes durante buena parte del metraje, sobre todo para quien no parece ser especialmente ingenioso ni espabilado: recordemos ante todo que su conflicto es interno.

Pero Hittman pone demasiado el acento en este componente introspectivo, que pasa de ser núcleo del drama a pervertir su desarrollo. No hemos mencionado al padre enfermo terminal de cáncer porque lejos de añadir un obstáculo dramático su muerte prematura se despacha en elipsis y no tiene mayor repercusión. No puede ignorarse que la tragedia con toda seguridad ha socavado la confianza y el bienestar del joven, lo cual sí influye en la trama principal, pero la manera en que se ejecuta esta subtrama, más cercana a la anécdota, nos impide darle un valor propio. Otro elemento que sí hemos esbozado es el de la relación de pareja, que efectivamente se rompe (lo inevitable de este desenlace excusa el spoiler ), pero lo hace de la forma menos perturbadora posible (ahora no añadimos más porque esto si conviene presenciarlo sin datos previos). La propia conclusión de la cinta, cuando ya el protagonista es incapaz de desligar esas distintas partes de su vida, se antoja precipitada, casi con una intención de confusión anticlimática para dejar en el aire todo lo que pudiera resultar ajeno o ulterior al camino que ha debido recorrer aquel por sus propios sentimientos.

En verdad Hittman consigue dotar a Beach Rats de emoción genuina, precisamente por dedicarle casi todo el tiempo, limitando los escenarios y los personajes para familiarizarnos con un ambiente muy concreto, aunque sus referentes sean genéricos: unos seres a la deriva hacia los que profesamos tanta pena como compasión. Esta combinación de idiosincrasia y discurso universal conforma una lograda verosimilitud, hasta el punto de que nos contagiamos de las incertidumbres de su héroe y durante buena parte de la historia dudamos también de su orientación sexual y compartimos la frustración de sus encuentros más o menos efímeros. A ello contribuyen las sentidas interpretaciones de sus poco conocidos actores, con el sorprendente Harris Dickinson a la cabeza, secundado por las más expresivas Madeline Weinstein y Kate Hodge, así como un estilo transparente del que un ojo analítico casi se olvida en beneficio del propio discurrir del drama.

CURIOSIDADES DE BACK TO THE FUTURE (1985) - Por Vicky Núñez Guzmán

El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo, un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro, deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no sería posible.

Curiosidades:

Spaceman from Pluto

Al productor Sid Sheinberg le horrorizaba el título de "Back to the future" porque creía que no tenía sentido, así que escribió un memorando ofreciendo el título alternativo de Spaceman from Pluto. Spielberg rechazó la propuesta contestando que la ocurrencia de Sheinberg le parecía un chiste muy gracioso. El productor nunca insistió en el tema.

Un casting interminable

Michael J. Fox era el primer candidato para el papel, pero no estaba disponible, así que la productora montó un casting masivo sin ningún resultado. Entre los actores que participaron para el papel de Marty McFly estaban Johnny Depp, John Cusack y Charlie Sheen.

Comparaciones entre escenas grabadas por Eric Stolz y Michael J. Fox.

El otro Marty McFly

Durante unas semanas, el papel de Marty McFly lo interpretó el actor Eric Stoltz (sobre estas líneas), pero Stoltz no era un actor de comedia, y le dio un toque demasiado oscuro y dramático al personaje. se tomó tan en serio el papel que no quería que lo llamaran Eric en el rodaje, sino Marty, y estuvo a punto de lesionar al actor Tom Wilson (Biff Tannen) en la escena del empujón. En cuanto Michael J. Fox volvió a estar disponible echaron a Stoltz y volvieron a rodar todo.

Indicadores a medida

Tuvieron que crear un velocímetro a medida para el Delorean de la película, porque los que traían los coches de la época solo llegaban hasta las 85 millas por hora. La razón era un decreto dictado por el Presidente Jimmy Carter en 1979 para disuadir a los conductores de ir demasiado rápido.

El perro "Einstein".

De chimpancé a perro

En el guión original, Doc tenía un chimpancé llamado Shemp como mascota, pero el productor Sid Sheinberg lo eliminó porque aseguraba que los chimpancés no funcionaban bien en el cine. En su lugar reclutaron al perro llamado Einstein.

Marty McFly, el pirata de vídeo

El Dr. Emmett Brown era Profesor Emmett Brown en el guión original, y tenía un negocio de películas pirateadas a medias con Marty McFly. Evidentemente, era demasiado políticamente incorrecto como para que llegara a la versión final. Eso por no mencionar que ya no hubiéramos podido llamarle “Doc”.

El rockero Huey Lewis.

Demasiado ruidoso

La canción que Marty y su banda tocan al principio de la película es una versión deThe Power of Love de Huey Lewis and the News. El miembro del jurado que les corta diciendo ¡Suficiente, lo siento chicos es demasiado ruidoso! (segundo desde la izquierda) es el propio Huey Lewis haciendo un Cameo.

“The Princess Bride / La Princesa Prometida” de Rob Reiner (1987) - Por Frank Binueza

SINOPSIS:

Un anciano visita a su enfermo nieto, con la intención de leerle un libro, en el que se cuenta la historia que da nombre a la película. En el relato, una bella joven llamada Buttercup (Robin Wright) vive en una granja en el ficticio reino de Florin, ella constantemente molesta a un joven mozo llamado Westley (Cary Elwes),  pero finalmente descubren que están enamorados y se prometen en matrimonio. Sin embargo Westley no tiene dinero, y se embarca a alta mar para poder desposar a Buttercup, para su desgracia el barco es atacado por el malvado pirata Roberts, quien no acostumbra dejar testigos vivos, por lo cual Buttercup se resigna a haber perdido a su amor. Años más tarde se promete en matrimonio con el cruel Príncipe Humperdinck (Chris Sarandon), pero antes de la boda Buttercup es secuestrada por tres forajidos, quienes son perseguidos por el príncipe Humperdinck y un enigmático hombre de negro enmascarado…

INCONCEBIBLE…

Esa sería la única palabra para quién se resista a ver este fantástico cuento de hadas moderno, basado en el libro homónimo de William Goldman, quien también fungió como guionista de la película. Una sátira de los excesos de la realeza europea del Renacimiento, llena de humor, giros inesperados y grandes peleas, resulta también inconcebible que la película tuviera solo un “modesto” éxito en taquilla, pero que con el tiempo se convirtiera en una “película de culto”, es quizá el mejor final feliz que pudo tener dicho producción.

Filmada en diversas locaciones de Inglaterra e Irlanda, y con una potente banda sonora compuesta por Mark Knopfler, líder de la banda británica Dire Straits, la película no solo es una historia de una damisela en apuros, sino que es una interesante mezcla de comedia, romance y espadas, que puede ser disfrutada por toda la familia, y que ha dejado un gran legado dentro de la cultura pop estadounidense, desde el “Inconcebible” que constantemente repite Vizzini (Wallace Shawn), hasta la recordada frase de Mandy Patinkin: “Hola, me llamo Iñigo Montoya. Tu mataste a mi padre… ¡prepárate a morir!”.

Entre otros actores que aparecieron en la película destaca una debutante Robin Wright, mejor conocida por sus interpretaciones de “Jenny” en “Forrest Gump” o como Claire Underwood en la serie “House of Cards”, el joven Fred Savage famoso por la serie “The Wonder Years”, el actor Billy Crystal como “Miracle Max” y el luchador Andre the Giant como “Fezzik”. En 2014, con motivo del treinta aniversario de la película, el actor Cary Elwes lanzó el libro “As You Wish: Inconceivable Tales from the Making of The Princess Bride”, en donde colocó entrevistas y fotos detrás de cámara de la producción de la película, como regalo para los fanáticos de la misma.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “The Princess Bride / La Princesa Prometida” (1987)

Director: Rob Reiner.

Guion: William Goldman.

País: Estados Unidos.

Reparto: Robin Wright,  Cary Elwes,  Mandy Patinkin,  Chris Sarandon,  Christopher Guest, Wallace Shawn,  André the Giant,  Fred Savage,  Peter Falk.

Género: Aventuras, Comedia, Romance, Fantasía.