“La Petite Marchande d'allumettes / La Cerillera” de Jean Renoir (1927) - Por Frank Binueza

En una fría noche de diciembre, una joven mujer (Catherine Hessling) avanza en las nevadas calles de París, intentando vender cajas de cerillos a los transeúntes. Escondida en un callejón tras no vender ni una caja, intenta darse calor encendiendo los cerillos. El hambre y el frío hacen que empiece a alucinar con un mundo de fantasía en donde tiene visiones maravillosas aunque difíciles de alcanzar…

“Sería tan bueno calentarse con una cerilla…”

Ubicado dentro de la etapa experimental y fantástica de Jean Renoir, éste mediometraje se basa en el infantil homónimo de Hans Christian Andersen, quizá uno de los relatos navideños más conmovedores como imaginativos de la época.

Protagonizado por Catherine Hessling, musa y primera esposa de Renoir, el filme pasa del duro realismo a la fantasía en un abrir y cerrar de ojos, mientras muestras las hazañas de la pobre cerillera, y sus ansias de una mejor vida.

A pesar de su corta duración (poco más de 30 minutos), utiliza una inmensa cantidad de efectos especiales para contar las alucinaciones de la joven, a través de juegos de luces y sombras, superposiciones y rebobinaciones de imágenes, e duras intercalaciones entre la realidad y la ficción. 

FICHA TÉCNICA

Nombre: “La Petite Marchande d'allumettes / La Cerillera” (1927)

Director: Jean Renoir

Guion: Jean Renoir, basado en el cuento homónimo de Hans Christian Andersen

Reparto: Catherine Hessling,  Manuel Raaby,  Jean Storm,  Amy Wells

Género: Cine Mudo, Fantasía, Drama, Mediometraje

País: Francia

OCTUBRE DE TERROR: NOSFERATU (1922) de F. W. MURNAU. Por Doug Valverde

FICHA TÉCNICA:

País: Alemania

Reparto: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schroder, Alexander Granach, George H, Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz, Max Nemetz

Género: Terror, Cine Mudo, Expresionismo alemán.

Dirección: Fiedrich Wilhelm Murnau

Guión: Henrik Galeen.

SINOPSIS:

Hutter y su esposa Hellen son un matrimonio que vive en Wisborg, un dia Hutter tiene que viajar a Transilvania por asuntos de negocios para cerrar un trato con el Conde Orlok, tras pasar poco tiempo en la casa del conde Hutter descubrirá que este es un vampiro, tras darse cuenta que viaja a su ciudad de origen este parte rápidamente de regreso temiendo por la vida de su esposa.

NOSFERATU DE MURNAU VS DRACULA DE BRAM STOKER

El Nombre Nosferatu que si tuvo su origen en la novela de Bram Stoker “Dracula” supuestamente derivaba del rumano significando “No Muerto” o un sinónimo para vampiro, aunque al final no se han encontrado indicios reales de que estos sean su significado, sino talvez una confusión en la pronunciación de la palabra en ese idioma. Murnau no pudo llamar a su vampiro Drácula por no haber podido adquirir los derechos de la obra, por lo que la historia viene siguiendo la misma trama de la obra con nombres de personajes y ciudades cambiados además ubicando el final en otra escena más temprana que en la obra de Bram Stroker y la película de Coppola.  La falta de adquisición de los derechos de la obra le costaría a la productora del film su primer y única obra, al declararse en banca rota tras las costosas demandas. La historia suele recompensar los daños de una manera intangible tal y como ahora esta obra es apreciada como de culto y una de las primeras grandes obras sobre vampiros en el cine lo cual es motivo de estudio y relevancia histórica en el cine y cierto misticismo que acompaña a este film, aparte de el gran trabajo con bajo presupuesto de lo cual incluso se dice que Murnau ocupó de una sola cámara en mano manejada posiblemente por el mismo y otro camarografo para grabar toda la película acompañado en su mayoría por luz natural, con escenarios también reales, lo cual es un dato poco frecuente en el expresionismo alemán, o que también le dio el titulo de ser una de las mejores peliculas en este género.

MAX SCHRECK ERA REALMENTE UN VAMPIRO?

Max Schreck (que casualmente Schreck significa Terror en alemán) es el actor que dio vida a la leyenda de Nosferatu desarrollando un sorprendente trabajo de creación e interpretación de personaje ya que en esa época supuso el paradigma de lo que debía ser un vampiro y como debía verse, en este caso con una apariencia similar a un murciélago o rata calva (en este film las ratas y la peste que estas acarrean son una representación de este ser antes de popularizarse como murciélago) con toda razón de aspecto ermitaño y desgarbado, usando de métodos histriónicos que lograron tal impacto que alrededor de su persona surgió el mito de que era en realidad un vampiro que descubrió Murnau y le propuso usarlo en su película a cambio de la sangre de su actriz principal, Greta Schroder quien interpreta a Ellen en el film. Muchas de las peliculas en las que Schreck actuó por la lejana época en que se desarrolló su carrera se perdieron o dañaron por completo lo que dio mayor fuerza a la leyenda al creerse que existía poca información sobre su persona, argumento que sirvió como base creativa para la película “La Sombra del Vampiro” (2000) de Elias Merhige abordando el film visto desde el sentido mistico que le dio este mito, donde John Malkovich interpreta a Friedrich Murnau y un impecable Willem Dafoe realizando una de sus mejores actuaciones dando vida a Max Schreck inmerso profundamente en el personaje de Nosferatu, lo que le hizo merecedor de una nomiación al Oscar. Aunque en realidad existe una detallada biografia sobre la carrera de Max Schreck su leyenda es muestra de la excelencia desempeñada en el trabajo colectivo en esta cinta.

LA EVOLUCION DEL VAMPIRO

La evolución de este ser mitológico en el cine tuvo definitivamente como punto de partida a esta obra, que no es la imagen mas adaptada hoy en dia, ya que basándose en lo ostentoso del poder económico que representaba el titulo de Conde en el caso de Coppola se fue estilizando a su ambiente y entorno social, cada generación ha venido aportando a su concepción del como se debía ver el vampiro, Nosferatu se presentaba visualmente en un punto medio entre mounstro y humano, por lo cual resaltamos nuevamente que se interpreta como un ser ermitaño, actualmente para camuflarse mejor en un ambiente social se ha humanizado o se a dotado de transformación facial como en el caso de los vampiros de Blade donde del Toro o mejor dicho el comic de este personaje han venido mutandolo genéticamente, y otros mas indecisos le atribuyen una brillante belleza que el personaje ya había alcanzado en su misma oscuridad, porque en eso se basa el misticismo del vampiro en ser un ser oscuro, que ha llegado a tomar el titulo del mas poderoso entre los mounstros de la noche y en general Murnau lo planteo de una manera genial para fines históricos en el cine de terror dándole el poder que necesitaba el mito que ha logrado trascender hasta el dia de hoy.

Se las dejamos completa para su disfrute o para susto de ustedes.

WESTERN: SOMBREROS Y PISTOLAS: "Los Primeros Días del Western" - Por Rommel Vasquez Caro

El Western es uno de los primeros géneros cinematográficos de la historia, los primeros directores de cine además de otros generos hicieron del Western y las historias del lejano oeste su lienzo para plasmar todo tipo de historias y crear los códigos que luego veríamos en otros géneros cinematográficos, como el héroe de blanco, el villano de negro, la damisela en apuros y demás arquetipos fueron creados en esta primera etapa del cine.

"El Gran Asalto al Tren" (1903) de Edwin S. Porter.

En esta primera década del siglo 20, tenemos 2 películas importantes del género y una de ellas es esta: "El gran asalto al tren" del año 1903, con una duración de unos 12m minutos aproximadamente y dirigida por Edwin S. Porter en USA. Es nada más y nada menos que la primera película del género Western de la historia del cine.

“El Gran Asalto Al Tren” podría considerarse la película donde los hechos delictivos son, por primera vez, su argumento. Una banda de atracadores, con asesinatos y violencia muy explícita, asalta un tren. En realidad es un western, pero las líneas son difusas, inexistentes en esta época, pero se la podría considerar como precursora del cine negro también.

Es pionera por muchos otros motivos, el primer filme dramático de la historia del cine, el primer western y, al mismo tiempo, la primera película de temática criminal.

Y la primera vez que el espectador queda fascinado y seducido ante una historia narrada, se siente partícipe de lo que sucede ante la pantalla. Su sugestión queda patente sobre todo en dos escenas. En una, un protagonista que cae del techo de uno de los vagones del tren lo que provoca gritos entre los espectadores que nunca habían visto nada igual. También impresionó sobremanera la imagen del pistolero disparando a cámara, muy realista y creíble para la mentalidad pre cinematográfica del público de inicios del siglo XX.

"The Mended Lute" (1909) de D.W. Griffith.

Realizada en el año 1909, dirigida por DW Griffith y protagonizada por Florence Lawrence.

Ambientada en el lejano oeste y retratando la visión de las tribus aborígenes, nos relatan la historia de Rising Moon quien ama a Little Bear, pero su padre prefiere a Standing Rock, un pretendiente más rico. Standing Rock la lleva bajo guardia, pero ella se escapa y se une a Little Bear mientras tratan de escapar.

Como ven, el drama y la historia de amor son motivos de las tramas ambientadas en lo que luego se establecería como Western, aquí tan solo se nos están presentando a los personajes, aún no establecidos, pues sus roles luego se verían intercambiados. En el primer Western creado en 1903 "#GranAsaltoAlTren", la historia era vista desde el punto de vista de los asaltantes del tren, luego eso en el western clásico cambiaría drásticamente.

Más adelante con la llegada del genio John ford ya se establecerían las bases sólidas del Western Clásico que se mantuvo durante los año 40, 50 y parte de los 60. De eso hablaremos luego.

"Straight Shooting" (1917) de John Ford. 

La trama gira en torno a Cheyenne Harry, pistolero y proscrito, quien es contratado por Flint, líder de un grupo de rancheros, para ayudar a los Sims en su granja. Cuando Harry va a la casa de los Sims, se encuentra a Sims ya Joan, su hija, en duelo por la muerte de su hijo, quien ha sido baleado en la espalda por Fremont. Harry, indignado por este acto y tocado por la pena de Sims y Joan, cambia de bando. Mata a Fremont en un tiroteo. Los granjeros son atacados por los ganaderos.

Harry trae a su viejo amigo Black-Eye Pete ya sus forajidos para salvarlos. Después de la batalla, Sims le pide a Cheyenne Harry que se quede, pero él está en conflicto debido a su pasado criminal. Harry finalmente es convencido de quedarse con Joan.

Estamos ante un Western Clásico muy temprano, realizado por el legendario director John Ford. Straight Shooting hace uso de las convenciones occidentales que ya habían sido establecidas en 1917, tales como fotos paisajísticas panorámicas, tiroteos en las calles de una ciudad, ganaderos que luchan contra los ladrones y forajidos, y los buenos personajes atrapados en una casa sitiada. La película muestra los típicos códigos que luego se verían en futuras películas del género, el código que poco a poco se va estableciendo en los protagonistas de los Western, no matar a mujeres y niños, etc.

The Mark of Zorro (1920 ) de Fred Niblo (DEBUT DEL ZORRO EN EL CINE)

El Debut del famoso espadachín de la baja California lo hace en este film del año 1920, interpretado por Douglas Fairbanks y dirigida por Fred Niblo.

Fairbanks convirtió el cine de aventuras y de gran espectáculo en una forma de cultura popular y de éxito asegurado.

Sin películas como "Robin de los bosques" de 1922, El ladrón de Bagdad de 1924, El pirata negro de 1926, El gaucho de 1927, La máscara de hierro de 1929 y, sobre todo, esta que les antecede a todas: LA MARCA DEL ZORRO de 1920 y Los tres mosqueteros de 1921, sería imposible entender a figuras como Errol Flynn, Tyrone Power, Burt Lancaster o, más próximas en el tiempo, como Harrison Ford y su personaje de Indiana Jones.

En las actuaciones de Fairbanks destaca su alto nivel de destreza en el escenario, muy enérgico como si fuera un acróbata de circo, sumado a eso estaba su carisma y humor nato. Era perfecto para el papel del Zorro/Don diego de la Vega.

Es importante destacar que aunque este film se ubica contextualmente en un periodo donde los duelos, caballos y vaqueros estaban presentes, se debe colocar mejor dentro de las bases que luego se dieron con más solidez en el cine de acción y aventuras. Aún así hay decenas de spaghetti western del El Zorro.

2 Películas del Zorro que SI son del género Western:
1937 - Zorro Rides Again (Serial Western Clásico de Hollywood)
1966 - Zorro il Ribelle (Spaghetti Western Italiano)

WESTERN: SOMBREROS Y PISTOLAS: "El Western en la época del Cine Mudo" - Por Jorge Luis Ticse

Este es uno de los géneros que me emociona, me alegra y que me ha dado tantas obras maestras un genero por excelencia del cine americano donde todos los grandes directores clásicos han realizado por lo menos una película de Western.

Por mi parte voy a desarrollar el Western de manera histórica desde el cine mudo hasta los fines de la década de los 50 y daré voz a aquellas películas que el tiempo le ha jugado una mala pasada, tenemos un mes para ello quizas sea un corto tiempo porque creo así dediquemos un año a este genero nunca terminaremos por lo cantidad y calidad de películas que nos dio este genero.

Los titulos que mencionaré en este mes sera a manera de reseñas cortas a fín de abarcar un poco mas de titulos.

Bueno empezare con un titulo imprescindible porque nos muestra los orígenes del genero.

"The Great Train Robbery" (1903) de Edwin S. Porter.

Sinopsis: Narra el asalto a un tren por parte de unos bandidos. Escrita y dirigida por Edwin S. Porter, a quien se le atribuye en ocasiones la paternidad del cine de ficción, Porter trabajó en el estudio de Thomas Alva Edison, creando la que sería la primera película estadounidense importante. De 8 minutos de duración, "Asalto y robo de un tren" influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el género escogido (western) y sobre todo el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Al hacer esto, Porter inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente. Asalto y robo de un tren tuvo un gran éxito y contribuyó de forma notable a que el cine se convirtiera en un espectáculo masivo. Las pequeñas salas de cine, conocidas como nickelodeones, se extendieron por Estados Unidos, y el cine comenzó a surgir como industria.

Durante la etapa del cine mudo John Ford plasmaría en El Caballo de Hierro (The Iron horse, 1924), un estilo entre romántico y épico que sentaría la estética que caracterizaría al western clásico.

The Iron Horse (1924) de John Ford.

Sinopsis: Considerada la mejor película de la época muda de John Ford, un western alrededor del ferrocarril y el espíritu pionero de los Estados Unidos de América. El presidente Lincoln ha autorizado la construcción de un enlace entre las líneas ferroviarias de la Union Pacific y la Central Pacific. Un contratista (Will Walling) y un topógrafo (George O´Brien) emprenden viaje con el objetivo de trazar la ruta idónea, pero, aunque logran localizar un paso montañoso que permitiría el establecimiento de una conexión mucho más rápida de lo que se había esperado, el riesgo de que los nativos ataquen a los trabajadores amenaza con dar al traste con el ambicioso proyecto.

Cecil B. De Mille filmaría de forma espectacular la construcción de una ferroviaria en Union Pacific (1939). Los cimientos del género estaban poco a poco consolidándose y la época de esplendor no tardaría en llegar.

"Union Pacific" (1939) de Cecil B. DeMille.

Sinopsis: En 1862, durante la Guerra de Secesión, dos empresas rivales comienzan a construir la primera línea de ferrocarril transcontinental que enlace el Atlántico con el Pacífico. Al tiempo narra los amores entre la hija de uno de los ingenieros, Mollie Monahan (Barbara Stanwyck), el agente del gobierno encargado de la seguridad Jeff Butler (Joel McCrea) y el principal saboteador Dick Allen (Robert Preston).

ANTOLOGÍA DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN, PARTE 1: DESDE LOS INICIOS DEL CINE A 1929. - Por Frank Binueza

Fotograma clásico de “Le Voyage dans la Lune / Viaje a la Luna” (1902)

Según la crítica sociocultural y  de cine, Vivian Sobchack, “El cine de ciencia ficción es un género cinematográfico que hace énfasis en la ciencia actual, extrapolable o especulativa y el método empírico, relacionándose con un contexto social que está menos enfatizado, pero aún presente, trascendentalismo de la magia y la religión, en un intento de reconciliar al hombre con los desconocido”. 

En términos generales el cine de ciencia ficción nos presenta con realismo y con algún grado de respaldo científico, fenómenos poco plausibles en la vida diaria como vida extraterrestre y viajes en el tiempo, a la par de grandes avances tecnológicos, siendo utilizado en conjunto como medio de crítica de aspectos sociales o políticos, explorando cuestiones filosóficas y temas espinosos, que permiten un examen más profundo de los mismos y reflejar las ideas presentadas, con la perspectiva de un observador viendo escenas lejanas.

DESDE LOS INICIOS DEL CINE…

La ciencia ficción fue un tema popular desde la época primitiva del cine, varios cortos de cine mudo incluían elementos que se pueden considerar dentro del género, sin embargo incluían más humor para atraer al público dejando de lado la temática tecnológica. Se utilizaban rudimentarios trucos fotográficos y decorados espaciales para sorprender a la audiencia.

Georges Méliès junto a su obra maestra.

No fue hasta 1902, cuando Georges Méliès asombró al público con “Le Voyage dans la Lune / Viaje a la Luna”, inspirada en la obra de Julio Verne. La icónica imagen de la luna con rostro humano en donde aterrizaba una nave espacial, está incrustada en la mente de los amantes del cine de todos los tiempos. A partir de este momento Méliès, un precursor de los efectos especiales, fue reconocido como “El Mago del Cine”, por su habilidad de manipular y transformar la realidad, utilizando múltiples exposiciones, fotografía en lapso de tiempo, disoluciones de imágenes y fotogramas coloreados a mano. 

“L'Éclipse du soleil en pleine lune / El eclipse: el cortejo entre el Sol y la Luna” (1907)

Su legado como padre del “Cine de Ciencia Ficción” continuó con títulos como “Le Voyage à travers l'Impossible / El viaje a través de lo imposible” (1904), inspirada en otra obra de Julio Verne, y “L'Éclipse du soleil en pleine lune / El eclipse: el cortejo entre el Sol y la Luna” (1907), una representación romántica de un evento científico, considerada como precursora del cine LGTB; estas películas son una pequeña pero importante parte de su extensa filmografía.

“Le Voyage sur Jupiter / Viaje a Júpiter” (1909).

Otro pionero de esa época fue el español, Segundo de Chomón, un minucioso director de cine mudo y técnico de trucaje, con una amplia carrera a principios del siglo pasado en Francia, España e Italia. Considerado como el perfeccionador del stop motion, fue contratado por la Pathé Frères, la productora más importante en ese momento y dueña del monopolio del celuloide. Durante este período filmaría dos de sus más grandes aportes al cine de ciencia ficción: “El Hotel Eléctrico” de 1908, una simpática mirada a los supuestos avances tecnológicos del futuro, y “Le Voyage sur Jupiter / Viaje a Júpiter” de 1909, una aventura espacial muy parecida en su trama a “Viaje a la Luna” de Méliès.

CINE DE TERROR Y CIENCIA FICCIÓN, Y PRIMEROS LARGOMETRAJES

Imagen de el "Monstruo" de "Frankenstein" (1910). 

Durante la época del cine silente, muchas producciones fusionaron la ciencia ficción con el cine de terror para mantener a sus ávidas audiencias, por ejemplo en 1910, fue estrenada “Frankenstein” basada en la novela de 1818, escrita por Mary Shelley. Con apenas 16 minutos sería la primera adaptación de la obra, la cual sería producida por la empresa de Thomas Alva Edison. 

El éxito de este filme promovió el género, estrenándose en 1912, “Dr. Jekyll and Mr. Hyde”, basada en  la novela de Robert Louis Stevenson, “El Extraño Caso del Dr. Jekyll y el Sr. Hyde” de 1886, esta vez producida por la Thanhouser Company.

Buzos preparándose para escenas acuáticas de “20,000 Leagues Under the Sea” (1916)

No fue hasta en 1916, cuando fue estrenada “20,000 Leagues Under the Sea”, basada en la novela homónima de Julio Verne, el primer largometraje que incluía elementos de ciencia ficción, producida por la Universal Film Manufacturing Company (ahora Universal Pictures), un pequeño estudio de cine en ese momento, es reconocida por ser la primer película grabada bajo el agua, además de sus impresionantes efectos especiales, grandes sets y trajes exóticos. 

En 1917, se lanzaría “Himmelskibet / Viaje a Marte”, una película danesa que marcaría el inicio de las aventuras espaciales, y que de manera rudimentaria  muestra los viajes en cohete y la conquista del espacio.

“Himmelskibet / Viaje a Marte” (1917)

LA REVANCHA EUROPEA Y LA CONQUISTA DEL ESPACIO

Con la llegada de los años 20’s, los cineastas europeos empezaron a contrarrestar el monopolio estadounidense en la industria cinematográfico, utilizando  el cine de ciencia ficción para realizar predicciones y comentarios sociales. 

“Aelita” (1924)

En 1924, fue estrenada la película rusa “Aelita”, la primera que trata completamente sobre viajes espaciales, la trama gira en torno a dos soldados bolcheviques que huyen de su realidad a Marte, y con la ayuda de la Reina Aelita de Marte, planean una contrarrevolución. Con una gran carga pro- comunista, utiliza de manera interesante escenarios de Marte, suposiciones sobre el viaje al espacio y vestuarios constructivistas. Su influencia puede verse en varias películas posteriores, incluso en las series de Flash Gordon y probablemente en la película Metrópolis, de Fritz Lang.

“Metrópolis” (1927)

En 1927, el alemán Fritz Lang estrenaría una de las películas más importantes del movimiento expresionista, “Metrópolis”, una distópica y futurista historia sobre la lucha de clases. La visión pesimista del futuro y la interesante puesta en escena de la inteligencia artificial del robot “María”, son los puntos más interesantes en cuanto a ciencia ficción, aunado a la carga política que exuda la película.

“Frau im Mond / La Mujer en la Luna” (1929).

Posteriormente en 1929, el mismo Fritz Lang lanza la que es considerada como la primer película “seria” sobre ciencia ficción, “Frau im Mond / La Mujer en la Luna”, un melodrama con tintes científicos que explora la existencia de oro en la Luna, con un punto de vista muy acertado respecto a los viajes en cohetes, la película utiliza por primera vez el conteo de despegue (de diez a cero), un cohete que se dispara por etapas prediciendo los modernos lanzamientos y la tripulación haciendo frente a las fuerzas G durante el despegue y la aceleración.

Estas y otras predicciones serían logradas con el talento e imaginación de realizadores y guionista, pero con la llegada del sonido todo cambiaría para siempre, los invitamos a que lean la próxima entrega de esta antología, saludos.