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"Cinema Paradiso"

"Cinema Paradiso"

lunes, 15 de enero de 2018

SCARFACE


                                                                      SCARFACE

                              (CARACORTADA/ EL PRECIO DEL PODER, Brian De Palma, 1983)
 
 
 
Remake de un clásico de 50 años antes: Caracortada, terror del hampa (1932), dirigido por Howard Hawks y escrito por Ben Hetch, inspirado en la vida del mafioso Al Capone, película que también provocó protestas por su violencia implícita y, curiosamente, algún crítico asalariado del capo  la tildó como “una versión distorsionada de los valores empresariales de América” o algo así.

En 1983, escrita por Oliver Stone,  nuestro viejo amigo Brian de Palma, actualizaba el tema del ascenso de un delincuente de poca monta que se convertía en un auténtico rey del crimen organizado, esta vez venía de Cuba, durante el éxodo de 1 millón 250 mil isleños cuando Fidel Castro permitió que desde el puerto de Mariel salieran opositores al régimen y de paso, purificó sus cárceles, pues una quinta parte eran individuos con antecedentes criminales. Así llega Tony Montana a Florida acompañado de su fiel amigo Manny Rivera y desde el comienzo sabemos que este angelito llegará lejos en el submundo del  hampa.
 

 

Caracortada, obvio apodo para un sujeto con una cicatriz en el lado izquierdo del rostro, cuya maldad le facilitará el camino desde sicario a segundo de un mafioso  local y posteriormente, al traicionarlo, a hampón mayor y zar del narcotráfico. Precisamente el vicio hacia la cocaína tanto suyo como de su esposa  marcarán su declive, sumados a su comportamiento totalmente antisocial, su amor evidentemente incestuoso hacia su hermana y su gusto por las armas, confluyendo  en un sangriento desenlace.

Tony Montana es una caracterización brutal de Al Pacino que nos hace olvidar que ya había interpretado otros personajes.  El contenido Michael Corleone se psicopatiza en un repulsivo ser hiperquinético  que no mide obstáculos hasta llegar a su objetivo, aunque tiene sus principios: ¡Todo lo que tengo son mis bolas y mi palabra y no las romperé por nadie!, así como tampoco se mete con mujeres (a menos que quiera algo de ellas) y niños. Pero Pacino le brinda también simpatía al tipo pues siendo otro quisiéramos que ya sea baleado a los 20 minutos de la peli, sino que estupefactos  admiramos su recorrido hacia la cúspide. ¿Qué quieres? Le pregunta su amigo Manny. Quiero el mundo y todo lo que hay en él, le responderá, y justamente eso tendrá al final en forma de un enorme globo terráqueo colgando sobre su cadáver: The world is yours.

 

 
 Como su mano derecha está Steven Bauer, un cubano (el único cubano de la peli) nacionalizado americano que comenzó llamándose Esteban “Ricky” Echeverría y que de una serie divertida llamada QUE PASA USA  saltó a la fama con este personaje que también será víctima de la paranoia de su amigazo solo por el pecado de enamorarse de la hermana del psicótico (spoiler que seguramente todo el mundo sabe) y que contribuye al desastre total que está por venir.

 


 
En papeles secundarios aparecen Michelle Pfeiffer recién salidita de Grease 2, luciendo una belleza condenada a la destrucción, primero amante del criminal Frank López (Robert Loggia) y luego mujer de Montana. Mary Elizabeth Mastrantonio  encarna a Gina, la fraternal carne del deseo. Y en papeles mucho menos importantes reconocemos a Gregg Henry, Harris Yulin, Paul Shenar (Alejandro Sosa, rey de la coca boliviano) y a  un tal F.Murray Abraham.

Brian de Palma  de una manera vertiginosa, quizá para subliminalmente hablarnos del efecto del polvo blanco, dirige esta explosiva, sangrienta (aunque la verdad, se sugiere más de lo que se muestra), ochentera (música disco y sintetizadores) película , criticada por el exceso de lenguaje obsceno (hay fucks por doquier), que llevó a la ejecución de 2 versiones, la una para cine y otra descafeinada para la tv. Brian sustituyó a Sidney Lumet, que fuera el elegido por Martin Bregman y quien sugirió los cambios de localidad (Chicago por Miami) y el tipo de droga (alcohol por coca), pero un desacuerdo con el guión lo dejó fuera.  Guión escrito por Oliver Stone que necesitaba reivindicarse del fracaso del filme de terror LA MANO (remake de LAS MANOS DE ORLAC) donde ejerció de director. Con eso la carga política y crítica al sistema ya iba por buen camino, recordemos que se iniciaba la era Reagan, capitalismo en estado puro. La música  trepidante estuvo a cargo de Giorgio Moroder. Push it to the limit, daba el pincelazo adecuado para retratar el ambiente de la época.


 

El apoteósico final con un alucinante Tony, hiperexcitado con la coca y la adrenalina,  metralleta en mano (say hello to my Little friend)  llevándose a más de una veintena de sicarios cual Rambo forma parte de la historia del cine. En la versión de los 30,Caracaortada cae bajo el fuego de los hombres de la ley. Aquí, no pudiendo ser de otra manera pues ese es su destino, son los suyos, los narcos  quienes le darán fin.
 
 
Carlos Fernando Carrión Quezada
 

 

 

 

martes, 9 de enero de 2018

PEGGY SUE GOT MARRIED


                                 PEGGY SUE GOT MARRIED, 1986. Francis Ford Coppola

                             
 
                                       (Peggy Sue se casó/ Peggy Sue, su pasado la espera)

 

 

¿Y si el viaje en el tiempo se nos permitiera en nuestro propio cuerpo y para darnos una segunda oportunidad? Esta vez no para modificar los hechos presentes sino para aprovechar nuestra juventud con la experiencia y conocimientos ganados con los años. ¿Volveríamos a enamorarnos de quien nos enamoramos? ¿Volveríamos a rechazar a gente motivados por nuestros, entonces, estúpidos prejuicios? ¿Nos tomaríamos el tiempo suficiente para dedicarle el tiempo suficiente a nuestra familia sabiendo que es su amor lo más importante e incondicional? ¿Haríamos quizá algo aventurado pero que por aquella época no nos pareció lo correcto o fue solo por temor al qué dirían?  A Peggy Sue le ocurrió. 
 

En el año 1985, en una década en la cual la nostalgia cincuentera y sesentera se tomó el cine,  F.F. Coppola recibió esta película de encargo. Por aquel entonces necesitaba dinero, el vil metal, caso contrario el edificio Sentinel, sede del Zoetrope, tenía que venderse. La remuneración recibida por RIP VAN WINKLE y CAPTAIN EO no fueron suficientes y esperaba que con esta fantasía podría equilibrar su finanzas, eso sí, el guión original fue modificado pues mientras Kathleen Turner terminaba de filmar su JOYA DEL NILO, Francis convirtió una comedia ligera en un estudio sobre el paso del tiempo, la familia, el amor y la nostalgia.
 
 

Peggy Sue es una mujer cuarentona en proceso de divorcio con su esposo Charlie, novios desde la secundaria e involucrados en un matrimonio rutinario donde él ha optado por ser infiel. Se celebran los 25 años de graduación del cole e igual que hace cuarto de siglo ella es coronada reina, sin embargo sufre un desmayo y al despertar se encuentra que ha vuelto en el tiempo.
 
El éxito de REGRESO AL FUTURO el año anterior eclipsó totalmente a este filme. No es por criticar el filme de Robert Zemeckis, que es excepcional por más de una razón, sin embargo toda la atención se volcó a las aventuras de Marty McFly y casi nadie reparó en esta historia a pesar que tuvo 3 nominaciones al óscar incluyendo a mejor actriz.  Peggy Sue se casó, es algo así como un híbrido entre una fábula y una parábola, no importa si el espectador no se cree lo del viaje al pasado porque muy bien puede ser un ensueño de la protagonista y lo que acontece pueden ser solo los deseos de ella para alterar un presente sin futuro. Las escenas a los años 60 donde fue feliz son filmadas con mucho brillo especialmente la visita a la casa de sus abuelos, aquel reencuentro la emociona (y creo que a nosotros por igual) al punto de las lágrimas.  Peggy Sue sabe que un día los perdió pero es en esta escena de recuperación donde se da cuenta que las cosas pueden ir por otro sendero y rechazará al bobalicón de su actual marido (estrella musical de pueblo), hará amistad con el nerd de su clase pues es el único que admite la posibilidad de que ella venga de otra época y se dará el gusto de tener una noche de pasión con el rebelde que algún día le dedicará un poema agradeciéndole una noche maravillosa.  No obstante y para recordar la marca de fábrica, Coppola insistirá en los valores de familia, lo cual también incluye un desenlace donde la aceptación  se impone a la resignación.



 
 
 

Pues Charly (Nicholas Cage) tampoco es que aceptará fácilmente que su amada se le vaya y luchará por ella, cosa que recordará a Peggy Sue que hubo un instante en el cual ella lo amó con locura, que es cierto que la vida te lleva a dónde menos te esperas, pero que es uno mismo quien permite que las cosas sean así porque si no luchas por lo que quieres y dejas que sean las circunstancias las que dominen tu destino entonces para qué vives.



 

 Hay una escena muy divertida en la cual podemos ver la determinación del novio por mantener su relación.  El abuelo de la muchacha, masón perteneciente a una logia presuntamente fundada por un viajero del tiempo, organiza una ceremonia para devolverla a su época y en medio de la tormenta se va la luz, circunstancia que aprovecha el chico para secuestrar a su pretendida aunque los otros piensen que tuvieron éxito y se van a celebrar.  Charly ha decidido quedarse con ella y aquello provoca que Peggy Sue se replantee su situación.
 

Una película “menor” del gran Coppola, pero sigue siendo del gran maestro a pesar de lo endulcorada que pudiera parecer a primera vista. Peggy Sue se casó y bien diríamos que si el matrimonio no funciona para qué continuar con una farsa, no obstante no es el contrato matrimonial lo que perdura sino el vínculo emocional y afectivo lo que conduce a una reinvención de una relación agotada pero todavía viva.

Completan el reparto Joan Allen como amiguis de la prota, Barbara Harris y Don Murray como los papás de Peggy Sue y una jovencísima Sofía Coppola como su hermana menor, Leon Ames y Mauren O’Sullivan como abuelos maternos, Helen Hunt como la hija adolescente del presente.  La participación de John Carradine y la presencia de un infumable Jim Carrey haciendo sus pinitos en el cine como compañero de la banda musical de Cage.

Música de John Barry y fotografía de Jordan Cronenweth.
 
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

domingo, 7 de enero de 2018

DIEZ RAZONES POR LAS QUE “THE ROOM” DE 2003, ES UNA DE LAS PEORES PELÍCULAS JAMÁS HECHAS (PERO QUE AUN ASÍ RESULTA DIVERTIDA). - Por Frank Binueza


Con el grato recibimiento que ha tenido “The Disaster Artist”, producida, dirigida y protagonizada por James Franco, y su interesante retrato de una de las figuras más excéntricas del cine estadounidense, Tommy Wiseau, y la recreación del rodaje de la “The Room” de 2003, queremos hacer notar los puntos más visibles de porque es que esta película de culto, tiene el dudoso honor de encontrarse entre las peores películas jamás hechas de la historia.


“The Room”, cuenta la historia de Johnny (Tommy Wiseau), un hombre que parece tenerlo todo en la vida. Un trabajo bien pagado como banquero, un gran grupo de amigos, entre ellos Mark (Greg Sestero), con el que está más unido, y una hermosa prometida, Lisa (Juliette Danielle). Sin embargo Johnny vive una mentira, Lisa está aburrida de él, y lo engaña con Mark…



ALERTA DE SPOILERS.

A continuación se detallan los puntos más obvios por lo que “The Room” es considerada como una pésima película, por lo cual se hablara de tramas que para las personas que no han visto la película serían spoiler, quedan avisados.
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1. Trama cliché y predecible.

El triángulo amoroso que termina hiriendo al simpático protagonista es una trama poco novedosa en el cine, y en muchos otros casos es mucho mejor desarrollada. Si bien el trasfondo de la historia es un poco más interesante, ya que está basada en una obra de teatro escrita por el propio Tommy Wiseau, y en un libro que no fue publicado basado en dicha obra de teatro. Según Greg Sestero, el personaje de Lisa se basa en una mujer a quien Wiseau propuso matrimonio una vez con un anillo de compromiso de diamantes de 1,500 dólares, pero que “lo traicionó varias veces”, lo que provocó la ruptura de su relación.

Tommy Wiseau en una de las escenas de la "azotea"

2. La inexperiencia del director.

Antes de “The Room”, Tommy Wiseau apenas tenía experiencia en el mundo cinematográfico, que incluyen un curso de actuación impartido por Vincent Chase, y un supuesto paso por “Los Angeles Community College”, en donde asistió a clases de cine. Sin embargo su inexperiencia era notoria, no solo en su interpretación como protagonista, sino por sus decisiones como  productor y director, entre las que destacan la compra de equipo cinematográfico que no fue utilizado y la construcción de sets para escenas que podrían haberse grabado en locaciones naturales. Incluso se comenta que ni siquiera actuó como director en toda la película, ya que solicitó ayuda a Sandy Schklair, un veterano supervisor de guiones, para que le ayudara en la dirección, Schklair le pidió a Wiseau créditos de dirección de la película, pero este se negó. Varios miembros del elenco, entre ellos Greg Sestero confirman que Sandy Schklair fungió como director en varias escenas donde Wiseau estaba absorto en su actuación, dicha historia es retomada en “The Disaster Artist”, con Seth Rogen interpretando a Sandy Schklair.


3. Incómodas escenas de sexo.

Por lo menos en la primera tercera parte de la película, el tono es ampliamente erótico, apoyado con una banda sonora más apropiada para una película porno de los 70’s, Wiseau no escatimó en torpes y poco creíbles escenas de sexo junto a la exuberante Juliette Danielle, la rubia actriz que interpretaba a “Lisa”, nunca las rosas y los velos de encaje fueron más cursis. Un poco más recatada fue la escena de sexo sobre las escaleras (¿?) entre Greg Sestero (quien se negó a quitarse el pantalón) y Juliette Danielle.
Los amigos de Johnny y Lisa que se escabullen a tener sexo en la casa de ellos.

4. Personajes que vienen y van sin ningún sentido.

Si bien no es necesario explicar la presencia o pasado de los personajes secundarios de la historia, un poco de contexto no cae mal. Sin embargo la gran mayoría de ellos simplemente aparecen en escena sin mayor explicación, es surrealista la escena de los amigos de Lisa y Johnny que entran a la casa a tener relaciones sexuales (¿Quién demonios son estas personas? ¿Por qué comer de esa forma el chocolate se considera sexy?). Otros casos son Denny, el joven al que Johnny le paga los estudios, o Peter, el psicólogo.

Diálogo sobre el cáncer de mama.

5. Tramas secundarias inconclusas.

Uno de los puntos más sutiles pero que vistos en retrospectiva son las innumerables tramas secundarias que quedan en el aire. Desde la casual conversación de Lisa y su madre Charlotte, en la que le cuenta sobre su cáncer de mama, que posteriormente se vuelve algo trivial, hasta la deuda por drogas que tiene Denny, la cual nunca se especifica del todo. Eso es por mencionar lo más notorio…

Esta escena es considerada un homenaje a "Rebel without a Cause" de James Dean.

6. Inconsistencias en el guion.

La obsesión de Wiseau de mantener el absoluto control creativo de la historia, haría que él mismo escribiese el guion (sin ninguna experiencia previa), y según muchos miembros del elenco, el guion original era simplemente incomprensible. Razón por la cual no solo había inconsistencias en el desarrollo de la historia principal y de las tramas secundarias, sino también de las personalidades de los personajes. Existen varios ejemplos, pero uno de los más claros es durante la conversación entre Lisa y su madre, cuando le confiesa que ya no quiere a Johnny y que lo engaña con Mark, de un momento a otro, Lisa miente sobre el alcoholismo y la violencia física de Johnny, para luego decir que es una persona maravillosa, y luego volver a su plan de abandonarlo. La infame escena de la azotea, con el famoso diálogo de Wiseau que corona con el “Oh, hi Mark”, es otro ejemplo.

"Oh hi, Mark"

7. Diálogos repetitivos.

Otro de los grandes errores del guion es que los diálogos son absurdamente repetitivos, ya que la mayoría de ellos, en especial los de Johny, empiezan con un “Oh, hi / Oh, hola”, mientras que las mayoría terminan con un “Don't worry about it / No te preocupes”. Otro punto repetitivo, es que al parecer todos los hombres están obsesionados con el cuerpo de Lisa. A pesar de la gran cantidad de diálogo eran sobre la próxima boda de Johnny y Lisa, los personajes solo usan las palabras “futuro esposo” o “futura esposa” en lugar de “prometido” o “prometida”.



8. Exceso de escenas irrelevantes.

Un aspecto que ha quedado como una gran incógnita es la inmensa cantidad de escenas cortas sin sentido en los intermedios de la narración. Entre ellas las innumerables veces que los amigos juegan al futbol americano, incluida la escena aleatoria con los chicos vestidos de esmoquin y jugando en el callejón, o la única escena grabada en un lugar natural al aire libre, en donde Johnny y Mark juegan a atrapar el balón. Otras escenas que no aportan nada, es la rápida escena en la que Johnny entra a la florería, o cuando Jonhhy y Mark van a la cafetería. A pesar de que Wiseau explicó que eran escenas para mostrar lo unido que era Johnny a su grupo de amigos en especial con Mark, y el amor que le profesaba a Lisa, las escenas son tan cortas y aparecen en los momentos más ilógicos que pierden completamente dicho trasfondo. Aunado a eso, muchas tramas eran constantemente cortadas por vistas panorámicas de Los Ángeles.

9. Actuaciones poco convincentes.

A pesar del inmenso casting realizado por Tommy Wiseau para elegir el reparto de la película, terminó trabajando personas con limitada experiencia cinematográfica. El propio Greg Sestero, originalmente era parte del equipo de producción hasta que Wiseau le pidió interpretar el personaje de “Mark”, debido a que el actor original fue despedido, similar situación fue la de Juliette Danielle quien era la tercera suplente de la actriz original elegida para interpretar a “Lisa”. La mayoría de actores parece que están leyendo sus diálogos, y no proyectan ningún tipo de emoción durante ello. Según Greg Sestero, el propio Wiseau tuvo problemas para memorizar sus líneas y aunque mantiene la misma actitud relajada durante la mayoría del metraje, sus reacciones suelen ser exageradas en los momentos de mayor tensión, como cuando no recibe el ascenso que esperaba o cuando Lisa le confiesa que lo engaña con Mark.


10. Un gran presupuesto mal invertido.

Uno de los puntos más extraños de “The Room”, es que a pesar de su carácter abiertamente independiente y su trama aparentemente sencilla, la producción contó con un presupuesto de seis millones de dólares, todo provisto por Tommy Wiseau, quien decía haberse hecho rico con un negocio de importación de chaquetas de cuero coreanas, aunque Greg Sestero en su libro “The Disaster Artist”, decía que Wiseau era rico debido a sus emprendimientos inmobiliarios en Los Ángeles y San Francisco. Sin embargo la mayoría del presupuesto fue malgastado en el reemplazo del reparto y el equipo de filmación, y en las constantes repeticiones de los diálogos de Wiseau, lo que provocó que secuencias de unos poco minutos tardasen días en ser grabadas. 

La fatídica escena del cumpleaños de Johnny.

¿COMEDIA NEGRA O DRAMA POBREMENTE ACTUADO?

Tras el lanzamiento inicial de la película, y las reacciones negativas del público y la crítica, rápidamente Tommy Wiseau salió al paso diciendo que la película era una “comedia negra”, y que todas las situaciones estaban previamente planificadas. Sin embargo la mayoría de personas involucradas en el proyecto confesaría el carácter dramático de la obra original de Wiseau, lo cual queda confirmado con la escena final, en donde Johnny se suicida. A pesar de las excéntricas reacciones de Wiseau sobre la película, se ha mantenido firme desde la salida de la película con respecto al tema, aun cuando para la mayoría de personas es un drama con pobre resultados. Sobre el nombre y trasfondo de la película, “The Room”, Tommy Wiseau declaró que la “habitación” es una metáfora sobre la amistad y los peligros que conlleva.

"Cheep, cheep, cheep, cheep, cheep"

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P.D.: El propósito del artículo no es definir si la película es buena o mala, sino hacer notar las situaciones que obviamente hacen que sea considerada como una “mala película”, cada persona tiene derecho a ver la película y a decidir sobre el valor de la misma, y si tiene algún mensaje.

martes, 2 de enero de 2018

“Fitzcarraldo” de Werner Herzog (1982) - Por Frank Binueza


SINOPSIS:

Brian Sweeney Fitzgerald (Klaus Kinski), mejor conocido como “Fitzcarraldo”, es un excéntrico hombre de negocios obsesionado con la ópera, que ha ido perdiendo su prestigio y su fortuna en absurdas empresas sin futuro. Su último proyecto consiste en construir un teatro de ópera en Iquitos, un poblado peruano a orillas del Amazonas; para conseguir el capital necesario para financiar su sueño, con ayuda de su amante Molly (Claudia Cardinale), la regente del burdel local, decide involucrarse en la explotación y comercio del caucho. Sin embargo parte de su extravagante plan exige sacar del río un gran barco de vapor y transportarlo a través de una montaña…


LOS CONQUISTADORES DE LO INÚTIL…

Ambiciosos con sueños imposibles, así son los protagonistas de las películas de Werner Herzog, característica que también comparte este controvertido director alemán. En esta película, Herzog llega hasta el surrealismo al emular las hazañas del barón del caucho peruano, Carlos Fermín Fitzcarrald, quien a finales del siglo  XIX, obligó a los indígenas de la región de Madre de Dios (Sureste de Perú y afluente de las Amazonas), a transportar un barco de vapor a través de las montañas para encontrar una mejor ruta para sacar el caucho del lugar. 


Pero en el lugar de transportar el barco en partes como el relato original, Herzog utilizó un precario e intrincado sistema de poleas para transportar un barco de vapor de 320 toneladas a través de una colina en plena selva amazónica. Una hazaña irrepetible, que solo representa uno de los grandes retos a los que se enfrentó la producción, la salida por motivos de salud de Jason Robards (protagonista original), el abandono del cantante Mick Jagger (quien actuaba como el asistente del protagonista) por los constantes retrasos de la filmación, e incluso las acusaciones de explotación laboral de una tribu indígena local, inicialmente contratados como extras, pero que terminaron literalmente arrastrando el barco, y que provocó que quemaran las locaciones, palidecen frente a la llegada de Klaus Kinski.


La producción solo sería otro capítulo en la dilatada relación amor-odio entre Herzog y Kinski. Las constantes peleas entre Kinski y la mayor parte del equipo de filmación, y su actitud de divo, hicieron que la tensión llegara a tal punto, que uno de los jefes nativos le ofreció a Herzog matar a Kinski, a lo que Herzog se negó debido a que lo necesitaba para terminar la película. Este capítulo y muchos otros fueron presentados en el documental “My Best Fiend / Mi Mejor Enemigo” de 1999, que Herzog hizo sobre la tumultuosa relación laboral que mantuvo con Kinski.

Hipnótica y surrealista, una bella (y quizá única) representación de la Amazonía peruana de la época, Herzog nos presenta un sueño en el que quizá él mismo se parece más a la figura de Fitzcarraldo que el propio Klaus Kinski. Un relato maniático, tal como ver un barco subiendo una montaña, una oda a la ópera y a la búsqueda de lo imposible… 


FICHA TÉCNICA:
Nombre: “Fitzcarraldo” (1982)
Director: Werner Herzog.
Guion: Werner Herzog.
País: Alemania Occidental, Perú.
Reparto: Klaus Kinski,  Claudia Cardinale,  Paul Hittscher,  Miguel Ángel Fuentes,  José Lewgoy, Grande Otélo.
Género: Aventuras, Drama, Surrealismo.