DIRECTORES ASIÁTICOS CONTEMPORÁNEOS PARTE 3: INDIA Y SUDESTE ASIÁTICO. - Por Frank Binueza

Quizá uno de los mercados más grandes en Asia, es India, con una industria cinematográfica que data desde los años 30's, no es hasta recientemente que su éxito se ha disparado en un país con una gran densidad poblacional. Además otros países del sudeste asiático como Malasia, Indonesia, Tailandia y Sri Lanza, han visto reforzada sus industrias, con la irrupción de visionarios cineastas independientes que han hecho que sus países sean reconocidos a nivel internacional. En esta tercera entrega en la serie de artículos sobre directores asiáticos, les traemos una pequeña lista sobre interesantes directores de esa zona.

Shekhar Kapur (6 de diciembre de 1945, Lahore, Pakistán) – País de Residencia: India.

Director de cine, actor y productor indio conocido por sus obras en el cine hindi y parte de la familia Anand, uno de los clanes más importantes dentro de la industria de Bollywood. Kapur se hizo conocido en Bollywood con su papel recurrente en una serie de televisión a mediados de los años 80, y su debut como director fue con la película de culto de Bollywood, “Masoom” (1984), basada en la novela de 1980 “Man, Woman and Child” de Segal.

Con estudios realizados en la Escuela Moderna de Nueva Delhi, India, y en la Escuela Doon, captó el reconocimiento internacional con su película “Bandit Queen” (1994), basada en la vida del infame bandido indio y político Phoolan Devi, y estrenada en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Con la atención recibida por esta película, llegó su gran oportunidad en Hollywood, al dirigir “Elizabeth” (1998), que ganó el Oscar como Mejor Película, un relato ficticio del reinado de la reina británica Elizabeth I, con Cate Blanchett como protagonista. Su secuela de 2007, “Elizabeth: The Golden Age” (2007), recibió muchas nominaciones y premios. Fue acusado de ser anti-británico por los tabloides británicos por su interpretación del Ejército británico y el Imperio en la película de 2002, “The Four Feathers / Las Cuatro Plumas”, que a la postre también sería un fracaso entre la crítica y el público, sin embargo, Kapur negó ser anti-británico y declaró que él era simplemente “anti-colonización”.

Catte Blanchett en “Elizabeth: The Golden Age” (2007)

Tras un estancamiento con películas ampliamente criticadas, entre sus futuros proyectos se hablan de una biografía sobre Bruce Lee, otra sobre Buda, una serie de televisión sobre Cleopatra y una tercera parte de la saga de la Reina Elizabeth, presuntamente denominada “Elizabeth: The Dark Age / Elizabeth: La Edad Oscura”, aunque varios de estos planes se encuentran en preparación desde hace años, durante los cuales Shekhar Kapur se ha dedicado a la producción de películas de otros directores a través de su propia compañía, anfitrión de televisión, juez en el programa “India Got Talent” e incluso prestando su voz para una audio libro sobre Mahatma Gandhi. 

Mira Nair (15 de octubre de 1957, Rourkela, India) – País de Residencia: Estados Unidos

Cineasta indo-estadounidense, afincada en Nueva York, su compañía de producción, Mirabai Films, se especializa en películas para audiencias internacionales sobre la sociedad india, ya sea en el ámbito económico, social o cultural. Entre sus películas más conocidas se encuentran “Mississippi Masala” (1991), un drama romántico ubicado en el Mississippi rural que cuenta la relación entre un hombre afroamericano y una refugiada hindi ugandesa, protagonizada por Denzel Washington y Sarita Choudhury, “The Namesake” (2008), basada en la novela homónima de Jhumpa Lahiri; la ganadora del León de Oro del Festival de Cine de Berlín, “Monsoon Wedding / La Boda del Monsón” (2001), y “Salaam Bombay!” (1988), sobre la vida de los niños de la calle de India, y nominada en los Premios de la Academia, en la categoría “Mejor Película en Lengua Extranjera”.

Denzel Washington y Sarita Choudhury en “Mississippi Masala” (1991)

Tras conocer al director de fotografía Mitch Eppstein, se trasladó a Estados Unidos, en donde inició su propia compañía de producción. Actualmente se vive en Nueva York, en donde es profesora adjunta en la División de Cine de la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia. Otra de sus grandes facetas es el activismo, y fundó en Kampala, Uganda, un laboratorio anual de cineastas en donde se entrena a jóvenes directores de África Oriental. Entre sus últimos trabajos destacan “The Reluctant Fundamentalist” (2012), basada en la novela best-seller de Mohsin Hamid, que fue presentada en el Festival de Cine de Venecia 2012 con aclamación de la crítica; y con la producción de Walt Disney Pictures, dirigió “Queen of Katwe” (2016), protagonizada por Lupita Nyong'o y David Oyelowo, una película basada en la vida del prodigio del ajedrez de Uganda, Phiona Mutesi.

Adoor Gopalakrishnan (3 de julio de 1941, Adoor, India) – País de Residencia: India

Director, guionista y productor de cine, Adoor Gopalakrishnan tuvo un papel importante en la revolución del cine Malayalam durante la década de 1970, y es considerado como uno de los cineastas más notables de la India. La primera película de Adoor, “Swayamvaram / One’s Own Choice” (1972) fue pionera en el movimiento de la nueva ola en Kerala o Cine Malayalam junto con “Olavum Theeravum” (1970) y “Athidhi” (1974). La mayor parte de sus películas participan en festivales internacionales y son estrenadas en Kerala, considerada la cuarta industria cinematográfica más grande de India, reconocida por su cinematografía y tramas reales realistas.

“Swayamvaram / One’s Own Choice” (1972)

Las películas que siguieron fueron “Kodiyettam / Ascent” (1977), “Elippathayam / Rat-Trap” (1981), “Mukhamukham / Face to Face” (1984), “Anantaram / Monologue” (1987), “Mathilukal / The Walls” (1990), “Vidheyan / The Servile” (1993) y “Kathapurushan / The Man of the Story” (1995),  vivieron a la altura de la reputación de su primera película y fueron bien recibidas por los críticos en varios festivales de cine y le trajeron muchos premios, aunque sus últimos trabajos fueron controversiales debido a sus posturas políticas. Fue responsable de introducir una nueva cultura del cine en Kerala, con la constitución de la primera sociedad del cine en Kerala, la “sociedad del cine de Chitralekha”, que desembocó en una gran oleada de directores de “Cine de Arte”. 

Deepa Mehta (15 de septiembre de 1950, Amritsar, India) – País de Residencia: Canadá

Deepa Mehta (Amritsar, Punjab, India, 15 de septiembre de 1950), es una directora y guionista de cine indo-canadiense, mejor conocida por su “Trilogía de Elementos”: “Fire /Fuego” (1996), “Earth: 1947 / Tierra” (1998) y “Water / Agua” (2005), en donde explora el papel de la mujer dentro de la represiva sociedad india, y frente a la milenaria y retrógrada tradición, “Earth: 1947” fue elegida por India como su entrada oficial para las nominaciones para el premio a la Mejor Película de Lengua Extranjera, mientras que “Water” fue la entrada oficial de Canadá para la misma categoría en sus respectivos años.

“Fire /Fuego” (1996)

Iniciándose como guionista de películas infantiles y documentales, tras casarse con el documentalista canadiense Paul Saltzman migraría de India a Canadá, en donde empezó a dirigir sus propios documentales. En 1991, su largometraje debut “Sam and Me”, una historia sobre la relación entre un joven indio y un anciano judío en un barrio de Toronto, ganó la Mención de Honor en la categoría “Camera d'Or” del Festival de Cannes de 1991. En 1994 dirigió “Camilla”, protagonizada por Jessica Tandy y Jane Fonda, que recibió críticas mixtas. Con “Bollywood / Hollywood” (2002), se aleja un poco de su estilo al presentar una parodia de las producciones de Bollywood, que sin embargo tuvo muy buena acogida dentro del público y la crítica de India. Sus últimos trabajos han recibidos diversas críticas en especial por abandonar su estilo característico, aunque mantiene su crítica a la sociedad india, en “Midnight's Children” (2012), revisa las consecuencias de la independencia y posterior división de India en los años 40’s; en “Beeba Boys” (2015), se adentra en el mundo de las pandillas de la India, mientras que en “Anatomy of Violence” (2016), explora las causas que llevaron al fenómeno de violaciones realizadas por pandillas en Delhi, que incluyen la rigidez del sistema de castas de la India, la pobreza y los valores sociales que reproducen y apoyan la misoginia.

Apichatpong Weerasethakul (16 de julio de 1970, Bangkok, Tailandia) – País de Residencia: Tailandia.

Apichatpong “Joe” Weerasethakul es un guionista, productor y director de cine independiente tailandés. Sus largometrajes incluyen “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives / El Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas”, ganadora del prestigioso premio Palme de Oro 2010 del Festival de Cine de Cannes; “Tropical Malady” (2004), ganadora de un premio del jurado en el Festival de Cine de Cannes 2004; “Blissfully Yours” (2002), que ganó el premio máximo en la sección “Un Certain Regard” en el Festival de Cine de Cannes 2002; “Syndromes and a Century” (2006), estrenada en el Festival de Cine de Venecia siendo la primera película tailandesa en participar en dicha competición; y “Cemetery of Splendour / El Cementerio de Esplendor” (2015), estrenada en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cine de Cannes en el año 2015, que recibió la aclamación general de la crítica. 

“Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives / El Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas” (2010)

Trabajando fuera de los límites estrictos del sistema de estudio de cine tailandés, Weerasethakul ha dirigido varios largometrajes y decenas de cortometrajes. Los temas reflejados en sus películas son los sueños, la naturaleza, la sexualidad (incluida su propia homosexualidad) y las percepciones occidentales sobre Tailandia y Asia en general, además muestra una marcada preferencia por las estructuras narrativas no convencionales (como colocar títulos o créditos en el centro de una película) y por trabajar en muchos casos con no actores. Los cinéfilos se refieren afectuosamente a él como “Joe” (un apodo que él, como muchos con nombres tailandeses igualmente largos, ha adoptado por conveniencia). Aunque es uno de los directores tailandeses de mayor trascendencia internacional, su labor no ha escapado a la rigurosa censura de su propio país, en donde sus películas han recibido cortes por mostrar “situaciones indecorosas”, en especial con “Syndromes and a Century” y “Tropical Malady”.

Prachya Pinkaew (2 de septiembre de 1962, Pak Chong District, Tailandia) – País de Residencia: Tailandia.

Productor, guionista y director de cine, más reconocido por  “Ong-Bak: Muay Thai Warrior” (2003) y “Tom-Yum-Goong (2010), ambas películas de artes marciales protagonizadas por Tony Jaa. Graduado de Nakhon Ratchasima Technology College en 1985, en la carrera de arquitectura, comenzó su carrera en 1990, trabajando como director de arte y más tarde como director creativo de entretenimiento Packshot, una empresa de publicidad, y posteriormente se hizo un nombre como director de videos musicales. Sus inicios en el cine incluyeron películas como “Magic Shoes” (1992) y  el thriller romántico “Dark Side Romance” (1995). Sin embargo para 1998, Prachya se concentró en la producción de película de diversos géneros como  la película de vampiros “Body Jumper” (2001), la comedia de acción “Heaven's Seven” (2002), la película de terror “999-9999” (2002), el musical “Hoedown Showdown” (2002), la comedia sexual “Sayew” (2003) y el drama “Fake” (2003).  

En 2003 tomó la silla del director de “Ong-Bak: Muay Thai Warrior”, protagonizada por Tony Jaa, que se convirtió en una sensación en todo el mundo y fue la película más taquillera de Tailandia del año. Otros proyectos incluyen “Chocolat” (2008), sobre una chica autista experta en artes marciales y en busca de venganza, “Tom-Yum-Goong (2010), otra película de artes marciales nuevamente protagonizada por Tony Jaa, y como productor de las secuelas de la saga de “Ong-Bak”. Desde 2007 es presidente de la Asociación de Directores de Cine de Tailandia, estando muy activo en el cabildeo contra el proyecto de ley con un restrictivo sistema de clasificación para las películas. El sistema reemplazará el Código de Censura de 1930, pero que conservan la capacidad de la Junta de Censores de recortar o prohibir películas.

Prasanna Vithanage (14 de marzo de 1962, Panadura, Sri Lanka) – País de Residencia: Sri Lanka.

Productor de cine y teatro, y director de cine de Sri Lanka, su trabajo ha tenido gran trascendencia internacional, además de obtener diversos premios y éxito comercial. Luego de una importante carrera en el teatro, decidió dar el paso al séptimo arte, con su película debut “Sisila Gini Gani / Ice of Fire” (1992), reconocida como una de las más importantes de su país. Con sus películas “Anantha Rathriya” (1996) y “Purahanda Kaluwara” (1997), logró el reconocimiento internacional, siendo galardonado por esta última en el Festival de Cine de Singapur de 1997.

“Purahanda Kaluwara” (1997)

Su película “Purahanda Kaluwara” (1997), inicialmente prohibida por el Ministerio del Interior de Sri Lanza, fue lanzada un año después convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del país. En el año 2015 estrenó el documental “Usawiya Nihandai / Silence in the Courts” una investigación que narra los escandalosos sucesos ocurridos, después de que la esposa de un sospechoso de robo fuera violada por el magistrado que llevaba el caso caso, y la labor de un editor de un periódico exponiendo la situación, que repercutió en una prolongada batalla legal que se convirtió en un inicio de juicio político,  que finalmente terminó con la libertad del acusado por intervención del partido de gobierno mientras se negaba justicia a la víctima. A pesar de ser galardonada en un festival de cine en Rusia, el documental fue prohibido por las autoridades de Colombo, aunque Prasanna ganó un juicio que le permitió proyectar su trabajo.

Tan Chui Mui (9 de octubre de 1978,  Kuantan, Malasia) – País de Residencia: Indonesia.

Cineasta malaya de ascendencia taiwanesa, Tan Chui Mui se graduó de la Licenciatura en Multimedia en Cine y Animación en 2002 de la Multimedia University de Malasia. A menudo es descrita como una de las más vanguardistas dentro de la nueva ola de cineastas malayos, en especial por su tratamiento de temas sociales. En 2007, recibió el Premio Tiger del Festival Internacional de Cine Rotterdam con su largometraje “Love Conquers All” (2006), película que previamente había sido elogiada en el Festival de Cine de Busán, Corea del Sur, uno de los festivales de cine asiático más importantes.

“Year Without A Summer” (2010)

En 2010, su película “Year Without A Summer” fue seleccionada por el Asian Cinema Fund, recibiendo la financiación para el guión y post-producción. Además es una prolífica directora de cortometrajes, que han sido galardonados en diferentes festivales de cine. En 2008, inició el proyecto de hacer un cortometraje cada mes, con 7 ya hechos decidió juntarlos en un solo trabajo llamado “All My Failed Attempts”. Activa en la escena independiente de Malasia, ha trabajado como productora, redactora, guionista y ocasionalmente actriz. En 2004, creó “Da Huang Pictures” con los directores Amir Muhammad, James Lee y Liew Seng Tat.

Joko Anwar (3 de enero de 1976, Medan, Indonesia) – País de Residencia: Indonesia.

Nacido en Medan, en la zona pobre de la isla de Sumatra, Joko Anwar creció viendo películas de kung fu y de terror. Durante su juventud escribió y dirigió obras teatrales estudiantiles, e ingresó al prestigioso Institut Teknologi Bandung para estudiar ingeniería aeroespacial porque su familia no podía permitirse el lujo de enviarlo a una escuela de cine. Después de graduarse en 1999, se convirtió en periodista en The Jakarta Post y más tarde en crítico de cine. Tras conocer a la polémica directora Nia Dinata, quien le encargó el guión de la película “Arisan!” (2003), un éxito de la crítica y entre el público, inició su carrera con la comedia romántica “Janji Joni / Joni's Promise” (2005), cuyo guion había escrito en la universidad, y que se convirtió en un éxito de taquilla, que también fue presentada en el Festival de Cine de Sydney y el Festival Internacional de Cine de Busan, donde obtuvo la aclamación de la crítica.

"Kala" (2007)

En 2007, Joko Anwar escribió y dirigió “Kala”, el primer largometraje indonesio de cine negro, que obtuvo excelentes críticas, incluso ganando el Premio del Jurado en el Festival de Cine Asiático de Nueva York. Además ha fungido como guionista de películas exitosas como la comedia sexual “Quickie Express” (2007) y el thriller “Jakarta Undercover” (2007). Con sus últimas películas el thriller psicológico “Forbidden Door” (2009), y el drama sexual “A Copy of My Mind” (2015), ha vuelto al radar internacional.

Trần Anh Hùng (23 de diciembre de 1962, Đà Nẵng, Vietnam) – País de Residencia: Francia.

Nacido en Vietnam, y criado en Francia, Trần ha estado a la vanguardia de la ola de cine vietnamita en el extranjero en las últimas dos décadas. Sus películas han recibido fama internacional y aclamación, y sus primeros trabajos fueron variadas meditaciones sobre la vida en su país natal, Vietnam. Su película debut, “El Olor de la Papaya Verde” (1993), filme que muestra la situación de la mujer en el Vietnam de mitad de siglo XX, así como también la lucha de una niña del campo por sobrevivir a los atropellos de uno de los hijos de la patrona, fue ganadora de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes de 1993, y nominada al Premio de la Academia como Mejor Película en Idioma Extranjero en 1993. Uno de los puntos más interesantes de la película es que presenta varias secuencias ubicadas en la selva vietnamita a pesar de que toda la película fue grabada en un estudio francés.

“El Olor de la Papaya Verde” (1993)

“El Olor de la Papaya Verde”, fue el inicio de la llamada “Trilogía de Vietnam” de Trần Anh Hùng, que completaron “Cyclo” (1995), protagonizada por la estrella taiwanesa Tony Leung, y ganadora del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia; y “The Vertical Ray of the Sun” (2000), un drama familiar ubicado en Hanoi. Las películas de Trần están hechas para reconstruir la imagen de Vietnam que él ha perdido al emigrar en Francia, y para proporcionar a la audiencia otro punto de vista sobre Vietnam, fuera de los convencionalismos del cine francés y estadounidense. Las historias se basan en el conocimiento de Trần sobre la lengua y la cultura vietnamitas, y en su experiencia de primera mano, adquirida en los viajes al país. 

Directores Destacados

Karan Johar (India25 de mayo de 1972, Bombay, India)

Director de cine, guionista, productor, diseñador de vestuario, actor y personalidad de televisión, es hijo del productor del cine Yash Johar, y entre sus películas se encuentran algunas de las más taquilleras de Bollywood, además es el presentador del programa de entrevistas “Koffee With Karan”. A pesar de iniciar con cintas tradicionales con mezcla de romance y enredos, poco a poco su estilo se ha enfocado a historias dramáticas con gran impacto internacional, entre las que destaca “My Name is Khan” (2010), un estandarte en la lucha contra la discriminación.

Filmografía destacada: “Kuch Kuch Hota Hai” (1998), “Kabhi Khushi Kabhie Gham” (2001), “Kabhi Alvida Naa Kehna” (2006), “My Name is Khan” (2010), “Student of the Year” (2012), “Bombay Talkies” (2013), “Ae Dil Hai Mushkil” (2016).

  

Liew Seng Tat (30 de septiembre de 1979, Jinjang, Kuala Lumpur, Malasia)

Graduado en la Multimedia University en Cyberjaya, con especialización en animación 3D, es reconocido como uno de los directores más vanguardistas de Malasia. Con una gran cantidad de cortometrajes realizadas, su largometraje debut “Flower In The Pocket” (2007), captó la atención de la crítica y participó en una gran cantidad de festivales tanto en Asia como en Europa, siendo galardonado en el Festival de Cine de Rotterdam y en el Festival de Cine de Pusan.

Filmografía destacada: “Bread Skin With Strawberry Jam (2003, Cortometraje), “Tudung” (2005, Cortometraje), “Daughters” (2006, Cortometraje), “Matahari” (2006, Cortometraje), “Flower In The Pocket” (2007), “Men Who Save the World” (2014).

Tony Bui (14 de septiembre de 1973, Ho Chi Minh, Vietnam)

Es un director de cine independiente vietnamita afincado en los Estados Unidos, es más famoso por su película de 1999, “Three Seasons”, que debutó en el Festival de Cine de Sundance, donde se convirtió en la única película que ganó tanto el Premio del Público como el Grand Premio del Jurado en ese festival. La película se basó en las propias experiencias de Bui con el paisaje cambiante y la gente de su hogar ancestral de Vietnam. 

Filmografía destacada: “Yellow Lotus” (1995), “Three Seasons” (1999).

Nia Dinata (4 de marzo de 1970, Yakarta, Indonesia)

Galardonada productoras, guionista y directora de cine indonesio, sus películas son conocidas por abordar temas polémicos o “arriesgados” en Indonesia como la homosexualidad, los trabajadores migrantes y la poligamia. Dinata se centra en la “gente pequeña” y sus películas son a menudo comentarios sociales. También incluye una perspectiva femenina de los temas de género en sus obras.

Filmografía destacada: “Ca-bau-kan / The Courtesan” (2002), “Arisan! / The Gathering” (2003), “Berbagi Suami / Love for Share” (2006), “Perempuan Punya Cerita / Chants of Lotus” (2008), “Arisan! 2 / The Gathering 2” (2011).

DIRECTORES ASIÁTICOS CONTEMPORÁNEOS PARTE 2: JAPÓN, COREA DEL SUR Y FILIPINAS - Por Frank Binueza

En la serie de artículos sobre importantes directores asiáticos contemporáneos, a continuación se presenta una breve recopilación de la vida y obra de cineastas de Japón, Corea del Sur y Filipinas.

Bong Joon-ho (14 de septiembre de 1969, Daegu, Corea del Sur) – País de Residencia: Corea del Sur.

Bong Joon-ho

Reconocido director y guionista surcoreano, su filmografía incluye los éxitos surcoreanos “Salinui chueok / Memories of Murder” (2003), basado en un caso de asesinato en serie de la vida real, la película de monstruos “Gwoemul / The Host” (2006), y su primera aventura de ciencia-ficción “Snowpiercer” (2013). Su última película “Okja” (2017), trajo mucha controversia durante su presentación en el Festival de Cannes 2017, en el cual formaba parte de la selección oficial por la Palma de Oro, debido a su producción y distribución por la cadena de streaming Netflix. Reconocido por su atención a los detalles y su fascinación por los temas polémicos, sus películas a menudo presentan grandes cantidades de humor negro y repentinos cambios del tono de las tramas.

"Memories of Murder” (2003)

Nacido y criado en Daegu, se especializó en sociología en la Universidad de Yonsei, completando posteriormente sus estudios para convertirse en cineasta en la Academia Coreana de Artes Cinematográficas. Por sus trabajos de graduación “Memory Within the Frame” e “Incoherence” fue invitado a  los festivales de cine internacionales de Vancouver y Hong Kong. Tras colaborar en varios trabajos de otros cineastas surcoreanos entre los que destaca Jang Joon-hwan, tuvo la oportunidad de filmar su largometraje debut “Peullandaseu-ui Gae / Barking Dogs Never Bite” de 2000, una comedia negra sobre un catedrático universitario secuestrador de perros y una joven decidida a investigar las desapariciones de las mascota, aunque la película no logró atraer a la audiencia y tuvo una buena respuesta dentro de la crítica especializada, su presentación en el Festival de Cine de San Sebastián le trajo una gran propaganda boca a boca que ayudó a cimentar el estatus del director.

La polémica "Okja" (2017)

Sus posteriores éxitos dentro de Corea del Sur como a nivel internacional, lo colocan como el director surcoreano más exitoso de la actualidad con apenas ocho largometrajes en su haber, y en plena producción de su última película “Parasite” prevista para 2018. 

Kang Woo-suk (10 de noviembre de 1960, Gyeongsan, Corea del Sur)

Kang Woo-suk

A menudo considerado como el director surcoreano más taquillero de la historia, sin embargo su trabajo no es reconocido por sus méritos artísticos, y en más de alguna ocasión se le ha acusado de realizar “simples películas comerciales”. Pero cabe mencionar que debido a su gran éxito en taquilla, ha encabezado la lista de la revista Cine21 de “50 hombres más poderosos en el cine coreano”, durante siete años consecutivos de 1998 a 2004. Además cuatro de sus películas se encuentras entre las cincuenta más taquilleras de la historia del cine coreano: “Silmido” (2003), “Gang Cheoljung: Gonggongui Jeok 1-1 / Public Enemy Return” (2008), “Gonggongui jeok 2 / Another Public Enemy” (2005) y “Hanbando” (2006).

"Public Enemy Return” (2008)

Tras su éxito inicial dirigiendo películas cómicas, su gran oportunidad vendría con la comedia policíaca “Tu Kapseu / Two Cops” (1993), que a pesar de ser acusada de ser una mala copia de la francesa “My New Partner” (1984); por el gran éxito de “Two Cops”, Kang Woo-suk fundaría su propia compañía de producción y distribución Cinema Service, que se ha convertido en uno de los más grandes estudios cinematográficos del país, con una gran cosecha propia de cine, siendo incluso productor de grandes filmes como “The Divine Weapon” de Kim Yoo-jin. Recientemente el director ha evolucionado de su carácter meramente comercial, entrando en el circuito de los festivales de cine con “Iggi / Moss” (2010), basado en un popular webtoon, o el drama deportivo “Glove” (2011), diferente a su estilo anterior pero que también triunfo en taquilla; mientras que con “Fists of Legend” (2013), basado en un webcomic de Lee Jong-gyu, mantuvo su senda taquillera.

Kim Jee-woon (6 de julio de 1964, Seúl, Corea del Sur) – País de Residencia: Corea del Sur.

Kim Jee-woon

Reconocido por su éxito en diversos géneros cinematográficos, por su marcada atención a los detalles y a la evolución de la estética visual de sus filmes. Poco a poco se ha convertido en un director de culto y una obligada referencia para los a los aficionados al cine asiático. Es reconocido por películas como la historia de terror psicológico “Janghwa, Hongryeon / Historia de Dos Hermanas” (2003); el drama de acción de gángters, “Dalkomhan insaeng / A Bittersweat Life” (2005), y la película de acción policíaca “Angmareul boatda / I Saw the Devil” (2010), que sin embargo han traído problemas de censura para el director por las grandes dosis de violencia que muestra en cada una de ellas.

"Historia de Dos Hermanas” (2003)

Tras abandonar sus estudios en el Seoul Institute of the Arts, inicia su carrera como actor cómico y director teatral, su paso al cine le reportó crecientes niveles de éxito destacado por la importancia dada a la actuación y el detallismo de sus películas. Su filme debut “Joyonghan Gajok / The Quiet Family” (1998), una mezcla de drama, comedia negra y terror sobre la mala suerte de una familia y su hotel de campo en donde todos los clientes terminan muriendo de una u otra forma, le trajo muchos reconocimientos tanto en Corea como a nivel internacional. Luego vendrían películas que consolidarían su fama como la comedia dramática ubicada en el extraño mundo de la lucha libre coreana “Banchikwang / The Foul King” (2000) y el homenaje a los spaghetti westerns “Jo-eun nom nappeun nom isanghan / The Good, the Bad, the Weird” (2008). Su fama lo hizo trasladarse a Hollywood en donde dirigió una película con pésimo recibimiento, la película de acción “The Last Stand” (2013), protagonizada por por Arnold Schwarzenegger y Johnny Knoxville. Tras su corta aventura en el mercado norteamericano, regresó a Corea del Sur a dirigir “Miljeong / Age of Shadows” (2016), un thriller de acción que incluso fue elegido para representar al país en la categoría a Mejor Película en Lengua Extranjera en 2016, sin embargo no logró la nominación.

Kim Ki-duk (20 de diciembre de 1960, Bonghwa County, Corea del Sur) – País de Residencia: Corea del Sur.

Kim Ki-duk 

Es reconocido como uno de los más importantes representantes de la vanguardia cinematográfica surcoreana. Proveniente de una familia de clase obrera, y sin haber recibido formación técnica como cineasta, Kim comenzó su carrera como guionista y director a los treinta y tres años de edad. Tras descubrir su pasión por el cine tras ver en París  “El silencio de los corderos” de Jonathan Demme, y “Los amantes del Pont Neuf” de Léos Carax, regresó a su país con la firme intención de hacerse una carrera en el cine. Sus primeros trabajos como guionista, le trajeron reconocimiento en una industria tan cerrada como dinámica como lo es en Corea del Sur, aunque ninguno de ellos logró firmarse, sirvieron para que Kim Ki-duk pudiera filmar su debut: “Ag-o / Cocodrile”, una película de bajo presupuesto, que cuenta la brutal historia de un grupo de personas sin hogar que viven bajo un puente sobreviviendo a fuerza de astucia y violencia.. Esta película recibió un gran apoyo de la crítica, lo que impulsó definitivamente la carrera del director autodidacta.

“3-Iron” (2004)

Sus trabajos posteriores fueron puliendo su estilo distintivo, altamente experimental y con un ritmo pausado, lleno de un fuerte contenido visual muchas veces cruento, el parsimonioso uso del diálogo y el énfasis en elementos criminales o inadaptados a la sociedad. Este último refleja la posición de Kim dentro de la sociedad surcoreana en general, y el ámbito fílmico en particular. Por ejemplo en “Paran daemun / Birdcage Inn” (1998), se detalla la relación entre una prostituta quien es el único sostén de una familia dueña de un hostal, a donde la prostituta lleva a sus clientes; en “Silje Sanghwang / Real Fiction” (2000), un artista surcoreano realiza una matanza de todos sus enemigos tanto reales como imaginarios; en “Seom / The Isle” (2000), la propietaria muda de un negocio de pesca que además trabaja como prostituta, inicia una extraña relación con un ex policía que acaba de asesinar a su amante; mientras que en “Hae anseon / The Coast Guard” (2002), hace una cruenta crítica a la situación en la frontera de las dos Coreas, que sin embargo generó críticas negativas entre el público y la prensa especializada.

"Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring” (2003)

Con “Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom / Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring” (2003), hace un vuelco a su estilo, con una historia intimista sin ningún atisbo de violencia, sobre la vida de un monje budista y la analogía de su existencia con las estaciones climáticas. Este filme fijó la tendencia posterior de las siguientes producciones del director, con sendas participaciones en festivales internacionales, y una gran distribución en el círculo comercial, sin perder el toque distintivo del director como en “3-Iron” (2004) y “Samaritan Girl” (2004), en donde a pesar de tocar temas sensibles para el público el sutil manejo de las situaciones presentadas las convirtieron en imprescindibles en su filmografía. 

Park Chan-wook (23 de agosto de 1963, Seúl, Corea del Sur) – País de Residencia: Corea del Sur.

Park Chan-wook

Director de cine, guionista, productor y ex crítico de cine, es uno de los cineastas más aclamados y populares en su país natal, sus películas son reconocidas por su inmaculado encuadre, su humor negro y su contenido brutal. Entre sus principales filmes se encuentran, el thriller de misterio ubicado en la tensa frontera de Corea del Norte y Corea del Sur, “Joint Security Area” (2000), el filme de terror “Bakjwi / Thirst” (2009), y la que se conoce como “La Trilogía de la Venganza”, que consta de “Boksuneun Naui Geot / Sympathy for Mr. Vengeance” (2002), “Oldŭboi / Oldboy” (2003) y “Chinjeolhan geumjassi / Lady Vengeance” (2005), en donde se muestran tres visiones diferentes sobre la venganza, y en las que resaltan sus increíbles escenas de violencia e inesperados finales. 

“La Trilogía de la Venganza”

Su filme debut “The Moon Is... the Sun's Dream” (1992), sobre un fotógrafo involucrado en el mundo de las pandillas coreanas fue un fracaso, y sus siguientes filmes también, por lo cual Park Chan-wook tuvo que desempeñarse como crítico de cine para sobrevivir, no sería hasta el lanzamiento de “Joint Security Area” (2000), considerada la película más vista en Corea del Sur, cuando su estilo lleno de hermosas imágenes y fuerte violencia sería apreciado por el público y la crítica. La independencia que le trajo el éxito de esta película lo hizo tener mayor libertad creativa a la hora de realizar su “Trilogía de la Venganza”, después de ganar el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes 2004 con “Oldboy”, lo volvió reconocido a nivel mundial, incluso volviéndose el preferido del director estadounidense Quentin Tarantino. Tras una gran carrera por diferentes géneros, con “Agassi / The Handmaiden” (2016), estrenada en el Festival de Cine de Cannes 2016, volvería a la competición por la Palma de Oro, aunque nuevamente perdería.

Koki Mitani (8 de julio de 1961, Tokio, Japón) – País de Residencia: Japón.

Koki Mitani

Director, actor, dramaturgo y guionista, Koki Mitani es uno de los directores japoneses con más prestigio en su país, así como uno de los más taquilleros, tal como demuestran los resultados de sus obras más recientes, “Uchoten Hoteru” (2006), “The Magic Hour” (2008) y “Once in a Blue Moon” (2011). Sus trabajos cinematográficos son comedias clásicas de enredos y equívocos con un cierto aire teatral, con un reparto coral repleto de rostros conocidos, y en los que destacan en especial sus ingeniosos guiones y sus mordaces y rápidos diálogos, en donde casi siempre el protagonista es un guionista (como Koki Mitani), cuya obra no siempre es comprendida o tolerada por los demás tal como es debido a diferentes motivos (censura, problemas de tiempo en la representación, necesidad de alterar el nivel de protagonismo de los personajes, etc.), por lo que el texto original ha de sufrir modificaciones, lo que establece una pugna o debate entre el autor y los agentes que tratan de alterar la obra..

"The Kiyosu Conference” (2013)

Es reconocido por utilizar métodos básicos de filmación sin utilizar cortes en la acción ni uso de efectos especiales por computadora, debido a su experiencia en teatro. Sus obras son básicamente comedias llenas de ingenio y humor, y con grandes dosis de parodia. Sus últimas películas, la comedia ambientada en el período feudal japonés, “Kiyosu Kaigi / The Kiyosu Conference” (2013), y la inesperada comedia de ciencia ficción “Gyarakushī Kaidō / Galaxy Turnpike” (2015), lo confirman como uno de los directores japoneses más exitosos de la actualidad.

Yoshihiro Nakamura (25 de agosto de 1970, Prefectura de Ibaraki, Japón) – País de Residencia: Japón.

Director de cine y guionista considerable como el más polifacético e inclasificable de su país, capaz de realizar películas tan personales como “Fisshū Sutōrī / Fish Story (2009), una cinta de ciencia ficción en torno a la canción de una banda punk japonesa, quizá su película más conocida internacionalmente, y la película de terror “Bûsu / The Booth” (2005), así como cintas más comerciales como la exitosa  “The Glory of Team Batista” (2008), o “Golden Slumber” (2010). Intercalando dos películas por año en algunas temporadas, que le sirven para compaginar cine de encargo más comercial, con cine más personal, este director y guionista ha pasado por todos los géneros, rodando thrillers, comedias, terror y drama, sin embargo sus películas son catalogadas como un puro y simple entretenimiento, en la mayoría de ellas ha sabido darles un toque de calidad único, por lo que destaca su disparidad y su difícil clasificación. 

"Fish Story (2009)

Nakamura sabe diferenciarse y salirse de lo establecido por medio de las interrelaciones de personajes muy distintos, incluso en los films más convencionales. Curiosamente sus mejores películas son adaptaciones de novelas de Kotaro Isaka, por ejemplo “The Foreign Duck, the Native Duck and God” (2007), las anteriormente mencionadas “Fish Story” y “Golden Slumber”, y “Potechi” (2012).

Takeshi Kitano (18 de enero de 1947, Tokio, Japón) – País de Residencia: Japón

Takeshi Kitano

Actor, cineasta, comediante, escritor, poeta, pintor y diseñador de videojuegos japonés, el multifacético Takeshi Kitano es mucho más reconocido en su natal Japón, como personalidad de la televisión, sin embargo es su faceta cinematográfica la que lo ha hecho conocido en el resto del mundo. Su peculiar trabajo cinematográfico ha recibido el apoyo de la crítica, tanto en Japón como a nivel internacional. Como actor, se dio a conocer internacionalmente al interpretar al Sargento Hara en “Feliz Navidad, Mr. Lawrence”, de Nagisa Oshima. Uno de sus trabajos más elogiados como cineasta ha sido “Hana Bi / Flores de fuego” (1997), una película sobre policías, la yakuza y la pintura surrealista. También ha protagonizado y dirigido en “Brother” (2000) y en la película sobre samuráis, “Zatōichi” (2003), además de otras muchas películas.

"Flores de fuego” (1997)

La mayoría de las películas que Kitano ha dirigido son dramas acerca de mafiosos o la policía, caracterizadas por contar con un humor muy inexpresivo, casi estático. Comúnmente emplea largas tomas, donde parece que nada sucediera o la edición cuenta con cortes que saltan a las consecuencias de un suceso determinado. Muchas de sus películas expresan una filosofía sombría o nihilista, pero también cuentan con mucho humor y un gran cariño por los personajes. Paradójicamente, los largometrajes de Kitano parecen dejar impresiones controvertidas. Si bien superficialmente siguen la estructura de la comedia negra o del cine de yakuzas, enfatizan preguntas morales y entregan mucho material para la reflexión personal.

Takashi Miike (24 de agosto de 1960, Yao, Prefectura de Osaka, Japón) – País de Residencia: Japón.

Takashi Miike

Quizá el más prolífico y polémico director japonés de los últimos tiempos, siendo además productor, actor y guionista. Ha dirigido más de noventa producciones teatrales, de cine y de televisión desde su debut en 1991. Miike es reconocido por la impresionante dirección de quince producciones en los años 2001 y 2002. Además es también reconocido por evitar encasillarse en un solo género, ya que ha dirigido películas con temáticas violentas y extrañas, hasta películas dramáticas y familiares. 

“Ichi the Killer” (2001)

Graduado de la Academia de Artes Visuales de Yokohama, bajo la dirección del reconocido director Shohei Imamura, fue reconocido en los años 90’s como un director de películas de acción y de yakuzas de bajo presupuesto, la mayoría lanzadas directamente a vídeo, en donde la censura era mínima. Su debut en 1991, con la película “Daisan no gokudō / The Third Gangster” pasó sin pena ni gloria, pero no fue hasta su tercer filme, “Shinjuku Triad Society” (1995), su primer estreno en cines que logró captar la atención del público, por su tratamiento de la violencia extrema y las perversiones sexuales, además de retratar las actividades criminales de los yakuzas con grandes dosis de humor negro. El éxito de estas películas de bajo presupuesto, le brindaron mayor independencia económica, con lo cual pudo despuntar para finales de la década y principios del 2000, con sus títulos más reconocidos y a la vez controversiales: la película de terror romántica “Ōdishon / Audition” (1999), su violenta épica yakuza “Dii ō ei / Dead or Alive” (1999), la extraña y perversa “Visitor Q” (2001), y su controvertida adaptación del manga, “Ichi the Killer” (2001), en donde explota los temas que lo volvieron famoso en su primera etapa artística.

"Audition” (1999)

A pesar de generar un culto alrededor del mundo por sus violentas tramas, Miike también ha sabido diversificarse con películas infantiles como “Zebraman” (2004) y “The Great Yokai War” (2005); películas de época como “Sabu” (2002); road movies como “The Bird People in China” (1998); dramas adolescentes como “Andromedia” (1998); una comedia musical de horror en “The Happiness of the Katakuris” (2001), e incluso adaptaciones de videojuegos como “Like a Dragon” (2007) y “Ace Attorney” (2012). Rodeado siempre de polémica, la mayoría de sus títulos más controversiales han sufrido alrededor del mundo de grandes cuotas de censura. En varias ocasiones se ha declarado admirador de los directores de cine Akira Kurosawa, Hideo Gosha, David Lynch, David Cronenberg y Paul Verhoeven.

Brillante Mendoza (30 de julio de 1960, San Fernando, Filipinas) – País de Residencia: Filipinas.

Brillante Mendoza

Reconocido director filipino de cine independiente, aclamado por la crítica por su representación sin tapujos de la realidad de su país, y por el manejo de temas controversiales como la libertad sexual, dilemas sociales y la vejez. Su película debut “The Masseur / El Masajista” (2005), presenta la vida nocturna de Manila y muestra de forma brutal un abanico de personajes urbanos como prostitutas, homosexuales, drogadictos y otros marginados sociales. Su filme “Serbis / Servicio” (2008), un retrato de un cine porno en la ciudad filipina de Angeles, se convertiría en la primera película filipina en competir en la Selección Oficial de Cannes,  desde “Bayan Ko: Kapit sa Patalim” (1984) de Lino Brocka. 

“Kinatay” (2009)

Su mayor reconocimiento vendría con “Kinatay” (2009), un retrato dura de la realidad marginal de un barrio de Manila a través de los ojos de un estudiante involucrado en un sindicato para ayudar con dinero a su familia, con el cual ganaría el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes de 2009, logro inédito dentro de la filmografía filipina. Con “Lola” (2009), ganó el premio a la mejor película del Festival de Cine de Dubái, mientras que en 2012 estrenó “Captive / Cautiva”, un filme dramático protagonizado por la francesa Isabelle Huppert, en el que se describen las torturas recibidas por un grupo de rehenes, un hecho de la vida real. Sus siguientes películas también han participado en una serie de festivales internacionales, entre las que destacan: “Thy Womb” (2012), “Taklub” (2015) y Ma’ Rosa” (2016). 

Lav Díaz (30 de diciembre de 1958, Datu Paglas, Filipinas) – País de Residencia: Filipinas.

Lav Díaz 

Reconocido cineasta independiente filipino, Lav Díaz ha ganado numerosos premios internacionales y el reconocimiento de la crítica. Sus películas suelen tratar temas sociales y políticos filipinos, tanto presentes como pasados. A nivel técnico, se caracterizan por ser películas arriesgadas, utilizando técnicas inusuales y con duraciones más largas de lo normal, hasta 10 horas, por lo cual es reconocido como uno de los miembros clave del movimiento de “Slow Cinema / Cine lento”, que incluye a reconocidos directores como Andrei Tarkovsky, Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni, Béla Tarr, Chantal Akerman y Theo Angelopoulos.

"Norte, the End of History” (2013)

A pesar de realizar filmes desde los años 90’s, no fue hasta 2013 con el lanzamiento de “Norte, Hangganan ng Kasaysayan / Norte, the End of History”, una artística película de más de cuatro hora que explora temas como el crimen, la traición y la familia. Proyectada en la sección “Un Certain Regard” en el Festival de Cine de Cannes 2013, la película alcanzó gran notoriedad en el circuito de festivales siendo incluso considerada dentro de la lista inicial de candidatas al Premio a Mejor Película en Lengua Extranjera, aunque no logró la nominación. Sus películas posteriores explotan la sensibilidad y capacidades del director, “Mula sa Kung Ano ang Noon / From What Is Before” (2014), “Hele sa Hiwagang Hapis / A Lullaby to the Sorrowful Mystery” (2016), y “Ang Babaeng Humayo / The Woman Who Left” (2016), son las más destacadas de ese grupo.

Menciones Especiales.

Yun Je-kyun (14 de mayo de 1969, Busan, Corea del Sur) 

Destacado directora mejor conocido por sus sagas “My Boss, my Hero” (2001) y “Sex Is Zero” (2002), dos de las comedias más emblemáticas de la cinematografía actual surcoreana. Además es responsable de “Haundae” (2009), la cuarta película más taquillera de la historia de Corea del Sur y la primera película de catástrofes del país. “Miracle on 1st Street” (2006) y “Romantic Warrior” (2003) completan su corta filmografía como director, un realizador de comedias  algo subidas de tono, con drásticos cambios al drama, con perdedores como protagonistas, que por hechos trágicos cambian y se convierten en los héroes de la historia.

Filmografía destacada: “My Boss, my Hero” (2001), “Sex Is Zero” (2002), “Romantic Warrior” (2003), “Miracle on 1st Street” (2006), “Haundae” (2009).

Lee Jun-ik (21 de septiembre de 1959, Seúl, Corea del Sur)

Polifacético director, internacionalmente reconocido por su película “The King and the Clown” (2005), la segunda película más taquillera de la historia del cine surcoreano, a pesar de ser acusado de hacer película mayoritariamente orientadas al público masculino, con sendos éxitos de acción y comedia, y de optar por hacer películas más ligeras luego de “The King and the Clown”, supo explotar también la nostalgia alrededor del mundo musical con películas como “Radio Star” (2006) y “Happy Life” (2007). A pesar del tono ligero de sus películas, la mayoría de sus personajes son personas sensibles hastiados con su vida, y que poco a poco encuentran el camino para el cambio.

Filmografía destacada: “Kid Cop” (2003), “Once Upon a Time in a Battlefield” (2003), “The King and the Clown” (2005), “Radio Star” (2006), “Happy Life” (2007), “ You Are in a Far Away Nation” (2008), “Blades of Blood” (2010).

Choi Dong-hun (24 de febrero de 1971, Jeonju, Corea del Sur)

Considerado como uno de los directores surcoreanos más consistentes de la actualidad, tiene el privilegio de contar con tres películas dentro del listado de las películas más taquilleras de la historia de Corea del Sur,  “Tazza” (2006), “Jeon Woo-chi: The Taoist Wizard” (2009) y “The Thieves” (2012). A pesar de sus ambiciones de experimentar en muchos géneros, la mayoría de sus películas exitosas tratan sobre ladrones y estafadores carismáticos, con grandes mezclas de comedia y calidad artística. 

Filmografía destacada: “The Big Swindle” (2003), “Tazza” (2006), “Jeon Woo-chi: The Taoist Wizard” (2009), “The Thieves” (2012), “Assassination” (2015).

Shinobu Yaguchi (30 de mayo de 1967, Isehara, Prefectura de Kanagawa, Japón)

Parte de la nueva oleada de cineastas japoneses, Shinobu Yaguchi es un director con un inusual sentido del humor, más centrado en gags absurdos e hilarantes, que realiza películas muy ligeras y agradables. Sin embargo, no por ello les falta profundidad, en especial en el desarrollo y relaciones de los personajes, o calidad artística, gracias siempre a sus guiones originales y frescos, y a sus diálogos. Es conocido sobretodo por sus películas “Water Boys” (2001) y “Swing Girls” (2004).

Filmografía destacada: “My Secret Cache” (1997), “Adrenaline Drive” (1999), “Water Boys” (2001), “Swing Girls” (2004), Happy Flight (2008), “Robo G” (2011).

Takashi Yamazaki (12 de junio de 1964, Matsumoto, Prefectura de Nagano, Japón)

Director y guionista es más reconocido como técnico de efectos visuales de películas como “K20” (2008) y videojuegos como “Onimusha 3”, Takashi Yamazaki es además un fan confeso de Star Wars, por lo cual sus primeros trabajos fueron en el campo de la ciencia ficción, como en “Returner” (2002), y el live action del clásico de la animación “Space Battleship Yamato” (2010). Sin embargo no quiso encasillarse, por lo cual también ha hecho adaptaciones de mangas costumbristas como “Always-Sunset on Third Street” (2005) y sus dos posteriores secuelas, que han sido hasta el momento su mayor éxito de crítica y taquilla. Amante de las películas de samuráis, se las apañó para adaptar a imagen real la película Shin Chan: el Pequeño Samurai en “Ballad” (2009).

Filmografía destacada: “Juvenile” (2000), “Returner” (2002), “Always-Sunset on Third Street” (2005), “Ballad: Namonakai Koi no Uta” (2009), “Space Battleship Yamato” (2010), “Stand by Me Doraemon” (2014).

Raya Martin (1984, Manila, Filipinas) 

Conocido como el “enfant terrible” del cine filipino, fue el primer cineasta filipino en ser aceptado en la Cinéfondation Résidence del Festival de Cine de Cannes. Poseedor de una carrera controvertida, sus imágenes provocativas lo han convertido en un visionario dentro del circuito de festivales, Es capaz de utilizar el cine mudo, como en su documental “Short film about de Indio National” (2005),  sobre la Filipinas del siglo XIX, o “Autohystoria” (2007), 10 planos de hora y media, y con la que cuenta la historia de dos muchachos perseguidos por un bosque, para luego ser capturados. Trás ellas llegaron las controvertidas “Next Attraction” (2008), “Independencia” (2009) y “Manila” (2009), rodadas en blanco y negro y con referencias que nos remiten, de nuevo, al cine mudo. La filmación de “Buenas noches, España” (2011), en el país europeo trae algo de revancha al pasado colonial de Filipinas y mucha controversia además.

Filmografía destacada: “Short film about de Indio National” (2005), “Autohystoria” (2007) “Next Attraction” (2008), “Independencia” (2009), “Manila” (2009), “Buenas noches, España” (2011).