"Team America: World Police" de Trey Parker y Matt Stome (2004) - Por Rommel Vásquez Caro

TÍTULO ORIGINAL: Team America World Police

AÑO: 2004

DURACIÓN: 98 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Trey Parker, Matt Stone

GUIÓN: Trey Parker, Matt Stone, Pam Brady

MÚSICA: Harry Gregson-Williams

FOTOGRAFÍA: Bill Pope

REPARTO: Animation

PRODUCTORA: Paramount Pictures

Team America, una policía mundial encargada de mantener el orden y la estabilidad en el mundo, se entera de que un ambicioso dictador está repartiendo armas de destrucción masiva a los terroristas.

Trey Parker y Matt Stone son los creadores de South Park, la mejor serie de animación de todos los tiempos. Así que a estas alturas, poco o nada puedo decir a su favor, que ellos mismos no hayan demostrado ya. Para definirlos rápidamente, diré que son dos grandes genios del humor. Esta pareja, se meten con todo lo que se les ponga delante, la iglesia, el gobierno, los actores, temas actuales, cantantes, racismo, la sociedad, el terrorismo y un largo etcétera de asuntos, personas y lugares. Lo hacen de una forma directa, sin remilgos y sin miedo a posibles represalias, forma que nadie parece atreverse a igualar.

Por supuesto que esto ha hecho que les caigan demandas, sobre todo del colectivo de actores de Hollywood, pero ellos apechugan, y se acogen a la primera enmienda. Así qué ahí siguen, riéndose de todo y de todos. Con perdón de Los Simpson o Padre de Familia, que tiran la piedra y esconden la mano, para mí quedan totalmente barridas por South Park, su humor y su sarcasmo son inigualables. La serie arrancó en 1997 y debido a su éxito se ha comercializado mundialmente, aunque aquí llevamos un retraso considerable en la edición del DVD. En 1999 se hizo un largometraje, South Park: Bigger, Longer,Uncut, y les quedó muy bien. Pero consiguió que mucha gente se hiciera una opinión errónea, quedándose con un concepto totalmente equívoco de la serie, alegando que solo eran cuatro niños diciendo tacos, y South Park es mucho más que eso, pero no hablemos más de ella qué nos desviamos del tema.

Aunque no es su primera incursión en el cine, ya debutaron con Orgazmo, se puede decir que en 2004, fue a lo grande. Con un presupuesto de 30 millones de dólares se lanzaron de cabeza a la piscina con ésta divertida comedia, protagonizada únicamente por marionetas. La escala es de 60 cm, que representa una persona de 1,80.

La película parodia el cine de acción y las superproducciones hollywoodienses, en la que América siempre sale victoriosa. Su argumento arremete contra la conspiración gubernamental y el terrorismo islámico. Un guión que no resulta original, pero si su manera de enfocar las tópicas situaciones, desengaños amorosos, traición, crisis de identidad etcétera. Escrito por ellos mismos, con cierta modestia declaran, que es una mierda, pero a mí me hace descojonarme con todas y cada una de sus descabelladas situaciones. Los personajes son estereotipos del género que parodia, y los clichés se suceden cual producción de Hollywood con un cero en el cerebro del guionista. Pero creo que a todos os hará reír de principio a fin, con las reacciones y situaciones que sus personajes y el propio Team America nos brindarán.

WESTERN: SOMBREROS Y PISTOLAS: “Blazing Saddles / Sillas de Montar Calientes” de Mel Brooks (1974). – Por Frank Binueza

SINOPSIS.

1874, Viejo Oeste. El corrupto fiscal general del Estado, Hedley Lamarr (Harvey Korman) envía a un sheriff de color, Bart (Cleavon Little), al pequeño pueblo de Rock Ridge, con la intención de hacer abandonar a todos los habitantes y hacer pasar ahí el ferrocarril que sin duda le hará millonario. Sin embargo, con la ayuda de Jim “Waco Kid” (Gene Wilder), Bart conseguirá ganarse la confianza de sus nuevos conciudadanos y defenderá Ridge Rock cueste lo que cueste…

UNA COMEDIA POLÍTICAMENTE INCORRECTA…

“Blazing Saddles”, también conocida como “Locuras en el Oeste”, es una película que en estos dorados tiempos de lo “políticamente correcto”, sería imposible realizar un remake (gracias Dios), ya que explota hasta el punto del absurdo, el tema del racismo en la época del viejo oeste, tópico que siempre había sido ocultado o atenuado en los clásicos del western. La palabra “negro” es constantemente utilizada, mientras que los habitantes del oeste son descritos como unos palurdos, o como las sabias palabras del personaje de Gene Wilder: “Estas son las personas de la tierra. La arcilla común del nuevo Oeste. Ya sabes... imbéciles”

Y es que Mel Brooks que no era ajeno a la parodia y la crítica sarcástica, en esta cinta en la que parodia y ¿homenajea? al género western (que para los años 70’s se encontraba en plena decadencia), no dejó títere con cabeza, demostrando que se encontraba en la cumbre de sus alocadas capacidades creativas. En apariencia la película no tiene una narración coherente, los personajes son poco creíbles y la trama apenas es una débil excusa para una acumulación de gags ocurrentes y repetitivos, además de presentar una gran cantidad de anacronismos que dejan claro el carácter audaz y provocativo de la obra.

A pesar de lo incoherente que pueda resultar la película, en última instancia Mel Brooks hace una interesante reflexión sobre la historia estadounidense, mientras critica y satiriza el racismo intrínseco y omnipresente tanto en el Lejano Oeste, como en los años 70’s y que por desgracia aún es latente en la actualidad.

ANACRONISMOS Y METAFICCIÓN

Un “anacronismo” es un elemento que cronológicamente no pertenece a una época en la cual ha sido presentado. Los anacronismos presentados por Mel Brooks en su película no hacen más que resaltar el carácter cómico de la puesta en escena, desde una Big Band en medio del desierto, hasta unos soldados alemanes de la Segunda Guerra Mundial, son elementos que solo sirven para remarcar la idea de comedia absurda de Brooks.

Aunque los títulos de apertura, con la increíble canción “Blazing Saddles” interpretada por Frankie Laine, hacen parecer que es un clásico western, el comportamiento de los personajes, los constantes chistes racistas sobre personas de color, asiáticos, caucásicos, mexicanos y judíos, e incluso la presencia de árabes y miembros del Ku Klux Klan, la habilidades imposibles de “Waco Kid” (un muy correcto Gene Wilder), y la constante ruptura de la cuarta pared por parte del protagonista Bart (un carismático Cleavon Little), nos remarca sin tapujos el estilo característico del director. El chiste repetitivo en que se llamaba al corrupto fiscal “Heddy Lamarr”, no cayó en gracia a la veterana actriz, quien interpuso una demanda que fue arreglada fuera de los juzgados. Como es costumbre, Mel Brooks aparece en pequeños papeles, como el torpe gobernador William J. Le Petomane y también como un Jefe Indio.

Otro punto memorable de la película es el uso de la “metaficción”, es decir el tratamiento de que los mismos personajes saben que están dentro de una película, llega al punto de los ridículo y absurdo con las secuencias finales, convirtiéndose en un clásico para la historia del cine.

A pesar la controversia a la hora de su lanzamiento, por “fomentar” el racismo, acusaciones de crueldad animal, demandas y las reservas e intromisiones de la productora, la película fue un éxito en taquilla, aunque dividió a la crítica especializada. A pesar de esto, obtuvo 3 nominaciones a los premios de la Academia en 1974, Mejor Actriz de Reparto (Madeline Kahn), Mejor Edición de Cine y Mejor Canción Original (la canción del título). En 2006, “Blazing Saddles” fue considerada “cultural, histórica, o estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso y fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine.

FICHA TÉCNICA:

Película: “Blazing Saddles / Sillas de Montar Calientes” (1974)

Director: Mel Brooks

Guion: Mel Brooks, Norman Steinberg, Andrew Bergman, Richard Pryor, Alan Uger, basado en una historia de Andrew Bergman.

Reparto: Gene Wilder, Cleavon Little, Slim Pickens, Madeline Kahn, David Huddleston, Claude Ennis Starrett Jr., Lian Dumm, Harvey Korman, Mel Brooks.

Género: Western, Comedia, Parodia.

ESPECIAL DE DIRECTORAS: “Sedmikrásky / Daisies” de Věra Chytilová (1966) - Por Frank Binueza

SINOPSIS

Mientras toman el sol en bikini, dos jóvenes chicas concluyen, que si en el mundo todo está mal, ellas serán malas también, en consecuencia, se embarcan en una serie de bromas destructivas en las que consumen y destruyen el mundo que las rodea. Una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuáles las dos protagonistas juegan a ser “malas” con su entorno. Engañan a hombres maduros para comer gratuitamente, escriben y dibujan en las paredes de su casa, improvisan un baile en un cabaret para boicotear el número que está en escena, y engullen y despedazan los manjares de un banquete preparado para otros… 

ESTANDARTE DE LA NUEVA OLA CHECOSLOVACA

Conocida en español como “Las Margaritas”, esta película es la obra maestra de la directora checoslovaca Věra Chytilová, siendo considerada como una de las películas más importantes dentro del movimiento de la Nueva Ola Checoslovaca (Nová Vina), y del cine surrealista y experimental moderno en general. El filme es un lúcido viaje surrealista en un paraíso estético, y una utopía en donde las mujeres se liberan de las convenciones conservadoras de la época.

El movimiento de la  Nueva Ola Checoslovaca de los años 60, tenía como objetivo “hacer que el pueblo checoslovaco conociera colectivamente que eran participantes de un sistema de opresión e incompetencia que los había brutalizado a todos”, y fue desarrollado durante un breve período de liberalismo artístico siguiendo la homogeneidad del régimen comunista del país y antes de la invasión soviética de 1968, que prohibió el movimiento por “representar lo descarnado”. En “Sedmikrásky / Daisies” vemos una brillante muestra de disidencia, frente al tradicionalismo político y una fuente interminable de inspiración de la moda, que trasciende fronteras y límites temporales.

ARTE Y CENSURA.

Las protagonistas, denominadas “Marie I” y “Marie II” (aunque durante toda la película en medio de su retorcido juego los cambian a capricho), son dos jóvenes hermosas que rompen los convencionalismos que se esperan de ellas. Aunque son muy femeninas, y usan vestidos cortos y a la moda, parodian los estereotipos femeninos de la época, mientras consumen vorazmente tanta comida como pueden, destrozan tabúes de la sexualidad, mientras manipulan y mienten a diestra y siniestra. Ya que su mayor pecado es la gula, grandes cantidades fueron usadas en la película, razón por la cual el gobierno soviético la prohibió.

Věra Chytilová utiliza todos los medios visuales y artísticos necesarios para dar a entender el sentido de vanguardia de su obra, desde el uso de diversos filtros de luz (amarillo, azul, blanco y negro) para diversas escenas, la completa falta de linealidad narrativa, las alegorías bíblicas (como la salida del Jardín del Edén), un inacabable desfile de vestidos y caprichosos accesorios, como sombreros hechos de desechos metálicos, y coronas de flores (populares ahora por Snapchat); e incluso el uso de crípticos collages visuales y auditivos, todos elementos que acompañaron la irreverente y transgresora obra de la directora. 

La transgresión es una constante a lo largo de todo el metraje, incluso desde los créditos iniciales que vienen acompañados con grabaciones de bombardeos en diversos lugares del mundo, hasta la escena final, que viene acompañada con una sarcástica dedicatoria: “Esta película está dedicada a aquellos que se molestan sólo por un poco de lechugas picadas”, recordando al pueblo checoslovaco que en vez de gastar el tiempo preocupándose por las transgresiones sociales de los artistas, deberían estar protestando contra el autoritarismo comunista. Si bien es posible que no tengamos que soportar la misma opresión de la Checoslovaquia de los años 60, el mensaje de “Sedmikrásky / Daisies” sigue siendo importante en los tiempos modernos, en especial el elegir bien nuestras batallas, concentrarnos en las cosas que importan y rehusar conceder a convenciones arbitrarias.

FICHA TÉCNICA.

País: Checoslovaquia.

Guión: Věra Chytilová, Ester Krumbachová.

Reparto: Jitka Cerhová,  Ivana Karbanová,  Marie Cesková,  Julius Albert,  Jan Klusák.

Género: Comedia negra, Surrealismo, Cine experimental, Comedia absurda, Nueva Ola Checoslovaca.

MES DE ANIVERSARIO, CINE FILOSÓFICO: "UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA" DE ROY ANDERSSON (2014)

Direccion: Roy Andersson 

Año: 2014

País: Suecia

Reparto: Holger Andersson, Nils Westblom, Charlotta Larsson, Viktor Gyllenberg, Lotti Törnros, Jonas Gerholm, Ola Stensson.

Sinopsis.

Narra la vida de dos perdedores de entre 50 y 60 años, dos vendedores de artículos de broma que viven en una casa abandonada, y que tienen tres encuentros con la muerte. Cual Don Quijote y Sancho Panza del momento actual, Sam y Jonathan nos conducen por un recorrido caleidoscópico a través del destino del ser humano. (FILMAFFINITY)

“Una paloma se posó sobre una rama a reflexionar sobre la existencia” es la cinta que cierra con broche de oro la “Trilogía Viva” del sueco Roy Andersson que estuviera conformada por: “Canciones del Segúndo Piso” (2000), “La Comedia de la Vida” (2007) y “Una Paloma se posó sobre una rama para reflexionar sobre la existencia” (2014).

Describir el cine de Andersson es complicado, si bien este sueco se hizo un nombre gracias a sus trabajos en publicidad a través de los centenares de spot publicitarios que realizo, el cine no ha sido ajeno a él, pues grandes títulos como Giliap, En kärlekshistoria (Una historia de amor sueca) son prueba de ello.

Una publicación de VILLAGE VOICE lo denominó como “el Bergman del slapstick”, Y es verdad que la metafísica del alma y el sinsentido cómico forman una extraña alianza en sus filmes. Filma sus gestos y patetismos con el virtuosismo del absurdo que recorren los estáticos planos secuencia, a modo de viñetas, que se ofrecen como santo y seña de su trabajo.

En los trabajos del sueco podemos notar las referencias que hace y que a su vez toma de otros grandes autores tales como Otto Dix, Bureghel el viejo, Van Goh y sobretodo Goya.

A consideración personal, este film es la mejor de toda la trilogía. La cinta se mueve entre el humor absurdo y el patetismo humano, a través de planos amplios y estáticos que se proyectan como si formasen parte de las paredes de un museo. Algo que llama la atención y nos invita a pensar es ese extraño personaje, el papel que desempeña la paloma. En un entrevista en la cual se le pregunto lo siguiente: “En el cuadro Cazadores en la nieve, de Bruegel, los pájaros parecen estar preguntándose: ‘¿Qué hacen los humanos ahí abajo? ¿Por qué están tan ocupados?, el director respondio, Una paloma... es como la vista panorámica de los pájaros, que no solo reflexionan sobre la condición humana, sino que se preocupan por ella. Como yo”.

Pero bien, la paloma podemos inferir que es una metáfora acida y cruel de lo que somos y seremos. Una diminuta pieza en toda una especie de engranaje social. Un tema que no puede ser ajeno a ello, y que muchas veces los filósofos existencialistas tocaron, se relaciona con la muerte. Los encuentros que los personajes tienen con ella se traducen en la casualidad, la avaricia y la irrelevancia, tres estados que resumen el silencioso paso del ser humano por la existencia. Tras su fachada cómica, Una paloma…, así como sus hermanas, conforma una de las mayores declaraciones de la depresión crónica a la que los seres humanos se ven expuestos a causa de su intrascendencia.

Roy Andersson sin lugar a dudas se une a esa larga lista de directores, los cuales en sus trabajos nos dejan más preguntas que respuesta. Que de forma metafórica nos rompen la cabeza con argumentos e historias complejas que muchas veces por error llegamos a creer que son banales y que no merecen ser vistas.