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"Cinema Paradiso"

"Cinema Paradiso"

viernes, 29 de junio de 2018

STARSHIP TROOPERS

STARSHIP TROOPERS/ BRIGADAS DEL ESPACIO.
 (Paul Verhoeven, 1997)


 

Los estadounidenses se referían a los japoneses como insectos en la segunda guerra mundial. La idea de un enfrentamiento entre los terrícolas y seres insectoides motivó a Robert A. Heinlein en 1959 a escribir su novela, de la cual Paul Verhoeven haría una de sus mejores películas.

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En el siglo XXIII la democracia ha sido sustituido por un nuevo esquema político militarizado donde los individuos pueden ser ciudadanos o civiles. Los primeros solo alcanzarán tal estatus luego de 2 años de servicio militar y obtienen su derecho a la participación política y al voto, los otros obviamente no. En la futurista ciudad de Buenos Aires un grupo de muchachos a punto de terminar la secundaria se enfrentan a la decisión de qué hacer con sus vidas. La propaganda militar invita a la juventud a participar en el entrenamiento ofreciéndoles expectativas a futuro. Johnnie Rico, Carmen Ibañez, Dizzy Flores y Carl Jenkins se enlistan, pero el proceso de selección depende de sus aptitudes y calificaciones, mientras Carmen puede optar por ingresar a la fuerza aérea y Carl a inteligencia militar, es decir la élite, los otros 2 deben conformarse con unirse a la Infantería Móvil, que en la jerarquía es lo más bajo pues se la considera carne de cañón.


Los enemigos, unos arácnidos del planeta Klendathu, atacan la Tierra y la capital argentina es destruida ocasionando millones de muertos. Entonces nuestros protagonistas serán movilizados a luchar contra una amenaza físicamente repulsiva y de instintos criminales.
 


Paul Verhoeven consigue una película que puede disfrutarse a dos niveles. Al nivel palomitero nos pasamos emocionados admirando la espectacularidad de los efectos visuales y una historia donde nuestros congéneres se enfrentan en una guerra sin cuartel contra unos seres horribles que sin remordimiento intentan destruir nuestro planeta y que librarán la batalla definitiva en el planeta P. Sin embargo la intención del holandés es completamente diferente, pues usando tan heroico argumento se burla del militarismo y de la doble moral de su país adoptivo, EEUU, realizando un film de Ciencia Ficción que en apariencia glorifica al conservadurismo yanqui y es realmente incisivo desde la forma como los protagonistas, todos guapos, hablan acerca de su misión y aspiraciones en la vida, sus frases llenas de clichés, su patriotismo descerebrado y su forma fascista de comportarse. Cuando se entera Johnny de la muerte de sus padres no hay tristeza en sus emociones sino venganza y cuando su superior destruye el papel donde minutos antes ha firmado su deserción al ejército vemos una sonrisa triunfalista en el trucho argentino. La muñequita Carmen y su sonrisa dentífrica nos insinúa que a pesar de ser una genio en matemáticas y una gran piloto adentro de su cabecita apenas deben haber 2 neuronas porque a ella ni siquiera le importan los 2 hombres que se pelean por ellas ni que su gente haya sido destruida sino que tal le luce el uniforme de oficial de la Federación. Dizzy, un mujerón, por cierto, no tiene dignidad y se la pasa rogándole migas de atención al héroe a pesar de sus desplantes continuos y su machismo recalcitrante. Y Carl, el cerebrito, de quien sospechamos hará todo lo posible por escalar y encumbrarse en el rango más alto para satisfacción únicamente personal. La visión del ejército es todo honor y sacrificio aunque no deja de mostrarnos la brutalidad del entrenamiento pero enseguida la justifica como un camino a la excelencia porque cuando observamos esas aglomeraciones marciales no estamos sino viendo EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD a full color.
 
 

 


De paso, Verhoeven nos obsequia cine de gran magnitud que los amantes de este arte reconocemos los homenajes a obras anteriores como LA GUERRA DE LOS MUNDOS y hasta ZULU en aquel ataque al fuerte militar.

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Película fundamental en el género cuya intención de parodia no tuvo suerte con sus 2 secuelas que exaltaban lo obvio y que incluso en la cuarta entrega, realizada en animación, retomaba a los personajes sobrevivientes para seguir exprimiendo jugo de insecto.

Protagonizada por Casper Van Dien, Dennise Richards, Dina Meyer y Neil Patrick Harris como el cuarteto principal y apoyados por Michael Ironside como un profesor de secundaria reconvertido en macho oficial de infantería pero lo suficientemente inteligente para hacer que Rico deje de ser estúpido, Jake Busey como el “buddy” y Clancy Brown (el malo de Highlander) como inesperada pieza clave en la misión que nos dará victoria a nuestra raza.


 
 


 

 
 
 


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Existen algunas diferencias entre la novela de Heilein y la película de Verhoeven. En el libro los soldados llevaban auténticos acorazados como vestimenta en lugar de indumentaria más ligera y común como finalmente fue llevado al cine por falta de presupuesto. La idea fue recuperada para AL FILO DEL MAÑANA de Doug Liman (2014) donde Tom Cruise haciendo de día de la marmota repetía el mismo día hasta darse cuenta que él podía cambiar su destino y de la humanidad.

El personaje de Flores era masculino pero nuestro holandés lo sustituyó por una muy apetecible Dina Meyer creando tensión sexual aunque Rico sea un completo zoquete. El teniente Rasczak era dos personas distintas, el maestro que promueva la importancia de la ciudadanía y el feroz combatiente que cobija al protagonista y le enseña lo que debe saber de la batalla (hubo una serie de tv animada y unas novelas gráficas basadas en el personaje).

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 CARLOS CARRION QUEZADA







 

lunes, 25 de junio de 2018

DANCER IN THE DARK (2000) DE LARS VON TRIER. Por Doug Valverde


FICHA TÉCNICA:
País: Dinamarca, Alemania
Reparto: Björk Guðmundsdóttir, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Joel Grey,
Género: Melodrama
Dirección: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier



SINOPSIS:
Selma es una inmigrante checa, amante de los musicales que sufre una enfermedad degenerativa y hereditaria de la vista, razón por la cual viajó a Estados Unidos donde existen posibilidades médicas de tratar a su hijo quien empieza a sufrir de dicha enfermedad. Dicha operación por su nivel de complejidad en 1964, año en que se ambienta el film representa un gran costo, por lo que Selma ahorra todo el dinero que puede en un frasco que esconde en la cocina del remolque donde vive amparada por una pareja aparentemente acomodada económicamente. De repente la vida de Selma se verá en una inesperada encrucijada en que demostrará de que está hecha.



CORAZON DE ORO
El presente Film es la última película de la trilogía llamada “Corazón De Oro” de su director, con la cual sienta las bases del movimiento fílmico “Dogma 95” por el año en que se origina (1995) o simplemente “Dogma”. Los principios de esta corriente fílmica se enfocaban en resaltar los valores tradicionales, en el caso de esta trilogía, los de la heroína principal la cual tiene el único pecado de necesitar un escape mental, ya sea atreves de la música o al hacerse pasar por retardada como en “Los Idiotas” (1998) parte de esta trilogía, junto a “Rompiendo las Olas” (1996), pero guardándose en su misión como heroína aunque signifique su propio sacrificio.


ESCUCHANDO EN LA OSCURIDAD
El primer cuestionamiento que se suele hacer de los musicales es que nadie se imagina a si mismo empezando a cantar rodeados de una coreografía impresionantemente coordinada con la música ¡en un tris! Dancer in The Dark es un musical atípico en este sentido por la peculiaridad de Björk como artista, la creatividad con que se usó de instrumentos de su propio entorno da la impresión de que es posible empezar a cantar y danzar en el lugar en que se desenvuelve la protagonista, inmersa en un soñar despierta por el simple hecho de que le agrada la armonía de los sonidos de la fábrica en que trabaja, o el que produce el tren al recorrer las vías, sin olvidarnos de que el deterioro del sentido de la vista de Selma ha desarrollado en su persona que el sentido del oído empiece a tomar protagonismo para guiarla y consolarla en el camino oscuro que le ha tocado emprender.


CANCION DE SELMA
El encanto que produce la actuación de Bjork en este film en lo personal me ha dejado pasmado, la islandesa siempre me pareció bastante excéntrica aún para mi gusto que suele tomarse licencias experimentales, y en su breve incursión en el cine me ha dejado a gusto, pero desando que se anime algún día en el futuro a probarse nuevamente en este medio. Siendo su primera y última aparición como protagonista en la pantalla grande es suficiente para probar su calidad como artista en el conjunto actoral como musical, su mismo estilo llena de melancolía al personaje, sentimiento que según la artista la llevó a una profunda depresión tras este trabajo, razón que usó como argumento para dejar la actuación y enfocarse en su carrera musical, luego vendrían rumores que el asunto más bien tiene que ver con el comportamiento del polémico director del film, situación de la cual no se saben detalles, ni una denuncia oficial, yo solo sé que juntos crearon una obra de arte con esta impactante película que me lleva hasta las lágrimas. :’( . Las canciones inspiradas para este film se encuentran recopiladas en el Album “Selma’s Song” si aun no has tenido el gusto de ser conmovido por  Dancer in The Dark prepárate para romper ese corazón tuyo.

domingo, 17 de junio de 2018

¿Qué vemos en Netflix?: GENIO DEL MAL: “La historia del asalto más insólito de EE.UU."




GENIO DEL MAL: “La historia del asalto más insólito de EE.UU."

Dirección: Barbara Schroeder, Trey Borzillieri
Año: 2018


Sinopsis: “Genio del Mal” es una historia real y este documental, producido por Netflix, arrojará nueva luz sobre el caso del “pizza bomber” y la gente que podría haberse salido con la suya, al pensar en el robo bancario más diabólico de Estados Unidos. Esta desconcertante historia del crimen comienza con la muerte espeluznante de un pizzero que roba un banco con una bomba al cuello…


La serie dirigida por Barbara Schroeder (Talhotblond) y Trey Borzillieri (Hunting Hitler) comienza el 28 de agosto de 2003 cuando Wells recibió una llamada para entregar dos pizzas a la calle 8631 Peach. El encuentro estaba fijado para dar comienzo al robo del banco, en el que supuestamente cargaría con una bomba falsa en su cuello para intimidar a la gente. Wells descubrió que los planes habían cambiado, cuando descubrió que esta era real. Intenta huir pero es rapidamente reducido y obligado a llevar a cabo el robo con una sofisticada escopeta hecha en forma de bastón y dos páginas con instrucciones escritas a mano.
 


Las instrucciones estaban dirigidas al “Rehén Bomba”, estas contenían una serie de tareas cronometradas con la finalidad de conseguir llaves que retrasarían la explosión y eventualmente desactivarían la bomba. Recordamos que esta historia no es ficción y su realización realmente fue el plan de un genio. Y no diremos más para mantenernos lejos de los spoilers, pero podemos adelantar que una fascinante historia de complot y que involucró a muchas más personas de las que se pensó en el principio. El caso tuvo gran repercusión en los medios y hasta llegó a la ficción; Law & Order: Criminal Intent, Bones y Flashpoint fueron algunas de las series que lo utilizaron como base de episodios. 
 
 
(Fuente: Cuatro Bastardos)
 
 

Segundo Aniversario: “Ensayo de un Crimen” de Luis Buñuel (1955) - Por Frank Binueza



Archivaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) es un hombre enigmático que desde niño se siente fascinado por la muerte. En una venta de antigüedades descubre una cajita de música que le había pertenecido a su madre, y que es el detonante para que sus instintos asesinos vuelvan a florecer. Aunque está convencido de que su compromiso con la joven Carlota (Ariadne Welter), logrará salvar su alma, el destino se encargará de poner en su camino diversas tentaciones, en especial a la bella y efusiva Lavinia (Miroslava).
 


“Esa cajita se la mandó a hacer un rey… Tenía muchos enemigos y quería deshacerse de ellos. Un genio dio poder a la cajita, para que cada vez que la hiciera funcionar, muriera uno de sus enemigos…”
 


Con este no tan inocente cuento, un joven Archivaldo de la Cruz crea en su mente la fantasía de poder “deshacerse” de sus enemigos, en especial cuando por casualidad una bala perdida acaba con la vida de su implacable institutriz, quien había inventado tan sanguinaria historia sin pensar que la muerte la acechaba. Esa caja de música, con su inocente y repetitiva tonada, y adornada con una figurilla de una bailarina será el punto de partida de la vida criminal de Archivaldo de la Cruz, ese hombre extraño y gris, ese antihéroe interpretado tan turbiamente por Ernesto Alonso, otro ejemplo de la gran galería de personajes sexualmente cohibidos de Luis Buñuel, entre los cuales se cuentan a “Francisco Galván” interpretado por Arturo de Córdova en “Él” de 1953, o “Don Jaime” personificado por Fernando Rey en “Viridiana” de 1961.


 
Basada libremente en la novela homónima de Rodolfo Usigli, la adaptación fue un dolor de cabeza para Luis Buñuel en especial por las constantes intromisiones del autor, pero al final el director español terminó realizando una versión muy propia del relato, llena de humor negro y surrealismo, convirtiéndose en una de sus películas más personales hasta la fecha, mientras toca de forma falsa y perturbadora los vicios de la sociedad mexicana del momento.

 
Miroslava en llamas en su segunda aparición en la película.
 
Y es que las obsesiones de Buñuel quedaban evidenciadas desde las oníricas imágenes de los “crímenes” del protagonista, hasta la segunda aparición de la bella Miroslava, envuelta en llamas cual bruja atrapada por la Inquisición. “Me atrajo desde que la vida en las Veladoras de Santa, rodeada de llamas… como una pequeña bruja condenada a la hoguera… mi pequeña Juana de Arco”, le dice Archivaldo a Lavinia cuando rememora ese encuentro, un comentario que hace que la joven sienta aún más miedo y curiosidad sobre el decadente aristócrata.

 
 
La oscura temática es llevada de forma ligera, mientras la casualidad y el constante ambiente de suspenso equilibran los instantes tragicómicos de los ensayos y fracasos del “asesino”, mientras que las vueltas de tuerca de la narración brindan momentos inesperados que impiden perder la atención en ningún momento.
 
 
 
“El pensamiento no delinque…” le dice el juez cuando Archivaldo, luego de un largo flashback en donde Archivaldo explica sus acciones, si bien el patetismo de su relato no hace más que generar más de alguna simpatía, sus motivaciones, aunque no son aceptables, son entendibles, las mujeres a las que sueña con matar representan los males morales de la sociedad, el puritanismo religioso hipócrita, la vulgaridad, el vicio y la traición; temas que son constantes en la filmografía de Buñuel, y que vuelven a “Ensayo de un Crimen” una pequeña obra maestra en el exilio, y una de mis películas favoritas tanto del director como de la Época de Oro del Cine Mexicano.


 
 
FICHA TÉCNICA: Nombre: “Ensayo de un Crimen / La vida criminal de Archibaldo de la Cruz” (1955)
Director: Luis Buñuel
Guion: Luis Buñuel y Eduardo Ugarte, inspirada en la novela homónima de Rodolfo Usigli.
Reparto: Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma.
País: México
Género: Drama psicológico, Comedia Negra, Suspenso
 
 

Segundo Aniversario: "The Panic in Needle Park" de Jerry Schatzberg (1971) - Por Paul Torres



THE PANIC IN NEEDLE PARK / PÁNICO EN NEEDLE PARK

DIRECTOR: JERRY SCHATZBERG
AÑO: 1971
PAIS: ESTADOS UNIDOS


Sinopsis: Retrato de un grupo de adictos a la heroína que vagabundea por el "parque de la aguja" en la ciudad de Nueva York. Una de las películas preferidas por el propio Al Pacino de toda su carrera.
 


“Panico en Needle Park” retrata el tema de la adicción a la heroína, pero a diferencia de los trabajos de Boyle y Aronofsky, el espectador es testigo de las terribles consecuencias y esta se muestra de forma desgarradoramente naturalizada y muda, a forma de documental, Schatzberg nos muestra esa terribles heridas tal cual es, para lograr un mayor realismo y aumentar el dramatismo, el director saca la cámara a las calles, para mostrarnos al protagonista quien va camino hacia su propia destrucción, urge de una inyección para alejar de el su pánico, pero el pánico no se aleja sigue presente, consecuentemente hay que aplicar otra dosis, quizás una más fuerte, volviéndose en un circulo vicioso.
 

¿Que es o mejor dicho que fue Needle Park? Pues fue un lugar que existió y que alguna vez salio en el mapa, esta y estuvo en el Upper West Side de Manhattan, en la intersección entre la calle 72 y Broadway y a sólo un par de manzanas del lugar en el que fue asesinado John Lennon, y fue y sigue siendo una pequeña plaza llamada Sherman Square. En los inicios de los años 60 y hasta mediados de los 70 (en pleno auge de la heroína) era el lugar preferido de los yonkis y camellos y era conocido como “El Parque de las Agujas”. Allí a diario grandes grupos de jóvenes se reunían para poder aplicarse una dosis y asi poder como dicen ellos, disfrutar de ese “camello”.
 

Esta película supuso el “trampolín” de un joven – y desconocido hasta ese entonces – Al Pacino, quien acompañado de una tal Kitty Winn nos brindan tremendas actuaciones. Tal es así que no sorprende que Coppola después de ver a Pacino en esta película convenciera a los productores de “El Padrino” de que él debía ser Michael Corleone.
 

El director nos lleva por un viaje desagradable por las consecuencias de las drogas, explorando las urbes en donde todos estos adictos se refugiaban. Cabe mencionar que existe mucho mérito en Jerry Schatzberg ya que fue el primer director en tocar esta temática y darlo a conocer así de forma tan real y cruda como lo es todo este mundo de las drogas.
 
 

Segundo Aniversario: “Top Hat / Sombrero de Copa” de Mark Sandrich (1935) - Por Frank Binueza



Jerry Travers (Fred Astaire), un astro de la comedia musical americana, llega a Londres y se instala en la habitación del productor de su obra. El azar le hace conocer a la bella modelo Dale Tremont (Ginger Rogers), que se aloja en la habitación de abajo y de la que se enamora a primera vista. Ella lo confunde con el productor, que es esposo de una amiga suya, y rechaza los constantes avances que el enamorado Jerry realiza. Ella siente algo por Jerry, sin embargo su situación de hombre casado hace que Dale viaje a Venecia a modelar para un reconocido modisto italiano, siendo perseguida por Jerry. En Venecia ambos se vuelven a encontrar, pero por despecho Dale se termina casando con el modista...



Jerry Travers: -Es una manía, sin darme cuenta empiezo a bailar…

Dale Tremont: -Es una especie de enfermedad, ¿no?
 
 


Bailar y cantar sin razón aparente genera muchos sentimientos encontrados entre el espectador promedio, no es normal, sin embargo los musicales representan una forma de escape de la realidad que bien podría ser catalogado como “enfermedad”, de la cual yo me declaro felizmente enfermo. No hay que olvidar que el panorama social de la época era más bien sombrío, los efectos de la Gran Depresión todavía afectaban a gran parte de la población estadounidense, y el cine representaba la mejor forma de escape. Lujosos escenarios que recreaban Londres y Venecia trasladan la imaginación de los espectadores a elegantes hoteles con aventuras amorosas, comedia, confusiones y bailes.
 

Considerada como la más exitosa colaboración de la legendaria pareja de baile formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. Los números musicales, una mezcla de bailes de salón y claqué llenos de la elegancia de la época, se volvieron ampliamente reconocidos dentro de la cultura musical estadounidense, en especial los números “Top Hat, White Tie and Tails”, un solo de Fred Astaire que en cierto momento es acompañado por un gran número de bailarines realizando una complicada coreografía grupal, y “Cheek to Cheek”, quizá uno de los bailes más reconocidos de la pareja Astaire - Rogers, cuya canción ha aparecido en películas tan dispares como “The Purple Rose of Cairo” (1985), “The Green Mile” (1999) y “The Baby Boss” (2017), y es considerada también como una de las referencias más claras a uno de los segmentos del magistral “Epílogo” de “La La Land” (2016).





“No debes olvidar que con la verdad se va a todas partes”
 


Suena irónico que la falta de sinceridad de los protagonistas sea precisamente la que mantiene los enredos románticos de la película, la casualidad hace de la suyas, aun cuando la química en pantalla de los personajes de Fred Astaire y Ginger Rogers se note a simple vista, en una época donde para enamorarse solo hacía falta encontrar a la persona indicada, bailar y cantar…



FICHA TÉCNICA:

Nombre: “Top Hat / Sombrero de Copa” (1935)
Director: Mark Sandrich
Guion: Allan Scott y Dwight Taylor
Reparto: Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everett Horton, Helen Broderick, Erik Rhodes, Eric Blore, Lucille Ball.
País: Estados Unidos
 
 

Cine y Psicología: "Tideland" de Terry Gilliam (2005) - Por Paul Torres




TIDELAND (2005):“EL PUNTO DE ENCUENTRO ENTRE ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS Y PSICOSIS”

Dirección: Terry Gilliam
País: Reino Unido


Sinopsis: Jeliza-Rose tiene una infancia muy difícil. Sus padres son drogadictos y una de sus tareas diarias es prepararles sus jeringas. Después de que su madre muere por una sobredosis, su padre, Noah, se la lleva a la casa de su infancia, pero su propia madre ha fallecido y la casa está abandonada. Luego Noah sufre una sobredosis, y mientras su cuerpo se pudre en su silla, Jeliza-Rose conoce a un taxidermista y a su inestable hermano.



La clave para ver Tideland y sobre la que Terry Gilliam ha insistido muchísimo, es que se trata de un film creado a partir de la mirada inocente y sin prejuicios de una niña, y por tanto ése es el punto de vista que debería adoptar el espectador a la hora de visionarlo, ya que aunque cuenta una historia terriblemente dura Tideland jamás cae en dramatismos. De hecho lo que viene a mostrarnos Gilliam es cómo una niña inocente supera una serie de sucesos terribles porque no es consciente de ello sino que los vive desde su forma particular de ver el mundo. 
 
 

A partir de cuando ella pierde también a su padre y queda abandonada a su suerte, el film se concentra entonces en el mundo personal e infantil de Jeliza-Rose sumergiéndonos directamente en su imaginación. Es aquí donde entra en juego la dirección de Terry Gilliam, y donde cobra más sentido que nunca su forma tan fantasiosa de contar historias y de relacionarla con la dura realidad. Tomando como inspiración el cuento de Alicia en el País de las Maravillas, al que Gilliam hace referencia de forma indirecta con la madriguera del conejo y de forma directa cuando Jeliza-Rose lee la historia a su padre, la protagonista irá pasando por diversas etapas.
 
 

Todo esto hace de Tideland un maravilloso e interesantísimo film que en mi opinión constituye la obra cumbre de su director junto a Brazil. Tanto en aquella película como en ésta es donde Gilliam ha conseguido dar rienda suelta a sus temas más habituales y a su estilo tan personal con más eficacia y estando justificado por las exigencias del argumento.
 
 

martes, 12 de junio de 2018

NOVECENTO: (1900. Bernardo Bertolucci, 1976)

                                   NOVECENTO: (1900. Bernardo Bertolucci, 1976)


El 27 de enero de 1901 nacen dos niños. El uno nieto de patrón dueño de las tierras, motivo de júbilo y desde ese instante sabemos tendrá su vida asegurada. El otro, hijo de campesinos, una boca más que alimentar, alguien que por más esfuerzos que haga no podrá cambiar su condición y posiblemente su vida estará destinada a ser un engranaje más para mantener en su sitio a los que están arriba de él.
Alfredo Berlinghieri algún día será el patrón. Olmo Dalcò si tiene suerte de sobrevivir acabará pobre, enfermo y viejo. Al crecer juntos se convertirán en amigos, tendrán sus rivalidades propias de sus respectivas clases, sin embargo no contarán con el florecimiento del socialismo que proclama el fin de la explotación y la igualdad de las personas. Tampoco intuyen que los poderosos al verse amenazados darán lugar y alentarán al fascismo.





Las primeras cinco décadas del siglo XX en Italia serán narradas durante 5 horas y poco más en esta ambiciosa producción Italo-franco- germana, con un Bernardo Bertolucci completamente inspirado dándonos un retrato de esta parte de la historia de una manera didáctica aunque excesivamente cargada de su ideología marxista.




Influenciado notablemente por Passolini y Visconti Novecento es una película enorme, épica y por su contenido y duración no apreciada por el gran público. Carne de festival cinematográfico en su época y convertida en miniserie televisiva posteriormente.

Un reparto multiestelar donde brillan Robert De Niro como Alfredo, Gerard Depardieu como Olmo, Burt Lancaster como el abuelo Berlinghieri, Dominique Sanda como Ada, la burguesa idealista esposa del personaje de Bobby, Stefania Sandrelli ,el progresista amor de Olmo, Laura Betti, Regina, prima de Alfredo, mujer de insanas costumbres, Sterling Hayden el abuelo jornalero y Donald Sutherland, el malvado camisanegra.

 








En la hacienda los trabajadores reciben su paga, pero aquel año las cosechas no han ido bien, entonces el patrón, Giovanni Berlinghieri (segundo hijo de Don Alfredo, quien a su muerte ha heredado su lugar luego de favorecerse a sí mismo con un testamento falso, pues el primogénito, Vittorio, prefiere andar de juerga y dedicado a actividades licenciosas), manifiesta a sus jornaleros que por efectos de la pésima producción se les reducirá la paga, ellos protestan y cuándo mejoran las cosechas por qué no nos pagas más. Germen del descontento social que los lleva a organizarse y rebelarse contra los terratenientes. Giovanni contrata a Attila Melanchini como capataz y este sembrando terror controla a los sublevados. Olmo que regresa de la guerra halla que todo está mal y se erige como líder de los revolucionarios.




A Alfredo poco le importan las tierras, su ritmo de vida lo ha llevado a las ciudades iluminadas y bohemias, no obstante debe regresar a casa cuando su padre muere y ser entronado como el nuevo señor de su reino. Las tensiones se vuelven mayores entre él y Olmo, a pesar de que Ada intenta tender un puente entre ellos. La pasividad y quemeimportismo de Alfredo molesta a su esposa y este rechazo hace que se acerque sentimentalmente al amigo proletario, algo que sospecha pero no está seguro el primero, con resentimiento y envidia da paso a una mayor represión por parte de los fascistas. Attila está relacionado con Regina y entre los dos llevan a cabo actos pecaminosos y crueles que culminan con el asesinato de un niño, crimen que inculpan a Olmo.

La clase pudiente continúa en el poder con el apoyo de los camisas negras, reemplazan a los campesinos por máquinas, al ser obsoletos se los vende como ganado cualquiera, mientras tanto el pueblo se ha convocado en busca de una organización distinta que finalmente el día de la liberación, 25 DE Abril de 1945, se hace justicia. La hija de Olmo montada en una carroza alienta a sus compañeros bajo un cielo rojo y llevando una bandera carmesí a castigar a sus opresores. Attila es perseguido y dado muerte. Alfredo es llevado a un juicio popular (donde apreciamos 2 grupos muy definidos: los campesinos y los miembros del comité de liberación) escoltado por un muchachito que ha tomado el nombre de su ídolo, Olmo, quien llega para juzgar a su antiguo amigo: El patrón debe morir, el patrón ha muerto.



Alfredo desafiante le comunica que no, que está vivo.
 

Dos ancianos juegan y pelean en el campo. Uno de ellos se coloca en las vías del tren, un desafío que nunca cumplió de niño. Vemos que la máquina llena de emblemas rojos avanza sobre él.

Fotografía de Vittorio Storaro, música de Ennio Morricone.

Una palabra más: Utopía.