DIRECTORES ASIÁTICOS CONTEMPORÁNEOS, PARTE 1: CHINA, TAIWAN Y HONG KONG - Por Frank Binueza

"Hero" (2002) de Zhang Yimou.

Como en muchas otras regiones del mundo, existen directores que son más exitosos en sus países de origen, en donde tienen gran reconocimiento tanto entre el público y la crítica especializada, pero que son casi por completo ignorados en occidente. Sus películas no son proyectadas en los circuitos de grandes festivales internacionales, ni mucho menos llegan a las carteleras de países como los de Latinoamérica. En esta serie de artículos estaremos destacando la labor tanto de los más reconocidos directores asiáticos contemporáneos, así como los que son artísticamente interesantes pero cuya labor extrañamente traspasa las fronteras de sus países.

Zhang Yimou (14 de Noviembre, 1951, Provincia de Xian, República Popular de China) – País de Residencia: China.

Zhang Yimou.

Ubicado dentro de la quinta generación de cineastas chinos, comenzó como director de fotografía, y por ende su cine es asociado con una cuidada y estudiada fotografía, haciendo uso de deslumbrantes paisajes rurales y a la figura de la mujer fuerte y decidida, dentro de un contexto íntimo y cotidiano. Siempre en constante controversia con el gobierno chino, a pesar del éxito taquillero de la mayoría de sus películas, también ha sufrido la censura debido a sus posiciones políticas, ya que generalmente hace denuncias sociales aunque la mayoría de sus películas están ubicadas dentro del género épico.

Póster de “Hong gao liang / Sorgo rojo” (1987)

Tomando como musa a una joven Gong Li, con quien realizó su ópera prima “Hong gao liang / Sorgo rojo” (1987), que obtuvo el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 1988, inició una prolífica relación profesional con la actriz, en célebres dramas de época como “Ju Dou / La Semilla de Crisantemo” (1990), “Da hong deng long gao gao gua / La linterna roja” (1991) y “Huozhe / ¡Vivir!” (1994), reconocida con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes. En 1992, obtuvo su primer León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia con el filme “Qiu Ju da guan si / Qiu Ju, una mujer china”. En 1999, obtuvo su segundo León de Oro por “Yi ge dou bu neng shao / Ni uno menos”, y ese mismo año comenzó a trabajar con su nueva musa Zhang Ziyi en “Wo de fu qin mu qin / Camino a casa”.

“Shi mian mai fu / La casa de las dagas voladoras” (2004)

Ya en la década de 2000, Zhang llevó su toque artístico en las epopeyas de artes marciales, con sendos éxitos de taquilla como: “Ying xiong / Hero” (2002), “Shi mian mai fu / La casa de las dagas voladoras” (2004) y “Man cheng jin dai huang jin jia / La maldición de la flor dorada” (2006), todas nominadas en diferentes categorías en los premios Oscar. A pesar de que su nombre es sinónimo de dramas majestuosos y de emocionantes espectáculos, un lado más excéntrico de los talentos de Zhang se puede encontrar en su frenética comedia urbana “You hua hao shuo / Keep Cool” (1997) y la comedia “San qiang pai an jing qi / Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos” (2009). En 2016 lanzó su más reciente película, la megaproducción chino-estadounidense “The Great Wall”, con Matt Damon de protagonista, que a pesar de ser un éxito en taquilla tuvo un pésimo recibimiento por parte de la crítica.

Lou Ye (1 de marzo de 1965, Shanghái, República Popular de China) – País de Residencia: China

Lou Ye

Agrupado dentro de la sexta generación de directores chinos, su trabajo es definido principalmente por el carácter sensual de su obra., en donde combina el sexo y la política de forma interesante, con personajes alienados que navegan por eróticos paisajes urbanos. Por esta razón se mantiene en constante controversia con la censura del gobierno chino.

 “Sūzhōu Hé / Suzhou River” (2000)

Su cinta debut “Zhōu mò qíng rén / Weekend Lover” (1993), obtuvo el Premio Rainer Werner Fassbinder, a pesar de ser lanzada al exterior dos años después debido a la censura. Mayores reconocimientos internacionales llegarían con su segundo film “Sūzhōu Hé / Suzhou River”, película neo-noir con reminiscencias de “Vertigo” de Alfred Hitchcock, pero que fue prohibida por el gobierno por su tratamiento de cuestiones de género. En 2003, realiza “Zǐ Húdié / Purple Butterfly” protagonizada por Zhang Ziyi, una historia de venganza y traición al estilo noir, durante la ocupación japonesa de Shanghai.

Su siguiente trabajo, “Yíhé Yuán / Summer Palace” (2006), sobre dos amantes en el contexto de las protestas de la Plaza Tiananmen de 1989, volvió a poner a Lou en conflicto con las autoridades chinas, resultando en una prohibición de cinco años para él y su productor. Debido a su inhabilitación “Chūnfēng Chénzuì de Yèwǎn / Spring Fever”, sobre un triángulo amoroso y bastante erótico, fue registrada como una coproducción entre Hong Kong y Francia para evitar censores. La película fue demostrada en la competición en el Festival de Cannes de 2009, donde ganó el premio para el Mejor Guión, para el escritor Mei Feng.

“Chūnfēng Chénzuì de Yèwǎn / Spring Fever” (2009)

Sus últimas dos películas “Mistery” (2012), sobre un empresario con una doble vida, y “Blind Massage” (2014), sobre un grupo de masajistas ciegos, mantienen el mismo tratamiento desenfadado de la sexualidad que ha traído controversia al director. En general el trajo de Lou Ye no dejan de persistir en la memoria, debido a la manera en que filtra audazmente la provocación social a través de únicas y seductoras atmósferas.

Tsai Ming-liang (27 de octubre de 1957, Kuching, Malasia) – País de Residencia: Taiwan

Tsai Ming-liang

Nacido en Malasia y de ascendencia china, trasladándose posteriormente a Taiwan, este hecho se ve a menudo reflejado en sus películas, en donde la mayoría de sus solitarios personajes carecen de un sentido de pertenencia. Su filme debut “Qīngshàonián Nézhā / Rebels of the Neon God” (1992), sigue la vida de dos adolescentes con problemas familiares y su alienación con la excesiva vida urbana de Taipei; en “Àiqíng wànsuì / Vive L’Amour” (1994), cuenta la historia de tres personas solitarias que sin saberlo comparten un mismo apartamento; en “What Time Is It There?” (2001), alterna entre la vida de un vendedor ambulante de Taipei y una mujer que está de visita en París, las dos personas se vinculan a través del tiempo por la venta de un reloj; y en “I Don’t Want to Sleep Alone” (2006) trata sobre un hombre sin hogar que está atendido por un trabajador migrante de Bangladesh tras ser golpeado por una turba calle.

“What Time Is It There?” (2001)

Además del sentido de no pertenencia de sus personajes, Tsai Ming-liang es un maestro de la quietud y el silencio, en “Goodbye Dragon Inn” (2003), hay apenas una docena de líneas de diálogo, igualmente tiene una afición por los números musicales neo-surrealistas, como en “The Hole” (1998) y “The Wayward Cloud” (2015). A pesar de la calidad de su trabajo, fue censurado en su país de origen, Malasia, por “I Don’t Want to Sleep Alone” (2006), su primer película ubicada en ese país, por representarlo desde una “mala óptica”, debido razones culturales, éticas y raciales. La polémica fue aún mayor con “Tian bian yi duo yun / El Sabor de la Sandía” (2005), por su fuerte contenido erótico.

Ann Hui On-Wah (Anshan, Manchuria, 23 de mayo de 1947) – País de Residencia: Taiwan

Ann Hui On-Wah

Nacida en China, se trasladó joven a Macao y luego a Hong Kong, en donde se graduó en la Universidad de Hong Kong. Tras varios años en la televisión hongkonesa su labor en el cine de contracorriente de su país la ha llenado de muchos reconocimientos. Es parte de la nueva ola de Hong Kong y tiene un interés por temas como la contienda familiar, la identidad nacional y cuestiones sociales en general. Desde sus inicios, Ann Hui exploró el desplazamiento cultural, con su trilogía de Vietnam, “Boy From Vietnam” (1978), “ Hú Yuè De Gù Shì / The Story of Woo Viet” (1981) y “Tóubēn Nù Hăi / Boat People” (1982), en donde explora el desplazamiento cultural, y la lucha y sobrevivencia de sus víctimas.

“A simple life” (2011) 

Esta preocupación también se puede identificar en trabajos más comerciales como el thriller criminal “Jí Dào Zhuī Zōng / Zodiac Killers” (1991), en donde un estudiante chino que vive en Tokio es absorbido por el peligroso universo de la mafia yakuza. Los melodramas humanos de Hui a menudo abordan el proceso del envejecimiento, en “The Postmodern Life of My Aunt” (2006), cuenta la historia de un jubilado que es estafado de todos sus ahorros, mientras que en “A simple life” (2011) se detalla bellamente la relación entre un productor de cine y su anciana ayudante cuando ésta cae enferma.

Wong Kar-wai (Shanghái, China, 17 de julio de 1958) – País de Residencia: Hong Kong

Wong Kar-wai

Nacido en China Continental, su llegada a los cinco años a Hong Kong fue un choque cultural para él, pasando gran parte de su tiempo en el cine junto a su madre. Tras graduarse de la Universidad Politécnica de Hong Kong, se convirtió en guionista en la industria televisiva del país. Su carrera en el cine iniciaría con el  apoyo de Alan Tang Kwong-Wing, con su cinta debut “Wàngjiǎo Kǎmén / As Tears go By”(1988), y luego tomaría su carrera tomaría vuelo con “Āfēi Zhèngzhuàn / Days of Being Wild”, primer parte de una trilogía informal que completaron  “In the Mood for Love” (2000) y “2046” (2004). Desde sus primeras películas se notó estilo de Wong, con protagonistas que anhelan encontrar el romance, inconscientes de su corta vida, y con escenas que a menudo se pueden describir como incompletas, digresivas, estimulantes y que contienen imágenes vívidas y estimulantes. 

“In the Mood for Love” (2000)

Famoso por su proceso de producción prolongada y por rodar sin guión, el estilo vivo de Wong inició con la colaboración con el director de fotografía australiano Christopher Doyle en la melancólica “Happy Together” (1997) transformando Buenos Aires un espacio hiper-saturado de anhelos insatisfechos. Tales estrellas locales como Tony Leung, Leslie Cheung, Maggie Cheung y diva del pop Faye Wong han prosperado bajo la dirección idiosincrásica de Wong para crear a memorables protagonistas enfermos de amor que pueblan un universo embriagante.

“Happy Together” (1997)

Otras producciones recomendables son “Chucking Express” (1994), dos historias diferentes sin conexión aparente; “My Blueberry Nights” (2007), su primera película en inglés en donde también aborda varias historias inconexas, y “The Grandmaster”, un bioepic sobre el maestro de artes marciales, Ip Man.

Tsui Hark (15 de febrero de 1950, Saigon, Vietnam) – País de Residencia: Hong Kong

Nacido en Vietnam, de ascendencia china, mostró desde temprana edad afición por el mundo del espectáculo y del cine, a los 13 años su familia se mudó a Hong Kong, a pesar de sus deseos de proseguir los pasos de su padre como farmacéutico, se trasladó a Estados Unidos en donde estudió cine, pasando varias temporadas en Texas y Nueva York. A su regreso a Hong Kong, fue rápidamente incluido en el movimiento de la “Nueva Ola Taiwanesa”, mezclando de forma atípica wuxia (artes marciales), misterio, comedia negra, ciencia ficción y elementos de la fantasía, poco a poco fue considerado el “Steven Spielberg de Asia”, en especial con el lanzamiento de “Xīn Shǔ Shān Jiàn Xiá / Zu: Warriors from the magic mountain” (1983), mezcla las leyendas de fantasmas locales con los efectos especiales de Hollywood. 

“Dāo Mǎ Dàn / Peking Opera Blues” (1986)

Hark es un experto en rescatar la Historia de China para presentar historias de una muchedumbre agradable: la agitada comedia de acción en “Dāo Mǎ Dàn / Peking Opera Blues” (1986),  tiene lugar durante la Revolución democrática de 1910; mientras que “Huáng Fēihóng / Once upon a Time in China” (1991) sigue las aventuras del héroe popular Wong Fei-hung, o las épicas artes marciales en “Seven Swordsmen” (2006) ubicadas en la fundación de la dinastía Qing. A mediados de los años 90, Tsui probó suerte en Hollywood con dos películas protagonizadas por Jean-Claude Van Damme: “Double Team” (1997) y “Knock Off” (1998), con resultados mediocres. Sin embargo su obra maestra estilística es “The Blade” (1995), una reinvención casi psicodélica de One-armed Swordsman (1967). Después de una mala racha en los años 2000, Hark regresó con “Detective Dee and the Mystery of the Phantom Flame” (2010) y “The Flying Swords of Dragon Gate” (2011).

Tian Zhuangzhuang (23 de abril de 1952, Beijing , China) – País de Residencia: China

Tian Zhuangzhuang

Graduado de la Beijing Film Academy, e hijo del famoso actor chino de los años 30’s Tian Fang, Tian Zhuangzhuang inició su carrera como fotógrafo y documentalista, lo cual se puede evidenciar por su fascinación por las minorías étnicas de sus primeros trabajos, en “On the Hunting Ground” (1985), realiza una visión documental sobre la vida en Mongolia, y en “The Horse Thief” (1986) explora el paisaje agreste del Tíbet.

“Lán fēngzheng / The Blue Kite” (1993)

Sin embargo poco a poco su trabajo empezó a tomar un matiz más político y de crítico, uno de sus trabajos más aclamados “Lán fēngzheng / The Blue Kite” (1993), tuvo problemas con la censura local al ilustrar el impacto que tuvo la Campaña de las Cien Flores, el Gran Salto Adelante y la Revolución Cultural en una familia de Beijing. Tian tuvo prohibido dirigir por muchos años, pero en 1996 fue mentor de realizadores de la llamada Sexta Generación, hasta su regreso como director en el drama contemplativo “Xiǎochéng zhī chūn / Springtime in a Small Town” (2002). Desde entonces, el director ha aplicado su estilo en la película biográfica “Go Seigen: Kiwami no Kifu / The Go Master” (2004) y en la ambiciosa aventura histórica en “láng zāi jì / The Warrior and the Wolf” (2009).

Hou Hsiao-hsien (8 de abril de 1947, Guangdong, China) – País de Residencia: Taiwan.

Hou Hsiao-hsien

Tras escapar de la guerra civil china, la familia de Hou Hsiao-hsien se estableció en Taiwan, en donde Hou recibió su educación en la Academia Nacional de las Artes de Taiwán. Utilizando exquisitas composiciones, tomas largas y lánguidos estados de ánimos, Hou realiza generalmente dramas minimalistas que retratan las agitaciones de la comunidad taiwanesa y en ocasiones la china durante el siglo XX, a través del impacto que éstas tienen sobre la vida individual de un personaje o de un pequeño grupo, en “Tóngnián wǎngshì / The Time to Live and the Time to Die” (1985) sigue la vida de un niño después de que su familia sale de Taiwán en 1947; en “Bēiqíng Chéngshì / A City of Sadness” (1989) narra el posterior impacto de la Segunda Guerra Mundial en el nacionalista gobierno chino sobre una familia taiwanesa, y en “Xìmèng rénshēng / The Puppetmaster (1993), cuenta la vida de un maestro titiritero que se ve forzado a usar su arte como una herramienta de propaganda bajo la invasión japonesa.

“Hǎishàng Huā / Flowers of Shanghai” (1998)

La recreación sobre el pasado realizado Hou alcanzó un momento cumbre con “Hǎishàng Huā / Flowers of Shanghai” (1998), una película que tiene lugar en los burdeles de la invasión inglesa en 1884. Sus meditaciones sobre la sociedad contemporánea taiwanesa incluye los filmes “Nánguó zàijiàn, nánguó / Goodbye, South Goodbye” (1996) y la hipnótica odisea nocturna de “Millennium Mambo / Qiānxī Mànbō” (2001).

Ang Lee (23 de octubre de 1954, Pingtun, Taiwán) – País de Residencia: Taiwán.

Ang Lee

Quizá uno de los directores más singulares de la actualidad, Ang Lee realizó sus estudios en la National Taiwan University of Arts e hizo su máster en la escuela de arte Tisch de la Universidad de Nueva York, muchas de sus películas han enfocado las interacciones entre la modernidad y la tradición, como en “Manos que empujan” (1992). Sus obras también tienden a tener un tono de comedia ligera que marca una ruptura con el realismo trágico que caracteriza el cine de Taiwán tras el fin del período de ley marcial en los años 1990, lo que demuestra en “Comer, beber, amar” (1994). Fue el primero en introducir temas homosexuales en el cine asiático, “El Banquete de Bodas” (1993) y también fue pionero en las películas de artes marciales/exotismo oriental de gran presupuesto de Hollywood, con la multipremiada “El Tigre y el Dragón” (2000).

“El Banquete de Bodas” (1993) 

Su etapa de cine en Taiwán es considerada la más interesante de su carrera, con la trilogía “Father Knows Best”, en donde presenta valores tradicionales, relaciones modernas y conflictos familiares en familias budistas de Taipei, las películas que conforman la trilogía son: “Pushing Hands” (1992), “The Wedding Banquete” (1993) y “Eat Drink Man Woman” (1995). Tras el éxito mundial de la trilogía con nominaciones en diferentes festivales de cine y premios de cine extranjeros, rápidamente Ang Lee se trasladó a Inglaterra en donde dirigió “Sense and Sensibility / Sensatez y Sentimiento” (1995), basada en la novela de Jane Austen.

“Crouching Tiger, Hidden Dragon / El Tigre y el Dragón” (2000)

Aunque sus filmes posteriores no tuvieron el impacto deseado, su proyecto del año 2000, “Crouching Tiger, Hidden Dragon / El Tigre y el Dragón”, se convertiría en un impresionante éxito de taquilla, explotando al máximo el tradicional género “wuxia” y con una mega coproducción entre Estados Unidos, Taiwán, Hong Kong, Malasia y China, se alzaría con diversos premios, entre ellos el de Mejor Película en Lengua Extranjera. Tras el éxito de “El Tigre y el Dragón”, la carrera de Ang Lee ha sido bastante irregular, intercalando excepcionales cintas como “Brockeback Mountain / Secreto en la Montaña” (2005), “Lust, Caution” (2007) y “Life of Pi / La Vida de Pi” (2012); con cintas con malas críticas como “Hulk” (2003), y “Billy Lynn's Long Halftime Walk” (2016). A pesar del marcado carácter comercial de algunas de sus últimas producciones, el trabajo de Ang Lee es reconocido por su alta carga emocional, explotando los sentimientos reprimidos y ocultos de sus protagonistas.

Menciones especiales:

Jia Zhangke (24 de mayo de 1970, Fenyang, República Popular China)

Feroz crítico de la sociedad china, Jia Zhangke estudia los niveles básicos de los problemas que han borrado la línea entre la realidad y la ficción, debido a la integración de elementos documentales. Fue uno de los primeros en utilizar vídeo digital, y ha dirigido su atención a los efectos de la globalización en la sociedad y a los documentales. Filmografía destacada: “Xiao Wu” (1997), “The World” (2004), “Still Life” (2006), “Dong” (2006), “Still Life, y I Wish I Knew” (2010).

Doze Niu (22 de junio de 1966, Taipéi, Taiwan)

Actor, director, presentador, guionista y productor taiwanés comenzó a trabajar como actor a los 9 años de edad y en 2002 creó su propia productora, Red Bean Production Co con la que realizó diversos proyectos para la televisión. La difícil vida del director con depresiones, problemas con la mafia y enfermedades terminales familiares, influyeron mucho en sus trabajos cinemátográficos. Filmografía destacada: “What on Earth Have I Done Wrong?” (2007), “Taipei 24H” (2009), “Monga” (2010), “Warriors of the Rainbow” (2011), ”Love (2011).

Ning Hao (9 de septiembre de 1977, Taiyuan, República Popular China)

Conocido como el “Guy Ritchi chino”, sus películas están llenas de diálogos divertidos y situaciones rocambolescas en las que se entrecruzaban multitud de personajes, todo de la mano con un estilo muy dinámico, utilizando la acción,  la comedia negra y muchas referencias de cultura pop. Filmografía destacada: “Mongolian Ping Pong” (2005), “Crazy Stone” (2006) “Crazy Racer” (2009) “Guns and Roses” (2012), “No Man’s  Land” (2013), “Breakup Buddies” (2014), “Brotherhood of Blades 2” (2017).

Stephen Chow (22 de junio de 1962, Hong Kong)

Actor y director, experto sobre todo en el campo de la comedia. Fue nombrado el Rey de la comedia por los medios de entretenimiento de Hong Kong. Es reconocido por su característico “mo lei tau” (humor de Hong Kong), que incluye juegos de palabras, doble sentido y bromas a expensas de los aspectos singulares de la cultura china, vista en algunas de sus películas. Filmografía destacada: “God of Cookery” (1996), “The King of Comedy” (1998), “Siu lam juk kau / Shaolin Soccer” (2001), “Kung Fu Hustle / Kung Fu Sion” (2004), “CJ7” (2008), “Journey to the West” (2013), “The Mermaid” (2016).