“LA FELICIDAD DE LOS KATAKURI” DE TAKASHI MIIKE (2001) - Por Frank Binueza.

SINOPSIS

La familia Katakuri se prepara para la inauguración de su albergue de la montaña. La llegada de su primer huésped se vuelve una tragedia, cuando encuentran al visitante muerto dentro de la habitación al día siguiente. Ante los problemas que puede ocasionar la noticia del suicidio, la familia decide enterrarlo en la parte trasera de la casa fingiendo que nada ha pasado. Su segundo cliente, un gran luchador de sumo, fallece mientras se encuentra en la cama con su novia adolescente, quien también muere. Ante la poca fortuna de los Katakuri, poco a poco, el patio trasero de la familia se va llenando de inoportunos cadáveres…

COMENTARIOS: 

Basada libremente en la película surcoreana “The Quiet Family”de 1998, “La Felicidad de los Katakuri” es un surrealista musical con elementos de humor negro y comedia de terror, proveniente del controvertido director japonés Takashi Miike (“Visitor Q”, “Ichii the Killer”, “Audition”, entre otras). Con este precedente debemos de esperar que no sea un musical tradicional, haciendo gala del clásico humor absurdo japonés y un tratamiento irónico de las costumbres y estereotipos de ese país oriental.

La trama sigue las desventuras del clan Katakuri en su búsqueda de la “felicidad”, cuatro generaciones de una familia marcada por el fracaso; el patriarca Masao Katakuri, un ex vendedor de zapatos de una tienda departamental, cuyo gran sueño es abrir un hotel de montaña y tener junta a su familia; su esposa Terue, una comprensiva y optimista ama de casa; su padre Jinpei, un anciano obsesionado con su perro Pochi; los hijos adultos de la pareja, el ex convicto Masayuki y la enamoradiza madre soltera Shizue, completa el cuadro la hija de Shizue, la pequeña Yurie, que sirve como ocasional narradora de la historia.

El ambicioso proyecto incluye animación stop-motion, números musicales surrealistas, karaoke, burlas a los programas de variedades nipones, artes marciales y hasta un número musical con zombies cual “Thriller” de Michael Jackson. Aún con la aparente saturación de elementos de comedia, la película maneja una increíble sencillez y una meticulosa planificación de las escenas que hace que no existan fallas en su bien estructurado guion, además de hermosas locaciones con el Monte Fuji de fondo. Con todos estos elementos, no es de sorprenderse que el filme sea considera como el hijo japonés de “La Novicia Rebelde” y “Evil Dead”.

Al parecer a Takashi Miike, poco o nada le importó que sus actores pudieran cantar o bailar, sin embargo todos los números musicales poseen una gran dosis de simpatía y autenticidad, que los vuelven agradables a los sentidos, aun cuando tocan temas tan disparatados como la muerte, el amor, el asesinato e incluso los fideos. Contrario a los musicales occidentales, en esta película se integran perfectamente a la trama, bailando y cantando los diálogos de forma brillante y cómica.

Si bien el humor raya en lo escatológico en algunos momentos, y lo extenso de su metraje (casi 2 horas) quita un poco de fuerza a la historia, la película maneja de forma excelente el humor absurdo y es una delicia para los amantes del cine japonés moderno. En especial cabe resaltar el uso de stop-motion para la larga apertura del filme, con un pequeño demonio que poco o nada tiene que ver con la historia, pero que sirve como bizarro prólogo para la extraña historia.“La Felicidad de los Katakuri” es deliberadamente absurda y kistch, quizá la más excéntrica dentro de la filmografía de Miike, si esto es posible...

Título Original: “カタクリ家の幸福 Katakuri-ke no kōfuku”

País: Japón

Reparto: Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida, Kiyoshiro Imawano y Tetsuro Tamba

Géneros: Musical, Comedia Negra, Comedia de Terror.

MUSICALES NO TRADICIONALES: “8 FEMMES” DE FRANÇOIS OZON (2002) - Por Frank Binueza.

Nombre: “8 Femmes / 8 Mujeres”

País: Francia

Guión: François Ozon y Marina de Van, basado en la obra teatral homónima.

Reparto: Danielle Darrieux, Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Ludivine Sagnier, y Firmine Richard.

Género: Musical, Comedia Negra, Suspenso.

En una casa de campo de la campiña francesa, su dueño es asesinado. Las únicas presentes en la casa son ocho mujeres relacionadas con él, su esposa Gaby, sus hijas Suzon y Catherine, su histérica cuñada Augustine, su hermana Pierrette, su avara suegra Mamy, la criada Louise y el ama de llaves Madame Chanel, y una de ellas es la culpable. Desde ese momento, se inicia una larga y dura jornada de investigación, salpicada de discusiones, peleas y revelaciones, en la que se demuestra que todas guardan oscuros secretos que las convierten en sospechosas…

Basada en la obra teatral homónima del escritor y actor francés Robert Thomas, “8 Femmes” es una mezcla de musical, humor negro y cine de suspenso, un homenaje de Ozon a aclamados directores de la era dorada de Hollywood como George Cukor, Vincente Minelliy Alfred Hitchcock; a la vez manteniendo el aura teatral de la historia, y dando un merecido reconocimiento al papel de la mujer dentro de la historia del cine. Con un elenco lleno de grandes talentos de la escena francesa, y con una escenografía y vestuario exquisito, el director nos traslada al seno de una excéntrica familia, que guarda secretos resentimientos e insospechadas venganzas.

Temas como la codicia, el adulterio y la homosexualidad, tópicos recurrentes en la filmografía de François Ozon, son tocados de forma directa y sin tapujos, contrastando con la elegancia y sobriedad de la casa, ambientada en años 50’s que es cuando la historia toma lugar; dicha casa que sirve como prisión y mudo testigo de los acontecimientos, está llena de alegres colores y refinados muebles, y recrea con fidelidad la escenografía de la obra teatral. 

Cada una de las canciones sirven como medio para expresar el sentimiento o las acciones de cada una de lasmujeres: la rebeldía de Catherine, la ilusión del nuevo amor de Suzón, la sensualidad de Pierrette, la amargura de Agustine, la decepción de Channel, la explicación sobre la seducción de Louise, el desprecio hacia los hombres por parte de Gaby, y finalmente Mamy consolando a Catherine luego de la revelación final. Las canciones varían entre la inocencia y la lujuria, brindando momentos de leve frivolidad, entre cada revelación de las protagonistas.

Si bien la película es una delicia para el ojo cinéfilo, con todas las referencias a los clásicos musicales en technicolor de la época dorada de Hollywood, existen varios fallos argumentales, tramas inconclusas, y una leve sensación de falsedad en el desarrollo de los personajes, en especial en una por ratos desaprovechada Catherine Deneuve; sin embargo si se perdona esto es una película altamente disfrutable, en especial con la explicación final de los sucesos. Un vehículo de lucimiento de un fuerte grupo de mujeres, que apenas si necesita a un hombre (al que solo se le ve la espalda), para transmitirnos un variado conjunto de emociones y de belleza para todos los gustos. 

MUSICALES NO TRADICIONALES: “FINIAN’S RAINBOW” DE FRANCIS FORD COPPOLA (1968) - Por Frank Binueza.

Nombre: “Finian’s Rainbow / El Valle del Arcoiris”

País: Estados Unidos - Irlanda

Año: 1968

Guión: EY Harburg y Fred Saidy, basado en la obra teatral homónima.

Reparto: Fred Astaire, Petula Clark,Tommy Steele, Don Francks, Keenan Wynn y Barbara Hancock.

Género: Musical, Fantasía, Romance.

Un pícaro irlandés llamado Finian McLonergan (Fred Astaire), y su hermosa hija Sharon (Petula Clark), llegan un día a Rainbow Valley, una pequeña ciudad sureña de agricultores del tabaco en el mítico estado de Missitucky. Finian ha venido a Norteamérica, porque ha robado la olla de oro de un leprechaun y planea plantarlo en el suelo con la errónea idea de que “crecerá más rápido”, ya que se encuentra cerca de Fort Knox. Sin embargo los problemas persiguen a los McLonergan, ya que al llegar descubren que el codicioso y racista senador Billboard Rawkins (Keenan Wynn), trata de comprar el lugar a toda costa; además de que Og el Leprechaun (Tommy Steele), ha perseguido a Finian y trata de recuperar desesperadamente su oro…

Basada en la obra musical del mismo nombre, “Finian´s Rainbow” fue un proyecto que estuvo en desarrollo desde 1948, sin embargo su producción fue suspendida numerosas veces en parte a la caída de popularidad de los musicales de fantasía así como por el macartismo de la época, ya que tocaba temas sensibles como el racismo, el trabajo comunal y la xenofobia. Para 1966, la WarnesBros. había obtenido los derechos cinematográficos de la misma, con la intención de que el legendario Fred Astaire la protagonizara.“Finian’s Rainbow” sería la primer película importante de un novato Francis Ford Coppola, quien tenía en su haber un par de filmes personales y de terror de bajo presupuesto, y un par de guiones de moderado éxito. Además sería el debut en Hollywood de la cantante y actriz británica Petula Clark.

El rodaje fue caótico, por un lado los productores estaban algo nerviosos en dejar en manos de un casi novato “director hippie” un proyecto tan arriesgado, y por otro las pretensiones de Coppola de crear algo “demasiado real” asustaron al reparto y a los demás involucrados, se construyó un gigantesco set de 9 acres para ubicar “Rainbow Valley”, que incluía un línea de tren, escuela, tiendas, oficina de correos, casas y graneros, y pasó durante 5 semanas ensayando con el reparto antes de realizar el rodaje. La idea inicial de Coppola era filmar completamente al aire libre, pero esto chocó directamente con la vieja escuela a la que estaba acostumbrado Fred Astaire, quién no entendía los nuevos métodos de hacer cine, y se negó a bailar en "un campo real con estiércol de vaca y madrigueras de conejo". 

A pesar de que la secuencia inicial fue grabada en el valle de Napa, la mayor parte de la película se rodó en estudios de sonido de estudio y el set de rodaje, dejando el producto final con discrepantes contrastes entre la realidad y la ficción, a pesar de esto la película tiene fantásticos números musicales y escenas muy bien planificadas de un gran valor visual, destacan la escena de apertura en la que Fred Astaire y Petula Clark caminan por increíbles parajes naturales, y la escena de entrada del personaje de Don Francks, con una gran secuencia de un tren en movimiento.

En cuanto a los personajes, Fred Astaire deja de lado su traje y su sombrero de copa para interpretar al pícaro y adorable “Finian McLonergan”, no demasiado lejano a los personajes vivaces a los que estuvo acostumbrado a interpretar en la época dorada de Hollywood, incluyendo en sus clásicos pasos de baile de salón y claqué, pasos modernos de jazz y danza irlandesa.  La pareja romántica formada por Petula Clark y Don Francks, a ratos deja una sensación demasiado almibarada, viejo cliché del cine musical, aunque muy creíble en especial en las secuencias finales. 

El leprechaun interpretado por el insufrible Tommy Steele, aporta la fantasía y el descargo cómico a la historia, mientras que Barbara Hancockc omo “Susan the Silent” da una sensación fresca y un punto de contraste en el baile, a los clásicos pasos de Astaire. Quizá el personaje más interesante y controversial, es el políticamente incorrecto senador Rawkins, interpretado por el veterano Keenan Wynns, abiertamente racista y xenófobo, no esconde su aprecio por las “viejas costumbres del sur” y por títulos controversiales del cine como “El Nacimiento de una Nación” y “Lo que el Viento se Llevó”; el senador a la postre se convierte, literalmente por “arte de magia” en el personaje de mayor desarrollo en la película.

Durante su estreno, la película logro críticas mixtas, en especial por ser un musical atípico que mezcla canciones tradicionales irlandesas con influencias de góspel y R&B, y ser lanzado en una época en que las películas musicales se encontraban en franca decadencia; aun así recibió diversas nominaciones en los Globos de Oro y los Bafta, aunque perdió todas ante “Oliver!” de Carol Reed, y obtuvo una taquilla moderadamente exitosa. La experiencia agridulce del rodaje, hizo que Coppola odiara este filme, evitando hablar de ella por mucho tiempo. Con los años la película ha tenido una revaloración, en especial por la subtrama de crítica al racismo, en la pre-época de la Lucha de los Derechos Civiles. 

MUSICALES NO TRADICIONALES: “CARMEN JONES” DE OTTO PREMINGER (1954) - Por Frank Binueza.

País: Estados Unidos

Guión: Harry Kleiner, basado en un libreto teatral de Oscar Hammerstein II.

Reparto: Dorothy Dandridge, Harry Belafonte, Pearl Bailey, Olga James y Joe Adams.

Género: Musical, Romance

Carmen Jones (Dorothy Dandridge) es una seductora trabajadora de una fábrica de paracaídas del ejército, quién está encaprichada de Joe (Harry Belafonte), un ingenuo soldado que está enamorado de Cindy Lou (Olga James), su novia de toda la vida. Tras protagonizar una pelea con una compañera, Carmen es enviada a la cárcel, mientras que Joe es obligado a escoltarla hasta ahí. Durante el viaje Carmen seduce a Joe, atrapándolo en una peligrosa vorágine de pasión y manipulación…

Luego de ver en Broadway la obra teatral “Carmen Jones”, Otto Preminger la que tachó como:“una serie de escenas vagamente basadas en la ópera Carmen”, aún así ve el potencial en ella y decide llevarla a la gran pantalla, produciéndola él mismo. Para este propósito contrata a Harry Kleiner, antiguo profesor de la Universidad de Yale, quien combina la esencia de la obra original de Prosper Mérimée, “Carmen” de 1845; la ópera homónima de Georges Bizet de 1875, y la visión teatral de Oscar Hammerstein II. El resultado, una película musical con un elenco compuesto completamente por actores afroamericanos, con la acción corriendo en plena Segunda Guerra Mundial, con canciones de ópera adaptadas a la época y filmada con tecnología CinemaScope. En 1992, fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos, en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso  siendo considerada “cultural, histórica o estéticamente significativa”.

La clásica historia de lujuria y perdición se mantiene constante, la femme fatale de la historia, Carmen, exuda sensualidad en cada paso; sin embargo los nombres y lugares son actualizados, “José” el soldado español en la época napoleónica ahora es “Joe” un soldado estadounidense; Carmen, la gitana cigarrera se convierte en una fabricante de paracaídas;mientras que el torero es ahora un campeón de boxeo, y la acción culminante de la trama se traslada desde Sevilla a Chicago.

Dorothy Dandridge ofrece una agradable y provocativa interpretación de “Carmen”, resalta en cada escena y destila lujuria y fuerza, aun cuando inicialmente no estaba considerada para el papel por el director y por las propias inseguridades de la actriz. Por este papel Dorothy se convertiría en la primer mujer afroamericana en ser nominada a un Óscar como mejor actriz (anteriormente Hattie McDaniel había logrado la estatuilla como mejor actriz secundaria en “Lo que el Viento se Llevó” de 1939), aunque al final perdió frente a Grace Kelly por “La angustia de vivir”. Otto Preminger dio un voto de confianza a su elenco, ya que la mayoría poseía cortas carreras actorales, incluso Harry Belafonte mejor conocido como cantante de calypso, apenas tenía una película en su haber. 

Sin embargo debido al tono operístico de las canciones que ofrece el filme, todas fueron dobladas por cantantes con voces más adecuadas a los registros de ópera, aún cuando Dorothy Dandridge y Harry Belafonte eran reconocidos cantantes.Si bien las interpretaciones actorales son buenas, existen leves errores de doblaje de las canciones que les restan credibilidad, además muchas de las canciones no son congruentes con los estados de ánimo de los actores. 

Esta película puede considerarse como una especie de antecesora del “Blaxploitation” movimiento fílmico que se desarrollo en la época de los 70’s, al mostrar un completo elenco afroamericano, entre protagonistas y extras, en ningún momento aparece una persona caucásica, cuestión que irónicamente logró superar los estrictos cánones del Código Hayes de la época.

El trabajo de Preminger, demuestra un loable esfuerzo por mostrar el talento de los artistas afroamericanos, a los que siempre se les negaron las oportunidades en Hollywood. No es una película musical convencional, es una película dramática con música, en palabras de su director.