“Serial Mom / Mamá es una Asesina” de John Waters (1994) - Por Frank Binueza

Beverly Sutphin (Kathleen Turner) parece ser la típica ama de casa y madre. Adora cocina, cuidar de su casa y su familia, y siempre está alegre. Ella vive en los suburbios de Baltimore, junto a su esposo, el dentista Eugene Sutphin (Sam Waterston), y sus dos hijos adolescentes, Misty (Ricki Lake) y Chip (Matthew Lillard). Pero en secreto, Beverly es una asesina en serie, quien ante la más mínima amenaza para su familia o el más trivial desaire contra las buenas costumbres, desata su impulso homicida…

“Todos tenemos nuestros días malos”

Una buena madre es capaz de todo, una madre asesina va un paso adelante… El título de la película no nos deja ninguna duda, estamos frente a una comedia muy negra, que detalla de forma macabra y divertida una serie de asesinatos cometidos por una angelical ama de casa, todos ellos con grandes dosis de ingenio y encomiable instinto maternal. Bajo esta premisa disparatada, John Waters hace una nueva crítica a los modelos impuestos sobre la familia de clase media estadounidense, teniendo como trasfondo su amado (y caricaturesco) Baltimore.

Mezclando humor negro y crimen, el autoproclamado “Príncipe del Vómito”, John Waters, repite una fórmula que ha utilizado hasta el hartazgo, que sin embargo logra mostrar varios chispazos de la “calidad” a lo que nos tiene acostumbrado, en donde la locura y simpatía de su protagonista (una inolvidable y chocante Kathleen Turner), se roban completamente el espectáculo, mostrando la doble cara de sociedad, una imagen que contrasta con las representaciones de madres bizarras dentro de la filmografía de Waters, en especial aquellas que realizara su musa, Divine.

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Serial Mom / Mamá es una Asesina” (1994)

Director: John Waters

Guion: John Waters

Reparto: Kathleen Turner, Sam Waterston, Ricki Lake, Matthew Lillard, Suzanne Sommers, Mink Stole, Patty Hearst, Scott Wesley Morgan, Walt MacPherson.

Género: Comedia Negra, Asesinos Seriales, Cine Independiente

País: Estados Unidos

Man Bites Dog / Ocurrió cerca de su Casa” de Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde (1992) - Por Frank Binueza

Un equipo documental sigue las aventuras de Ben, un asesino en serie y ladrón, mientras ejerce su oficio. El carismático e ingenioso hombre los expone a un mundo lleno de arte, música y profundas reflexiones sobre la sociedad y la vida, mientras mata y roba de forma inescrupulosa a jubilados y personas al azar. Al explicar con una frialdad sádica los métodos de su “trabajo”, Ben empieza a involucrar al equipo de cámaras en sus actividades, y rápidamente se verán envueltos en una espiral de locura y violencia con inesperadas consecuencias…

“Y el lastre de la sociedad, como todos los saben… es la violencia”

Flamante ganadora del Premio Internacional de la Crítica en el Festival de Cannes de 1992, “Man Bites Dog” es un verdadero festín de violencia y locura, en donde la sangre, la perversión y lo absurdo van de la mano con un exagerado humor negro. Filmado en blanco y negro, bajo el formato de falso documental, con un mínimo presupuesto, y con los tres directores fungiendo como actores protagónicos, la cinta es una sátira poderosa, a veces divertida, y a menudo inquietante, sobre la obsesión de los medios de comunicación por la violencia en la vida real.

El protagonista es un ser vil e inestable, pero indudablemente carismático, quien es capaz de componer bella poesía y tocar el piano, y tener buenas relaciones con su familia y amigos, pero que a la vez, es una bestia violenta, que sin el más mínimo escrúpulo es capaz de matar hombres y mujeres, niños o ancianos. Nunca el blanco y negro se volvió tan sucio en pantalla, y jamás el humor escatológico evitó sin tantos rodeos buscar una moraleja sentimental. Odiada por muchos, amada por otros tantos, “Man Bites Dog” no busca tomarse en serio, pero su propuesta tan realista la vuelve una cinta indispensable, pero no apta para todo público, una visión de la violencia y su escandalosa exaltación.

FICHA TÉCNICA:

Nombre: “C'est arrivé près de chez vous / Man Bites Dog / Ocurrió cerca de su Casa” (1992)

Directores: Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde

Guion: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, André Bonzel, Vincent Tavier

Reparto: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jacqueline Poelvoorde Pappaert, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Jenny Drye, Malou Madou

Género: Falso Documental, Comedia Negra, Sátira.

País: Bélgica.

“Parenti Serpenti / Parientes Serpientes” de Mario Monicelli (1992)

Una pareja de ancianos invita a todos sus hijos y nietos a su hogar en Sulmona (centro-sur de Italia), para celebrar las vacaciones de Navidad. Tras recordar viejos tiempos, ir a la iglesia y jugar bingo en casa, en plena cena, los ancianos comunican a sus hijos su deseo de pasar los últimos años de su vida con uno de ellos, al que transmitirían la mayor parte de la herencia. Al principio, a sus hijos les complace su decisión, pero nadie quiere asumir dicha responsabilidad...

“Locos. Todos locos. No tienen solución…”

Retrato cínico de la familia burguesa italiana, que tras el aura de bondad que acompañan las fiestas navideñas, desenmaraña una serie críticas mordaces a la sociedad y sus vicios. A pesar de las limitaciones de la trama, Mario Monicelli, uno de los maestros de la “Commedia all'Italiana”, nos presenta un trabajo que retoma los tópicos clichés de la época, destrozándolos en el proceso.

La narración de Mauro, el joven e inocente nieto de la pareja de ancianos, sólo es otro aliciente para la ironía que rodea el relato, que rápidamente pasa de la inicial camaradería familiar y el festivo ambiente de Diciembre, a una espiral de reclamos, secretos, temores, envidias e inesperadas confesiones, que muestran la verdadera cara de sus protagonistas.

Grandes dosis de humor negro empiezan a hacer notar las terribles fracturas dentro de la aparente “familia feliz”, mientras las maquinaciones para decidir con quién se van a ir a vivir los viejos, son un triste preámbulo para su “explosivo” final…

FICHA TÉCNICA

Nombre: “Parenti Serpenti / Parientes Serpientes” (1992)

Director: Mario Monicelli

Guion: Carmine Amoroso, Suso Cecchi d'Amico, Piero De Bernardi, Mario Monicelli

Género: Comedia Negra

País: Italia

"Week-End" de Jean-Luc Godard (1967)

WEEK-END (1967)

Dirección: Jean-Luc Godard

País: Francia

Sinopsis: Particular visión del cataclismo de la burguesía a cargo del polémico y genial director francés. Una fábula apocalíptica, desencantada y satírica, definida como un nuevo viaje de Gulliver a través del colapso de la sociedad de consumo representada en una joven pareja de burgueses.

Week-end está inspirada en La autopista del sur, relato perteneciente al libro Todos los fuegos el fuego (1966) de Julio Cortázar. Narra el viaje atormentado de una pareja de burgueses, Roland y Corinne, desde la miseria moral de su vida cotidiana hasta un paraíso muy peculiar. El propósito mezquino de su aventura es visitar a los padres de Corinne para arrancarles parte de la herencia. La hipocresía de la moral burguesa queda puesta de manifiesto en el plan que elaboran para asesinarlos. Como decía Marx, el capital suplanta todas las relaciones que considerábamos sagradas, “todo lo santo es profanado”.

El mayor obstáculo que deben salvar es un gigantesco atasco de tráfico, paradójico símbolo del progreso económico burgués. Godard lo filma en un único plano secuencia de ocho minutos eternos que terminan en un fotograma trágico: en el arcén tres cadáveres de una familia a los que nadie presta atención.

Las comodidades de la técnica van necesariamente asociadas a la catástrofe. Lo habitual es que esta relación no se manifieste en el día a día sino en momentos puntuales y terribles en los que se desvela que hemos cedido toda nuestra libertad al progreso tecnológico. Fue la catástrofe del Titanic el instante en que este miedo se convirtió en la condición natural de nuestra época. Luego no ha hecho más que extenderse y generalizarse. Las estadísticas de muertos en accidentes de tráfico de cada fin de semana recuerdan a los sacrificios humanos aztecas para que el Sol no dejara de moverse. Son el tributo necesario que la sociedad burguesa paga al dios de la velocidad. Ernst Jünger observa en su ensayo La Emboscadura que lo automático tarde o temprano se torna terrible, tal y como fue profetizado por El Bosco en sus visiones del Infierno.

Si el marxismo no es la solución, es posible que lo sea el surrealismo. A esta nueva fase del viaje Godard la titula, citando a Buñuel, El ángel exterminador. La pareja es secuestrada a punta de pistola por un extraño personaje llamado Joseph Balsamo. Este asegura en un discurso delirante que “Joseph Balsamo es el hijo de Dios y de Alexandre Dumas. Dios era maricón, es sabido de todos. Se tiró a Dumas y yo fui el resultado. Por lo tanto, soy Dios. Sí, soy Dios porque soy un vago.” Godard prefiere El derecho a la pereza de Lafargue a la obsesión por el trabajo propia de capitalismo y comunismo. (Escrito por Eugenio Sánchez Bravo)

Segundo Aniversario: “Ensayo de un Crimen” de Luis Buñuel (1955) - Por Frank Binueza

Archivaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) es un hombre enigmático que desde niño se siente fascinado por la muerte. En una venta de antigüedades descubre una cajita de música que le había pertenecido a su madre, y que es el detonante para que sus instintos asesinos vuelvan a florecer. Aunque está convencido de que su compromiso con la joven Carlota (Ariadne Welter), logrará salvar su alma, el destino se encargará de poner en su camino diversas tentaciones, en especial a la bella y efusiva Lavinia (Miroslava).

 

“Esa cajita se la mandó a hacer un rey… Tenía muchos enemigos y quería deshacerse de ellos. Un genio dio poder a la cajita, para que cada vez que la hiciera funcionar, muriera uno de sus enemigos…”

 

Con este no tan inocente cuento, un joven Archivaldo de la Cruz crea en su mente la fantasía de poder “deshacerse” de sus enemigos, en especial cuando por casualidad una bala perdida acaba con la vida de su implacable institutriz, quien había inventado tan sanguinaria historia sin pensar que la muerte la acechaba. Esa caja de música, con su inocente y repetitiva tonada, y adornada con una figurilla de una bailarina será el punto de partida de la vida criminal de Archivaldo de la Cruz, ese hombre extraño y gris, ese antihéroe interpretado tan turbiamente por Ernesto Alonso, otro ejemplo de la gran galería de personajes sexualmente cohibidos de Luis Buñuel, entre los cuales se cuentan a “Francisco Galván” interpretado por Arturo de Córdova en “Él” de 1953, o “Don Jaime” personificado por Fernando Rey en “Viridiana” de 1961.

 

Basada libremente en la novela homónima de Rodolfo Usigli, la adaptación fue un dolor de cabeza para Luis Buñuel en especial por las constantes intromisiones del autor, pero al final el director español terminó realizando una versión muy propia del relato, llena de humor negro y surrealismo, convirtiéndose en una de sus películas más personales hasta la fecha, mientras toca de forma falsa y perturbadora los vicios de la sociedad mexicana del momento.

 

Miroslava en llamas en su segunda aparición en la película.

 

Y es que las obsesiones de Buñuel quedaban evidenciadas desde las oníricas imágenes de los “crímenes” del protagonista, hasta la segunda aparición de la bella Miroslava, envuelta en llamas cual bruja atrapada por la Inquisición. “Me atrajo desde que la vida en las Veladoras de Santa, rodeada de llamas… como una pequeña bruja condenada a la hoguera… mi pequeña Juana de Arco”, le dice Archivaldo a Lavinia cuando rememora ese encuentro, un comentario que hace que la joven sienta aún más miedo y curiosidad sobre el decadente aristócrata.

 

 

La oscura temática es llevada de forma ligera, mientras la casualidad y el constante ambiente de suspenso equilibran los instantes tragicómicos de los ensayos y fracasos del “asesino”, mientras que las vueltas de tuerca de la narración brindan momentos inesperados que impiden perder la atención en ningún momento.
 

 

 

“El pensamiento no delinque…” le dice el juez cuando Archivaldo, luego de un largo flashback en donde Archivaldo explica sus acciones, si bien el patetismo de su relato no hace más que generar más de alguna simpatía, sus motivaciones, aunque no son aceptables, son entendibles, las mujeres a las que sueña con matar representan los males morales de la sociedad, el puritanismo religioso hipócrita, la vulgaridad, el vicio y la traición; temas que son constantes en la filmografía de Buñuel, y que vuelven a “Ensayo de un Crimen” una pequeña obra maestra en el exilio, y una de mis películas favoritas tanto del director como de la Época de Oro del Cine Mexicano.


 

 

FICHA TÉCNICA: Nombre: “Ensayo de un Crimen / La vida criminal de Archibaldo de la Cruz” (1955)
Director: Luis Buñuel
Guion: Luis Buñuel y Eduardo Ugarte, inspirada en la novela homónima de Rodolfo Usigli.
Reparto: Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma.
País: México
Género: Drama psicológico, Comedia Negra, Suspenso

 

 

DEATH TO SMOOCHY :”INTELIGENTE E IMPECABLE SÁTIRA AL MUNDO DE LA TV INFANTIL” - Por Paul Torres

Direccion: Danny DeVito

Pais: Estados Unidos

Año: 2002

Reparto: Edward Norton, Robin Williams, Catherine Keener, Jon Stewart, Danny DeVito

A Rainbow Rudolph (Robin Williams), un cómico para niños, lo despiden de su programa de televisión por su creciente alcoholismo y por aceptar sobornos de los padres para incluir a sus hijos en el programa. Lo sustituye Smoochy, un rinoceronte rojo interpretado por Sheldon Mopes (Edward Norton). Rudolph, llevado por el resentimiento, planea la muerte de su aburrido sustituto para recuperar su puesto. Mientras, Smoochy alcanza una gran popularidad entre los niños. (FILMAFFINITY)

Su director, Danny DeVito es un viejo conocido en todo el mundo por su larga trayectoria como cómico tanto en televisión (donde ya en los años 70 triunfó con la serie "Taxi") como en el cine. También es un respetado productor que con su compañía Jersey Films financió desde "Tiempos violentos" hasta "Erin Brockovich", pasando por "Generación X" y "En el nombre del juego". Aunque como director no ha podido consolidarse, pese a que en sus hombros tiene títulos interesantes tales como “Tira a mamá del tren”, “La guerra de los Roses” entre otros.

En tal sentido, es con “Maten a Smoochy” en donde vemos a un DeVito mucho más desenfrenado y directo, el cual nos regala una muy inteligente comedia la cual se mofa del mundo de los programas infantiles Yankees. Y es que en esta cinta el director no se anda con rodeos, todo parece muy alegre y dicharachero, pero tras su historia se esconde un sarcasmo aplastante. Duro y maligno con sus personajes, el realizador (que se guarda para sí mismo el papel del perverso representante de Smoochy) no duda en mezclar a sus dos ídolos infantiles protagonistas con gente de la más baja ralea (mafias, empresarios corruptos, heroinómanos reconvertidos en psicópatas, enanos de doble moral), integrándolos en ese submundo como si se tratara de la cosa más normal.

Smoochy es una película de celos y de venganzas. Los celos de Rainbow Randolph tras verse arrinconado y sustituido por el “Bonachon” de Smoochy. Dispuesto a cebarse en la figura de ese rinoceronte cantautor, recurrirá a las tretas más ruines e inimaginables para destronarlo. DeVito crea a un personaje (Raimbow) maligno, cual personaje de caricatura maltrecha que se deja llevar por el odio mas intimo que acumula en todo su ser. La otra cara de la moneda está conformada por Smoochy, un excelente Norton, un tipo bonachon, sano y vegetariano.

Death to Smoochy” si bien no ha tenido buenos logros con respecto a la taquilla ello no le quita lo inteligente y bien lograda comedia negra que trata de una forma acida los programas infantiles de televisión que abundan actualmente en nuestras pantallas, pero que muchas veces desconocemos el mundo que detrás de ellos se esconden.

“LA FELICIDAD DE LOS KATAKURI” DE TAKASHI MIIKE (2001) - Por Frank Binueza.

SINOPSIS

La familia Katakuri se prepara para la inauguración de su albergue de la montaña. La llegada de su primer huésped se vuelve una tragedia, cuando encuentran al visitante muerto dentro de la habitación al día siguiente. Ante los problemas que puede ocasionar la noticia del suicidio, la familia decide enterrarlo en la parte trasera de la casa fingiendo que nada ha pasado. Su segundo cliente, un gran luchador de sumo, fallece mientras se encuentra en la cama con su novia adolescente, quien también muere. Ante la poca fortuna de los Katakuri, poco a poco, el patio trasero de la familia se va llenando de inoportunos cadáveres…

COMENTARIOS: 

Basada libremente en la película surcoreana “The Quiet Family”de 1998, “La Felicidad de los Katakuri” es un surrealista musical con elementos de humor negro y comedia de terror, proveniente del controvertido director japonés Takashi Miike (“Visitor Q”, “Ichii the Killer”, “Audition”, entre otras). Con este precedente debemos de esperar que no sea un musical tradicional, haciendo gala del clásico humor absurdo japonés y un tratamiento irónico de las costumbres y estereotipos de ese país oriental.

La trama sigue las desventuras del clan Katakuri en su búsqueda de la “felicidad”, cuatro generaciones de una familia marcada por el fracaso; el patriarca Masao Katakuri, un ex vendedor de zapatos de una tienda departamental, cuyo gran sueño es abrir un hotel de montaña y tener junta a su familia; su esposa Terue, una comprensiva y optimista ama de casa; su padre Jinpei, un anciano obsesionado con su perro Pochi; los hijos adultos de la pareja, el ex convicto Masayuki y la enamoradiza madre soltera Shizue, completa el cuadro la hija de Shizue, la pequeña Yurie, que sirve como ocasional narradora de la historia.

El ambicioso proyecto incluye animación stop-motion, números musicales surrealistas, karaoke, burlas a los programas de variedades nipones, artes marciales y hasta un número musical con zombies cual “Thriller” de Michael Jackson. Aún con la aparente saturación de elementos de comedia, la película maneja una increíble sencillez y una meticulosa planificación de las escenas que hace que no existan fallas en su bien estructurado guion, además de hermosas locaciones con el Monte Fuji de fondo. Con todos estos elementos, no es de sorprenderse que el filme sea considera como el hijo japonés de “La Novicia Rebelde” y “Evil Dead”.

Al parecer a Takashi Miike, poco o nada le importó que sus actores pudieran cantar o bailar, sin embargo todos los números musicales poseen una gran dosis de simpatía y autenticidad, que los vuelven agradables a los sentidos, aun cuando tocan temas tan disparatados como la muerte, el amor, el asesinato e incluso los fideos. Contrario a los musicales occidentales, en esta película se integran perfectamente a la trama, bailando y cantando los diálogos de forma brillante y cómica.

Si bien el humor raya en lo escatológico en algunos momentos, y lo extenso de su metraje (casi 2 horas) quita un poco de fuerza a la historia, la película maneja de forma excelente el humor absurdo y es una delicia para los amantes del cine japonés moderno. En especial cabe resaltar el uso de stop-motion para la larga apertura del filme, con un pequeño demonio que poco o nada tiene que ver con la historia, pero que sirve como bizarro prólogo para la extraña historia.“La Felicidad de los Katakuri” es deliberadamente absurda y kistch, quizá la más excéntrica dentro de la filmografía de Miike, si esto es posible...

Título Original: “カタクリ家の幸福 Katakuri-ke no kōfuku”

País: Japón

Reparto: Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida, Kiyoshiro Imawano y Tetsuro Tamba

Géneros: Musical, Comedia Negra, Comedia de Terror.

MES DE ANIVERSARIO, CINE FILOSÓFICO: "UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA" DE ROY ANDERSSON (2014)

Direccion: Roy Andersson 

Año: 2014

País: Suecia

Reparto: Holger Andersson, Nils Westblom, Charlotta Larsson, Viktor Gyllenberg, Lotti Törnros, Jonas Gerholm, Ola Stensson.

Sinopsis.

Narra la vida de dos perdedores de entre 50 y 60 años, dos vendedores de artículos de broma que viven en una casa abandonada, y que tienen tres encuentros con la muerte. Cual Don Quijote y Sancho Panza del momento actual, Sam y Jonathan nos conducen por un recorrido caleidoscópico a través del destino del ser humano. (FILMAFFINITY)

“Una paloma se posó sobre una rama a reflexionar sobre la existencia” es la cinta que cierra con broche de oro la “Trilogía Viva” del sueco Roy Andersson que estuviera conformada por: “Canciones del Segúndo Piso” (2000), “La Comedia de la Vida” (2007) y “Una Paloma se posó sobre una rama para reflexionar sobre la existencia” (2014).

Describir el cine de Andersson es complicado, si bien este sueco se hizo un nombre gracias a sus trabajos en publicidad a través de los centenares de spot publicitarios que realizo, el cine no ha sido ajeno a él, pues grandes títulos como Giliap, En kärlekshistoria (Una historia de amor sueca) son prueba de ello.

Una publicación de VILLAGE VOICE lo denominó como “el Bergman del slapstick”, Y es verdad que la metafísica del alma y el sinsentido cómico forman una extraña alianza en sus filmes. Filma sus gestos y patetismos con el virtuosismo del absurdo que recorren los estáticos planos secuencia, a modo de viñetas, que se ofrecen como santo y seña de su trabajo.

En los trabajos del sueco podemos notar las referencias que hace y que a su vez toma de otros grandes autores tales como Otto Dix, Bureghel el viejo, Van Goh y sobretodo Goya.

A consideración personal, este film es la mejor de toda la trilogía. La cinta se mueve entre el humor absurdo y el patetismo humano, a través de planos amplios y estáticos que se proyectan como si formasen parte de las paredes de un museo. Algo que llama la atención y nos invita a pensar es ese extraño personaje, el papel que desempeña la paloma. En un entrevista en la cual se le pregunto lo siguiente: “En el cuadro Cazadores en la nieve, de Bruegel, los pájaros parecen estar preguntándose: ‘¿Qué hacen los humanos ahí abajo? ¿Por qué están tan ocupados?, el director respondio, Una paloma... es como la vista panorámica de los pájaros, que no solo reflexionan sobre la condición humana, sino que se preocupan por ella. Como yo”.

Pero bien, la paloma podemos inferir que es una metáfora acida y cruel de lo que somos y seremos. Una diminuta pieza en toda una especie de engranaje social. Un tema que no puede ser ajeno a ello, y que muchas veces los filósofos existencialistas tocaron, se relaciona con la muerte. Los encuentros que los personajes tienen con ella se traducen en la casualidad, la avaricia y la irrelevancia, tres estados que resumen el silencioso paso del ser humano por la existencia. Tras su fachada cómica, Una paloma…, así como sus hermanas, conforma una de las mayores declaraciones de la depresión crónica a la que los seres humanos se ven expuestos a causa de su intrascendencia.

Roy Andersson sin lugar a dudas se une a esa larga lista de directores, los cuales en sus trabajos nos dejan más preguntas que respuesta. Que de forma metafórica nos rompen la cabeza con argumentos e historias complejas que muchas veces por error llegamos a creer que son banales y que no merecen ser vistas.

RECOMENDACIONES CINEMATOGRÁFICAS DEL 2016: “WIENER-DOG” DE TODD SOLONDZ (2016) - Por Frank Binueza.

País: Estados Unidos.
Guión: Todd Solondz.
Reparto: Ellen Burstyn, Kieran Culkin, Julie Delpy, Danny DeVito, Greta Gerwig, Tracy Letts y Zosia Mamet.
Género: Comedia Negra, Drama.

El día a día de un grupo de personas cambia cuando una adorable perra salchicha entra en sus desordenadas y caóticas vidas. La perra conoce a Danny (Tracy Letts) y Dina (Julie Delpy), y su hijo Remi, un sobreviviente de cáncer; a la desaliñada asistente de veterinaria, Dawn Wiener (Greta Gerwig); a Dave (Danny DeVito), un guionista con su carrera estancada, y a Nana (Ellen Burstyn), una abuela amargada.

 

Tras 4 años desde su última película, “Wiener-Dog” generó muchas expectativas por el regreso de Todd Solondz, y su retorcida y crítica visión de la clase media estadounidense. La película presenta varias de los elementos clásicos de este polémico y aclamado director independiente, un gran reparto coral, historias entrecruzadas, humor negro, veladas críticas a la sociedad, secuencias que rayan en lo absurdo, hermosa fotografía y excelente musicalización.

 

Si bien la protagonista de la historia es la simpática perra salchicha, los humanos que conoce son los que sirven de medio para una crítica entre líneas a la sociedad norteamericana. Los padres sobreprotectores y a la vez irresponsables, el guionista estancado como maestro de cine sin futuro, una anciana que ve repetir en su nieta los mismo errores que cometió en su juventud, y el regreso de uno de los personajes más populares de la filmografía de Solondz, Dawn Wiener, la antiheroína de “Welcome to the Dollhouse” de 1995.

 

El mismo Todd Solondz declaró que “Wiener-Dog” es una especie de secuela o spin-off de la popular “Welcome to the Dollhouse”, ya que muestra a Dawn Wiener como una joven adulta, aunque sigue siendo la misma niña insegura de la película original, cumpliendo una labor muy importante en la vida de la perra. Cabe resaltar que en esa película el apodo de Dawn era precisamente “Wiener-Dog”.

 

Por desgracia aunque las expectativas eran bastante altas, el filme apenas cumple con el cometido, en especial comparado con otras obras más arriesgadas del realizador como “Happiness”, “Palindromes” y la misma “Welcome to the Dollhouse”, debido a lo flojo y poco coherente de su trama, que pierde un poco de fuerza a la mitad del metraje.

 

Aún con esto, resaltan varias escenas en el filme, como la onírica visión del personaje de Ellen Burstyn, sobre lo que pudo ser y no fue; la emotiva canción de cuna que el personaje de Greta Gerwig le canta a la perra salchicha cuando está enferma; la bizarra escena de la muestra de arte, y el surrealista intermedio con la canción “The Ballad of Wiener-Dog”, en el cual el perro protagonista camina en los más inesperados lugares, desde la pradera, el desierto hasta un bar de strip-tease.
“Wiener-Dog” no es una película para amantes de los animales, ni mucho menos para verla con toda la familia, es una crítica dura a los dueños de mascotas y a la sociedad en general, humor negro no digerible para mentes limitadas, una visión hostil de la humanidad y de lo que se considera “arte”.